Christian Strömholm
Fotógrafos
BERNARD MATUSSIERE
Matthias Briens
Chistopher Makos
Ken Marcus
PROFESSIONAL PHOTOGRAPHY
Ken Marcus reveived his business license and began his professional career at age 17 while sharing a studio with special-effects photographer Don Carroll.
One year later in 1965 he opened his studio on Melrose Avenue in Hollywood, Ca. and began shooting for advertising, editorial and entertainment clients.
In early 1972, Ken was selected to be the first American photographer for the British publication Penthouse Magazine as they entered the American market. His early pictorials consisted of fantasy layouts of erotic themes involving couples and models photographed through heavy, soft focus diffusion.
As Penthouse circulation broke all publishing records attracting much media coverage, prominent large Phot-Credits rapidly transformed the heretofore unkown name ’Ken Marcus’ into America’s most well known glamour photographers.
In 1974, Ken joined Playboy and became their West Coast Contributing Photographer shooiting centerfolds, editorials and calendars for 11 years, twice receiving their prestigious ’Photographer of the Year Award’.
After leaving Playboy, Ken returned to shooting for Penthouse and also spent 10 years as the cover photographer for Muscle & Fitness Magazine. For several years Ken waa producing expensive glamour calendars for corporate clients (NAPA , SnapOn Tools, Sumitomo Life Insurance Co., etc).
For 25 years, Ken Marcus ruled the roost of American erotic photographers. In addition to the hundreds of editorials that earned him international fame and recognition, he has traveled throughout the world exhibiting his erotic photographs in galleries, museums and seminar venues.
Ken now is ’officially retired’ from the commercial world of photography and is involved exclusively with producing images for his website. Shooting erotica 2-3 days a week is his idea of’ ’retirement’.
Annie Leibowitz
Annie Leibowitz (2 de Octubre de 1949) es una fotógrafa estadounidense, que adquirió fama por sus elegantes retratos de celebridades utilizando una técnica que brinda impactantes resultados.[editar] Biografía
Nació en Westport, Connecticut, bajo el seno de Samuel Leibowitz y Marilyn Heit Leibowitz. En 1969 vivió en un kibutz en Israel y participó en una excavación arqueológica en el sitio del templo del Rey Salomón. Recibió una licenciatura en bellas artes del San Francisco Art Institute en 1971. Posteriormente siguió sus estudios con el fotógrafo Ralph Gibson.
Conocida por sus retratos de famosos, que abarcan desde figuras políticas a músicos y atletas. Su trabajo ha incluido revistas, moda y fotografía publicitaria. Muchos de sus retratos de famosos de la música rock se han convertido en imágenes de firma. Un ejemplo notable es su retrato de John Lennon desnudo sobre una cama, en un abrazo con su esposa, Yoko Ono, totalmente vestida, el último retrato de John Lennon que ella tomó solo un par de horas antes de su trágica muerte en diciembre de 1980.
Su carrera comenzó en 1970, cuando dio sus fotografías a la revista Rolling Stone. Desde 1970 fue fotógrafo independiente y en 1973 se convirtió en el fotógrafo jefe de esta revista y en 1975 fue fotógrafo de gira de conciertos para la banda The Rolling Stones.
Más adelante trabajó para Life, Vogue, Esquire, Time Newsweek. Ha sido fotógrafo colaborador de la revista Vanity Fair desde 1983, y a principio de los años 1990 fundó el Estudio Annie Leibovitz en la ciudad de Nueva York.
En 1991, Liebovitz se convirtió en el segundo fotógrafo vivo y la primera mujer de todos los tiempos, cuyos trabajos fueron exhibidos en la prestigiosa National Portrait Gallery of Smithsonian Institute en Washington DC. El libro Olympic Portraits, que es el resultado de un largo proyecto de dos años, muestran a atletas olímpicos entrenando. Fue publicado en junio de 1996 cuando tuvieron lugar los Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta. A finales de 1999 publicó un libro de fotografías de mujeres. En diciembre del 2004 perdió a la que había sido su pareja durante más de diez años, la escritora Susan Sontag. Actualmente vive en Nueva York.
Como el fotógrafo de retrato Arnold Newman, Leibovitz ha buscado en su trabajo la forma de acentuar algún aspecto del personaje público de cada sujeto. Usando todo el cuerpo del sujeto, normalmente capturado en medio de una actividad física, Leibovitz alcanza sus efectos sin aparente artificialidad y con un talento - a menudo escandaloso - que aleja su trabajo del de otros artistas de retrato. El trabajo publicitario de Leibovitz, al que ella brinda una frescura y dramatismo equivalentes, ha atraído a muchos clientes importantes.
