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Seguramente lo hayan hecho otros antes. Seguramente Peterson sea cursi o naif, pero sus cuadros, en los que habitan fantasmas no necesariamente de seres muertos, sino recuerdos, me hacen pensar.

Ronald Brooks Kitaj (born October 29, 1932) is an American-born artist.

He was born in Cleveland, Ohio and studied at the Cooper Union Institute in New York City and, after a short stint in the United States Army, at The Ruskin (1958-59) and the Royal College of Art (1959-61) in London. He subsequently settled in England, and through the 1960s taught at the Ealing School of Art, the Camberwell School of Art and the Slade School of Art. He was elected to the Royal Academy in 1991.

Kitaj became a significant contributor to British pop art with his figurative paintings featuring areas of bright colour, economic use of line and overlapping planes which made them resemble collages. Allusions to political history, art, literature and Jewish identity often recur in his work. He also produced a number of screen-prints. His later works have been more personal.

As a draughtsman, Kitaj has few equals among modern artists. His intimate studies of the human form are exquisite and sensual, and psychologically penetrating. His more complex compositions build on his line work using a montage practice, which he called ’agitational usage’. Kitaj often depicts disorienting landscapes and impossible 3D constructions, with exaggerated and pliable human forms. He often assumes a detached outsider point of view, in conflict with dominant historical narratives. This is best portrayed by his masterpiece "The Autumn of Central Paris", 1972-73. In this painting the philosopher Walter Benjamin is portrayed, as both the orchestrator and victim of historical madness. The futility of historical progress creates a disjointed architecture that is maddening to deconstruct.

Kitaj was one of several artists to make a post-it note in celebration of 3M’s 20th anniversary. When auctioned on the internet in 2000, the charcoal and pastel piece sold for $925, making it the most expensive post-it note in history, a fact recorded in the Guinness Book of World Records.

Si no hubiera seguido pintando años después, Ángeles Santos habría podido ser el “Arthur Rimbaud” de la pintura. Apareció casi de súbito, en plena adolescencia, con 17 años o menos, embrujó en Valladolid primero y luego en Madrid. En poco más de un año medio pareció hacer un repaso de las estéticas de las vanguardias, asimilándolas, y mejorando día a día, con una velocidad de vértigo, su pintura, cada cuadro. Por una única obra, “Un mundo”, puede ser considerada surrealista: es una pieza grandiosa de 2.90 x 3.10 que se exhibió en el Reina Sofía y que no pudo viajar al Museo de Teruel. A la ciudad mudéjar llegaron trece obras suyas y diez del grupo de Valladolid –esencialmente Cristóbal may, el pintor inglés instalado en la ciudad de Zorrilla, y Mariano de Cossío-, pero no ha podido trasladarse esa mirada libre a Valladolid, que ofrece ecos del Greco, de Walter Spies –en concreto de dos cuadros: “Casa junto al estanque” y “Tío vivo”, recogidos en un libro que marcó toda una impronta en su tiempo: “Realismo Mágico. Post Expresionismo”, que debió ver en algún lugar aquella joven hacia 1928 ó 1929-, de la imaginería surrealista del momento y de algunos versos de Juan Ramón Jiménez, al que Ángeles Santos era muy aficionado. Ese cuadro está reproducido en fotografía y, aunque no es lo mismo y lo hemos podido ver en el Museo Reina Sofía, recibe al espectador que queda de inmediato subyugado.
Es difícil explicarse la evolución, el rápido aprendizaje y los logros de Ángeles Santos. Nacida en noviembre en 1911, era hija de una funcionario de aduanas con muchos hijos –entre ellos, Rafael Santos Torroella, poeta, crítico, experto en Dalí y en la Generación del 27- que iban de aquí para allá constantemente. Para no abrumar al lector con estos continuos traslados, hablaremos de dos esenciales: Sevilla y Valladolid.