Tres de las exposiciones de Leibovitz han recorrido los Estados Unidos y Europa. Dos fueron organizadas por la Sidney Janis Gallery (1983-1985 y 1986-1989), y la National Portrait Gallery (Washington, D.C.) la honró en 1991 con una retrospectiva que posteriormente recorrió los Estados Unidos, Europa, y Asia. Sus premios incluyen el American Society of Magazine Photographers (ASMP) Photographer of the Year Award (1984) (premio al fotógrafo del año); el ASMP Innovation in Photography Award (1987) (premio a la innovación en fotografía) ; la Campaign of the Decade Award de la revista Advertising Age (1987); y el Infinity Award para fotografía aplicada del International Center for Photography (1990) (premio al fotógrafo del año), así como los premios Grammy, Kelly, y Clio.
Tony Patrioli
Antonio (Tony) Patrioli nació en Manerbio (Brescia) en 1941. Comenzó su carrera como fotógrafo en 1965 escogiendo el desnudo masculino como tema principal de su obra.Al principio, la fotografía era un hobby para él, los modelos retratados eran sus amantes. A mediados de los 70, decidió dedicarse profesionalmente y se matriculó en una escuela de fotografía publicitaria de Milán donde se diplomó en 1977.
" Mis primeros pasos fueron como fotógrafo erótico", dice Patrioli, "y no voy a renegar de ello"
Al contrario que otros fotógrafos italianos especializados en el desnudo masculino, Patrioli se dirige abiertamente al público gay, declarando su homosexualidad ya en los años 70.
Desde 1976 a 1986 varias revistas gays de Italia y de otros países (especialmente del norte de Europa) publican sus imágenes eróticas, softcore primero y más tarde también hardcore.
Según recuerda Patrioli: "La foto erótica era la única foto de desnudo que tenía mercado en aquella época. Apenas se publicaban libros de desnudo y no existía otra manera de sacar a la luz un producto de ese tipo"
No obstante, aunque la fotografía erótica le daba de comer, Patrioli cultivaba también el desnudo artístico, con una clara inspiración inicial en la obra de Wilhem von Gloeden. "En parte porque von Gloeden era el único fotógrafo de desnudo masculino que no estaba prohibido en la Italia de la época y en parte porque me sentía bastante cercano a sus ideas estéticas. La foto americana de culturistas me parecía muy lejana al mundo y a los muchachos que veía a mi alrededor", explica Patrioli.
Las fotografías de Patrioli son un documento gráfico de un aspecto de la cultura mediterránea que desapareció con la revolución sexual: aquellos jóvenes heterosexuales que se dejaban llevar por el juego homoerótico para mitigar sus deseos sexuales no satisfechos.
Jóvenes de la Italia profunda visiblemente divertidos ante el juego narcisista propuesto por el fotógrafo y ansiosos por exhibir un potencial erótico que la mentalidad de la época les obligaba a mantener enjaulado.
Con el auge del mercado gay, Patrioli por fin puede publicar su primer libro de desnudos masculinos en 1984: Mediterráneo.
En este libro Patrioli propone una tipología muy precisa de muchacho: de unos dieciocho años, piel oscura, un poco salvaje y un poco felino, y sobre todo muy "mediterráneo".
El libro fue todo un éxito y su obra fue ampliamente difundida en otros libros y revistas durante la década siguiente.
La decadencia del mundo y del tipo de muchacho retratado por Patrioli, la gradual desaparición del mercado interesado por la foto "softcore" y sobre todo el triunfo de la foto de desnudo gay de los modelos de tipo norteamericano y la imposición de la industria de la fotografía erótica frente a la tradición artesana que practicaba Patrioli, precipitaron el retiro del fotógrafo.
Actualmente reside en Milán y se dedica a la fotografía, como al principio, por puro hobby y placer personal.
Texto original de Giovanni Dall’Orto en "Who is who in gay and lesbian history"
Sheila Metzner para Uomo (1988)
Bernard Plossu
Bernard Plossu está considerado uno de los grandes fotógrafos del mundo. Su obra se expone en Barcelona en la muestra “Editado, expuesto”, junto a la de Avedon, Irving Penn, Cartier-Bresson. Participó en el V Seminario de Fotografía y Periodismo, y está embrujado por Albarracín. “Me recuerda mucho a Níjar, donde he vivido varios años; allí las casas son blancas, aquí rojizas. En el Seminario hay mucha actividad y mucha calidad”.