En Sevilla, en el Colegio de las Esclavas Concepcionistas, al que asistía Angelita, ya vieron su talento natural para el dibujo y la pintura (“una monja clarividente, la directora, le enseña a dibujar copiando láminas de Ingres”; recordaba el comisario de la muestra Joseph Casamartina), le recomendaron a su padre que la liberase de los estudios, que le dejase concentrar su atención en ese oficio inusual para mujeres. Aunque Julián Santos, hijo de labradores y padre de siete hijos más, era muy conservador, acabaría accediendo, tras el traslado a Valladolid. Allí le paga unas clases con el pintor italiano Cellino Perotti, experto en restauración. Entre las alumnas, de clase alta, se hallaba por ejemplo Mercedes Pino, la hermana del poeta Francisco Pino.
Ángeles Santos acudió a esas clases, de ocho a nueve de la mañana, durante cerca de dos años. Y en 1928, durante una estancia en Saucelle de la Ribera, con sus abuelos, empieza a pintar de veras: paisajes, retratos de algunos familiares, y mezclaba en aquellas tentativas iniciales, en telas más bien grandes, “rotundidad y decisión en el tratamiento de la figura que ocupa casi por completo el cuadro, una cierta dureza y adustez unidas a un estilo bastante ‘naïf’ pero de una autenticidad pasmosa”, escribe en el bello Casamartina. Lo escribe y lo narra de viva voz al pie de otro cuadro impresionante: “Tertulia (El cabaret)”, que también posee el Museo Reina Sofía. A partir de estas piezas iniciales, su evolución será imparable. Pinta a su hermano Rafael, se acerca a las atmósferas de Solana. Y su primer éxito se produce con tres obras que presenta en el Círculo Mercantil de Valladolid: “La tía Marieta”, “Niños en el jardín” y “Retrato de niña”, obras que curiosamente presentan algunos paralelismos con periodos posteriores de Maruja Mallo, como “Un mundo” parece anticipar la obra de Leonora Carrington y Remedios Varo. Se dice que para entonces, y estamos en el verano de 1928, apenas visto pintura: quizá las láminas de Ingres y algunos dibujos de Cristóbal may. Francisco de Cossío le dedica una elogiosa crítica en “El Norte de Castilla”, del cual será director años después, y la saluda como la revelación de la colectiva. Y será él además quien le sugiera a su padre que la encamine hacia la profesión de la pintura en exclusiva. Julián Santos, conservador y reacio a este tipo de modernidades, no sólo acepta sino que será el cicerone de su hija en las visitas a museos de Madrid, y le permite acompañarlo a las tertulias de intelectuales en Valladolid. Tenía entonces 17 años.

Pero va quemando etapas sin descanso: conoce a Cristóbal Hall, un pintor manco nacido en Kent (había perdido el brazo izquierdo en los combates de la I Guerra Mundial), y también a otro artista como Mariano de Cossío (que vivía en Palencia, retirado con sus pinceles y una prodigiosa). Y aún falta otro hermano determinante como José María de Cossío. A su ciudad también regresaba desde Murcia, de cuando en cuando, el poeta Jorge Guillén (al que retratará excepcionalmente Cristóbal Hall). Pero también había ecos constantes de la Generación del 27, ángeles Santos llegará a conocer y a establecer amistad con Lorca. En abril de 1929, Ángeles Santos o Angelita expone individualmente en el Ateneo de Valladolid; Francisco de Cossío vuelve a dar en la diana y se hace en elogios hacia la joven. La exposición fue en abril de 1929. De esa muestra se perdieron muchas obras, pero los visitantes vieron una de las obras que ese expusieron en Teruel: “Autorretrato”, una obra realmente hermosa, de plenitud pictórica y gran desenfado para la época. Y entre abril y mayo de 1929, Ángeles Santos pinta sus dos obras maestras: la ya citada “Un mundo” y “Tertulia”, una obra realmente fascinante y misteriosa. Ángeles declaró en 1999: “Decían que era un genio, pero yo nunca me lo creí. Lorca, Cossío, Guillén, García Lesmes, que era clásico y tuvo una muerte muy desafortunada, Sinforiano del Toro... los intelectuales de la época venían a mi casa para ver mis cuadros (...) Lorca se quedaba perplejo delante de ellos. Me regaló el primer ‘Romancero Gitano’ (...) Mi pintura era atormentada”. Requerida y admirada ya en Madrid, se presentó en el Palacio de Exposiciones del Retiro en octubre de 1929. Llevaba el “Autorretrato”, otro cuadro que con certeza no se sabe cuál es, y “Un mundo”. La acogida es entusiasta. Pero su carrera, suspensa en la obsesión y en un puñado de demonios, se interrumpirá. Ella se sentirá abatida, mal, enferma, huirá de casa, tendrá que ser internada, y finalmente aparecerá el amor en su vida: el pintor Grau Sala se obsesiona con Ángeles, la pinta, la convierte en su musa, se casan, y la mujer que retorna a la pintura hacia 1935 es otra.

Yannis Tsarouchis (1910-1989) was a Greek painter.

Born in Piraeus, he studied at the Greek School of Fine Arts (1929-1935). He was also a student of Photis Kontoglou, who introduced him to Byzantine iconography, whereas he also studied popular architecture and dressing customs. Together with Pikionis, Kontoglou and Agh. Chatzimichalis he led the movement for the introduction of Greek tradition in painting.

From 1935 to 1936 he visited Istanbul, Paris and Italy. He came in contact with the Renaissance art and Impressionism. He discovered the works of Theophilos and met influential artists such as Henri Matisse and Alberto Giacometti.