Bernard Plossu encarnó durante años al fotógrafo viajero. Son muy famosas sus instantáneas de México, pero también de las carreteras. A principios de los 90 se instaló en Níjar, y captó aquellos paisajes, pero la enfermedad de su padre le obligó a regresar a Francia. Su padre, fallecido en 1995, fue su maestro. “Crecí viendo sus fotos en blanco y negro, algunas tomadas en el Sahara con nieve. Con su muerte, recuperé mis raíces, aunque viajo continuamente hacia Polonia, Austria, Italia, Alemania, Portugal. Yo digo sí a Europa”.
Es un fotógrafo que compone con belleza y elegancia. “A los jóvenes les digo que no recorten las fotos, que usen todo el negativo; a mí me gusta el objetivo de 50 mm., pero les recomiendo que utilicen el que consideren oportuno. Y por último, que hagan lo que sientan, que busquen la verdad, no la seducción que, en el fondo, es un tipo de mentira”.
A.Castro
George Steinmetz
Ouka Lele (Bárbara Allende Gil de Biedma)
Anya Bartels-Suermondt
Fotógrafa y periodista de Televisión alemana residente en Madrid, trabaja como profesional independiente para varios canales de y publicaciones en Alemania desde 1995.Anya ha realizado documentales televisivos sobre diferentes temas culturales y reportajes fotográficos en Méjico, Marruecos, Nueva York, Argentina, Africa y Asia.
Movida por su gran afición por los toros, realizó en 1996 el documental “Baile con la Muerte”para el canal alemán SPIEGL TV.
Esta es una selección de sus más recientes EXPOSICIONES: 1999-2001
8 exhibiciones, serie bajo el título “A Golpe de Alamar” Fotografía taurina, exposición Itinerante en España.
2000
Expo Hannover 2000, “Gente / Paisajes de las Islas Cabo Verde, Busca Tesoros de Arqueología Subacuatica en las Islas Cabo Verde”.
Anya presentó en 2002, el slibro “José Tomas – claves rituales de un enigma”, un amplio trabajo sobre el matador José Tomás, en el Círculo de Bellas Artes, Madrid.
En palabras de la Artista:
Mi trabajo consiste en reflexiones sobre diferentes culturas en Latinoamérica, África, Estados Unidos, Asia, Europa, tanto con imágenes de sitios y arquitectura como de paisajes y gentes, fijándome en detalles significativos. Mi meta es descubrir, entender y mostrar a través de la fotografía diferentes facetas de diversos mundos y culturas.
Christian Lartillot
Eduard Leve
Bruce Webber
Hiroshi Sugimoto
WILHELM von GLOEDEN
El Barón Wilhelm Von Gloeden nació el 16 de Septiembre de 1856 cerca de Wismar una ciudad en el mar Báltico, en Alemania. Lo educaron como a un noble, refinado e instruido. En su juventud, sufriendo problemas de salud, se vio obligado a buscar climas más cálidos. Su educación clásica lo llevó a Italia, asentándose en Taormina, una ciudad de la costa nororiental de Sicilia en 1897. Lo acompañó su hermana y compañera de por vida, Sofía Raab. De Taormina viajó a menudo a través de Italia y en Nápoles visitaría a su primo, Wilhelm Von Pluschow, fotógrafo comercial que enseñó a Von Gloeden las técnicas fotográficas.
En 1889, cuando se interrumpió la llegada de dinero familiar, el interés de Von Gloeden en la fotografía y el propicio regalo de una cámara fotográfica lo condujo a comenzar su carrera como fotógrafo. Comenzó vendiendo postales que mostraban los paisajes y los monumentos de Sicilia y de sus gentes, pero después de poco tiempo su trabajo con los jóvenes de Taormina se convirtió en el producto principal de su estudio. La actitud de los aldeanos hacia la homosexualidad abierta de Von Gloeden fue atemperada por su "generosidad" y por el dinero que pagaba a sus modelos.
Comenzó a fotografiar desnudos masculinos a comienzo de la década de 1890. Colaboró inicialmente con su primo, Von Pluschow, con quien compartía a menudo modelos y apoyos. Los desnudos de Von Gloeden fueron, desde un principio, muy apreciados. La sugerencia de lugares antiguos, del uso de elementos y de composiciones clásicas ayudaban a desviar o a disminuir su impacto sexual.