Art

He returned to Greece in 1936 and two years later he realized his first personal exhibition in Athens. He participated to the Greco-Italian War of 1940. In 1951 he made exhibitions in Paris and London. In 1958 he participated in the Venice Biennale. In 1967 he moved to Paris.

Institutions

In 1982 the Yannis Tsarouchis Museum in Maroussi, Athens was inaugurated. The Museum is actually hosted in the house of the artist. There is also the Tsarouchis Foundation.

He died in Athens in 1989.

Born in Trieste, Italy in 1911, de Mejo had degrees in both Law and Political Science. A believer in the occult and in particular the I Ching, he even chose his art dealer, Ken Nahan according to the I Ching’s advice.

De Mejo’s one constant obsession since boyhood had been painting. After World War II, he married the movie star Alida Valli and they came to the United States. After a stint as a jazz composer, Oscar finally returned to his first love - painting.

Oscar deMejo’s paintings are a mesmerizing mixture of the naive and the sophisticated, the literal and the outlandish. His witty, whimsical depictions of American life are immediately engaging, but upon closer observation their complexity becomes fully apparent, and his unique brand of surrealism is revealed. The myriad irrational and incongruous details that fill his works prod both the concious and unconcious mind.

Oscar de Mejo’s works have been featured in such publications as: American Heritage, Architectural Digest, Art Today, Sciences, Harpers, International Economy, Town and Country, MD Magazine, Vogue Magazine, Die Kunst (Germany), Oggi and Graza (Italy), Yale Literary Magazine, Penthouse, Travel & Leisure and the New York Times.

"The art of Oscar de Mejo is both ’sophisticated’ and ’primitive’. It is ’primitive’ in the sense of being direct, playful, brightly colored and precisely delineated. It is ’sophisticated’ in its choice of themes - and in the degree to which it is artfully influenced by the ’primitive.’ De Mejo has learned things about vision and subtle distortion by studying the work of such naive painters as Bombots and Rousseau, just as Tamayo learned how to disembody his peasants by studying Picasso, or Picasso in turn had gone to school to the African sorcerers - and with as much right."

Julio Romero de Torres (9 de noviembre de 1874 - 10 de mayo de 1930) fue un pintor español. Nació y murió en Córdoba, donde pasó gran parte de su vida. Hijo del también pintor y conocido Rafael Romero Barros, director del Museo Provincial de Bellas Artes de Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a la temprana edad de 10 años. Gracias a su afán por aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX y conoció ya desde muy joven todos los movimientos artísticos dominantes de esa época.

Julio Romero de Torres participó con intensidad en todos los acontecimientos artísticos de Córdoba y España. Ya en el año 1895 participó en la Nacional en Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones de 1899 y 1904, donde fue premiado con la tercera medalla. En esta época inició su experiencia docente en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba.

En 1906, el Jurado de la Nacional rechazó su cuadro Vividoras del Amor, lo que provocó que el Salón de Rechazados fuera más visitado que las salas de la Exposición Nacional. Ese mismo año marchó a Madrid, para documentarse y satisfacer su inquietud renovadora. Después realizó viajes por toda Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos.

En 1907 concurrió ya con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo por fin su primera medalla en la Nacional del año 1908 con su cuadro Musa gitana. También recibió el primer premio en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años después en la Internacional de Munich del año 1913. En la Exposición Nacional de 1912, cuando Romero de Torres aspiraba a la medalla de honor, su obra no fue reconocida, lo que provocó que sus admiradores le entregaran una medalla de oro cincelada por el escultor Julio Antonio. Cuando sus cuadros tampoco fueron premiados en la Exposición de 1915 con la medalla de honor decidió retirarse definitivamente de las Exposiciones Nacionales.

En 1916 se convirtió en catedrático de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, instalándose definitivamente en la capital. A partir de aquí, su obra comenzó a representar el pabellón español en diversos certámenes internacionales, convocados en París, Londres, etc. Sin embargo, el gran momento de éxito se produjo en Buenos Aires, el año 1922. En agosto de ese mismo año Julio Romero de Torres había viajado a la República Argentina acompañado de su hermano Enrique, y en los últimos días de este mismo mes se inauguró la exposición, que fue presentada en el catálogo por un espléndido texto de Ramón Valle-Inclán. La muestra constituyó un éxito sin precedentes. Fue miembro de la Real Academia de Córdoba y de la de Bellas Artes de San Fernando. También exhibió su obra en la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 1929, y en múltiples exposiciones individuales en nuestro país y en el extranjero.

A principios de 1930, Julio Romero de Torres, agotado por el exceso de trabajo y afectado de una dolencia hepática, volvió a su Córdoba natal para tratar de recuperarse. Pintando en su estudio de la Plaza del Potro, realizó entre los meses de enero y febrero la que sería su obra final y más célebremente conocida, La chiquita piconera.