Muchas de los grandes hombres y mujeres del fin de siécle visitaron al barón en Taormina: Eleanora Duse, Anatole France, Eduardo VII, Richard Strauss y Oscar Wilde, entre otros. Como ciudadanos alemanes, Von Gloeden y a su hermana fueron forzaron a dejar Taormina al comienzo de la primera Guerra Mundial. El estudio y los negativos de su trabajo fue dejado al cuidado de modelos y de amigos hasta su regreso en 1917.
Durante 1929 se formó una alianza entre los gobiernos fascista del Vaticano y de Italia. Von Gloeden nunca pensó que esta alianza sería más tarde responsable de la destrucción del trabajo de toda su vida.
El 16 de febrero de 1931, apenas tres meses después de la muerte de su hermana Sofía, el barón Wilhelm Von Gloeden murió. Pancrazio Bucini, - "El moro" - antiguo amante y modelo, se transformó en el depositario de la obra del barón, estimada en tres mil negativos.
En 1933 se produce una primera confiscación del parte del material fotográfico de Gloeden por la policía fascista quien destruye 1.000 placas de vidrio y 2.000 copias.
Según la política imperante impuesta por la alianza Bucini fue acusado, en 1936, de "guardar pornografía" y una incursión fascista en el archivo de Von Gloeden destruyó o dañó más de la mitad de sus negativos; los que se salvaron fueron confiscados por el gobierno. Un juicio posterior absolvió de los cargos de pornografía a Bucini pero los negativos no fueron devueltos hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Para entonces solamente algunos cientos seguían intactos. Las doctrinas represivas de la iglesia continuaron declarando inmoral el trabajo de Von Gloeden hasta los últimos años 60 y los primeros años 70, cuando una nueva apreciación de la fotografía y una disminución de la influencia vaticana, conllevó un redescubrimiento de su trabajo
Alison Jackson
http://www.alisonjackson.com/Alison Jackson (born 1960) is a English photographer. She hit the headlines in 2000 with her lookalike photographs of celebrities in compromising positions, and went on to win a BAFTA for BBC 2’s series Double Take
Contents
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* 1 Biography
* 2 Personal life
[edit] Biography
A BA (Hons) Fine Art Sculpture from the Chelsea College of Art as an adult student, was followed by an MA Fine Art Photography from The Royal College of Art, London.
Jackson became notorious in Britain during 1999 for producing black-and-white photographs that apparently showed Princess Diana and Dodi Al-Fayed with a mixed-race love child. Since the couple died without producing offspring the photographs were clearly impossible. They appeared convincing because Jackson had employed look-alike models to pose as Di and Dodi. The photos, part of her graduation series entitled Mental Images, were technically assured, beautifully composed and lit in a manner reminiscent of Old Master paintings of the Holy Family. Jackson was attracted to the subject of Diana because she was a national icon at the time of her death and by the fact that millions mourned her even though the majority only knew her through mass media images. It was also clear to Jackson that people fantasised about Diana’s love life.
Jackson was also the artist behind BBC Two’s series Double Take, for which she won a BAFTA [1]. Her next targets are rumoured to include George W Bush and: "Tony Blair. Like Sven, he’s on his way out."
[edit] Personal life
Her father was a wealthy eccentric who’s life as owner of his family’s Georgian estate near Portsmouth was shattered in 1972 when he received a government purchase order to run the new M23 through his parkland. "It devastated him. He was so upset that he arranged to have the house burned down" The Jackson family - Alison has an older brother - moved to an equally impressive Gloucestershire mansion, originally an 11th-century Gilbertine monastery, with its own chapel and network of secret tunnels.
Her childhood was spent largely at Croft House, a "miserable" Sussex boarding school "for complete dunces, where it was all about needlework and dressage". Sarah Ferguson was a pupil. Her eccecentric father died when she was a teenager.
Jackson is single and childless. She has a "relatively long-term" boyfriend called Anthony, a film producer. She lives in one of Chelsea’s most opulent streets, in a house which used to be Turner’s art studio. Jackson bought it as a derelict shell, and turned it into one big, sparse, starkly minimalist space decorated with a white chaise longue, a shelf of rare books, a Bang & Olufsen music system and the a grand piano. Guests who come to her dinner parties apparently include Lord Brocket and Notting Hill socialite Melissa Chassay
Cristina García Rodero- Rituales en Haití
Pierre et Gilles
Ce couple d’artistes, qui vivent et travaillent ensemble depuis 1976, s’est, au fil des dernières décennies, construit, approprié et façonné sur la scène artistique une place à part, une niche spécifique, abolissant les frontières arbitraires et archaïques entre genres, thèmes et sources iconographiques. Un style très particulier devenu très "mode".Après le succès retentissant de leurs expositions monographiques de Paris (Maison Européenne de la
photographie), Glasgow (Museum of Modern Art), Tokyo (Ginza Art Space), Turku (Turun Taide Museum), New York (New Museum of Contemporary Art), San Francisco (Yerba Buena Arts Center for the Arts) et plus récemment à Vienne (Kunsthaus Wien), c’est au Botanique qu’a été présentée, pour la première fois en Belgique, une rétrospective inédite de leur travail.
Une sélection d’œuvres inédites ou méconnues ont été présentées aux côtés de réalisations très célèbres et, en avant-première, de quelques-unes de leurs créations les plus récentes (2002). Un album embrassant l’ensemble de leur production et retraçant son évolution depuis 1976, a été réalisé à l’occasion de l’exposition.
Reconnaissable d’emblée, leur œuvre est unique à plus d’un titre. Sa singularité repose d’abord sur la spécificité d’un processus créatif, adoptant un dispositif à la fois manuel et mécanique, complexe et toujours soigneusement pensé. Avec une complémentarité rarement atteinte dans un duo d’artistes, Pierre et Gilles (inter)agissent à chaque étape de la conception et de la réalisation de leurs oeuvres.
Une technique originale
Commençant par réaliser des dessins préparatoires, ils conçoivent ensuite la mise en scène théâtrale de leur décor au gré d’objets et accessoires chinés ou spécialement fabriqués pour l’occasion. Pierre photographie alors la scène, en un unique tirage que, loin de toute manipulation digitale, Gilles retravaille ensuite par couches successives de glacis et de couches picturales, au pinceau et à l’aérographe, mutilant ainsi la possibilité de reproductibilité à l’infini de l’œuvre photographique. S’impose enfin le choix et la conception d’un encadrement spécifique, prolongement essentiel de la photographie peinte.
De cette intime imbrication des techniques photographique et picturale, leur permettant véritablement de s’exprimer l’un avec l’autre, jaillit une œuvre unique, hybride et syncrétique, abolissant les oppositions traditionnelles entre supports d’expression artistiques. Se dépouillant d’une partie de ses vertus de représentation mimétique, la photographie gagne en idéalisation, assumant les qualités affectives et sensorielles de la peinture, tandis que cette dernière tend vers un surcroît de vérité objective.
Mais ce syncrétisme trouve également sa transposition dans la façon remarquable dont Pierre et Gilles, en véritables iconophages, brassent et s’approprient une multitude de genres (du portrait à l’imagerie religieuse en passant par l’affiche publicitaire) et de thématiques, au croisement de traditions et de sources iconographiques diverses.
Le profane et le sacré, le banal, l’anodin et le consacré se côtoient dans un univers féerique, nourri de rencontres et de voyages, de souvenirs et de rêves et exaltant le regard étonné et admiratif de l’enfant qui se tapit au fond de tout un chacun.
Qu’il s’agisse de célébrités (Lio, Nina Hagen, Serge Gainsboug, Etienne Daho, Arielle Dombasle …) ou d’inconnus, le modèle, souvent abordé dans une frontalité iconique, se retrouve au centre du dispositif de Pierre et Gilles.
Métamorphosé en saint, voyou, marin, divinité ou encore en héros romanesque, il s’intègre à un univers bigarré où références à la publicité, à l’imagerie télévisuelle, à la tradition picturale, à la mythologie classique, à l’iconographie chrétienne se nourrissent l’une l’autre.
Flirtant délibérément, mais en les dépassant, avec l’imagerie "pop", l’univers de la mode et du "glamour", l’œuvre de Pierre et Gilles fait fi des distinctions traditionnelles entre Beau et Laid, Bien et Mal, culture populaire et tradition classique. Il en résulte une œuvre résolument originale et personnelle, dont le but ultime tend toujours à la recréation d’un idéal iconique et affectif.
Dans cette résolution de tout antagonisme dialectique, Pierre et Gilles opèrent donc un travail déstabilisant et subversif, sapant les hiérarchies et catégorisations convenues et mettant au défi les normes de bienséance, qu’elles soient esthétiques ou moralisatrices.
Reflet intime de leur façon de vivre, leur art livre sans doute la clef de sa popularité dans cette authenticité et cette faculté qu’il a d’exprimer l’ambivalence de notre réalité et de l’univers mental bigarré, mélangé de notre société contemporaine.