El 10 de mayo de 1930 moría Julio Romero de Torres en su casa de la Plaza del Potro en Córdoba, hecho que conmocionó a toda la ciudad. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que participaron en masa desde las clases trabajadoras más humildes hasta la aristocracia cordobesa, dejaron patente la inmensa popularidad de que gozaba el pintor cordobés.

Hopper, Edward (1882-1967). American painter, active mainly in New York.
He trained under Robert Henri, 1900-06, and between 1906 and 1910 made three trips to Europe, though these had little influence on his style. Hopper exhibited at the Armoury Show in 1913, but from then until 1923 he abandoned painting, earning his living by commercial illustration. Thereafter, however, he gained widespread recognition as a central exponent of American Scene painting, expressing the loneliness, vacuity, and stagnation of town life. Yet Hopper remained always an individualist: `I don’t think I ever tried to paint the American scene; I’m trying to paint myself.’
Paintings such as Nighthawks (Art Institute of Chicago, 1942) convey a mood of loneliness and desolation by their emptiness or by the presence of anonymous, non-communicating figures. But of this picture Hopper said: `I didn’t see it as particularly lonely... Unconsciously, probably, I was painting the loneliness of a large city.’ Deliberately so or not, in his still, reserved, and blandly handled paintings Hopper often exerts a powerful psychological impact -- distantly akin to that made by the Metaphysical painter de Chirico; but while de Chirico’s effect was obtained by making the unreal seem real, Hopper’s was rooted in the presentation of the familiar and concrete.
Edward Hopper painted American landscapes and cityscapes with a disturbing truth, expressing the world around him as a chilling, alienating, and often vacuous place. Everybody in a Hopper picture appears terribly alone. Hopper soon gained a widespread reputation as the artist who gave visual form to the loneliness and boredom of life in the big city. This was something new in art, perhaps an expression of the sense of human hopelessness that characterized the Great Depression of the 1930s.

Edward Hopper has something of the lonely gravity peculiar to Thomas Eakins, a courageous fidelity to life as he feels it to be. He also shares Winslow Homer’s power to recall the feel of things. For Hopper, this feel is insistently low-key and ruminative. He shows the modern world unflinchingly; even its gaieties are gently mournful, echoing the disillusionment that swept across the country after the start of the Great Depression in 1929. Cape Cod Evening (1939; 77 x 102 cm (30 1/4 x 40 in)) should be idyllic, and in a way it is. The couple enjoy the evening sunshine outside their home, yet they are a couple only technically and the enjoyment is wholly passive as both are isolated and introspective in their reveries. Their house is closed to intimacy, the door firmly shut and the windows covered. The dog is the only alert creature, but even it turns away from the house. The thick, sinister trees tap on the window panes, but there will be no answer.

Jack Vettriano (born 17 November 1951 Fife) is a Scottish painter. Originally Jack Hoggan, he grew up in the industrial seaside town of Methil, Fife. He left school at 16 and became an apprentice mining engineer, but later took up painting as a hobby in his twenties. His earliest paintings were copies or pastiches of impressionist paintings (his first painting was a copy of Monet’s Poppy Fields).

Vettriano’s breakthrough year was 1988, when he felt ready to display his paintings in public and submitted two canvases for the Royal Scottish Academy annual show. Both paintings sold on the first day and Vettriano was approached by several galleries who wanted to sell his other work. The success and attention contributed to the breakdown of his first marriage and he moved to Edinburgh, changing his name to Vettriano, his mother’s maiden name.

Further successful exhibitions followed in Edinburgh, London, Hong Kong, Johannesburg, and New York. His paintings are reminiscent of the film noir genre, often with romantic or even pornographic themes.

Although his work is generally dismissed by art critics as being vulgar and devoid of imagination, he is one of the most commercially successful living artists. His original paintings now regularly fetch six figure prices, but he is thought to make more money from the sale of reproductions. According to The Guardian, he earns £500,000 a year in print royalties. Each year a new set of limited edition prints are published, and his most popular work, The Singing Butler, sells more posters and postcards than any other painting in the UK. On 21 April 2004 the original canvas of The Singing Butler sold at auction for £744,500 — in stark contrast to 1992 when Vettriano painted the picture and submitted it for inclusion in the Royal Academy summer show, only to be rejected.

In October 2005, it was ’discovered’that figures in some of Vettriano’s paintings, including The Singing Butler, were based on figures from an artists’ reference manual, The Illustrator’s Figure Reference Manual.[1] This revelation did little to tarnish Vettriano’s reputation,however, as he has never denied being self-taught. In his early years he didn’t have the financial resources to hire models. His talent lies in placing his figures in an unusual narrative context.

Vettriano has studios in Scotland and London. He is represented by the Portland Gallery, London and includes Jack Nicholson and Terence Conran amongst his collectors. In 2003 he was awarded the OBE.

[edit] See also