Se muestran los artículos pertenecientes a Noviembre de 2006.
Bienvenido
Para empezar a publicar artículos y administrar tu nueva bitácora:
- busca el enlace Administrar en esta misma página.
- Deberás introducir tu clave para poder acceder.
Una vez dentro podrás:
- editar los artículos y comentarios (menú Artículos);
- publicar un nuevo texto (Escribir nuevo);
- modificar la apariencia y configurar tu bitácora (Opciones);
- volver a esta página y ver el blog tal y como lo verían tus visitantes (Salir al blog).
Puedes eliminar este artículo (en Artículos > eliminar). ¡Que lo disfrutes!
Vincent
Vincent
Starry starry night, paint your palette blue and grey
Look out on a summer’s day with eyes that know the darkness in my soul
Shadows on the hills, sketch the trees and the daffodils
Catch the breeze and the winter chills, in colors on the snowy linen land
Now I understand what you tried to say to me
How you suffered for you sanity How you tried to set them free
They would not listen they did not know how, perhaps they’ll listen now
Starry starry night, flaming flowers that brightly blaze
Swirling clouds in violet haze reflect in Vincent’s eyes of china blue
Colors changing hue, morning fields of amber grain
Weathered faces lined in pain are soothed beneath the artist’s loving hand
Chorus:
For they could not love you, but still your love was true
And when no hope was left in sight, on that starry starry night
You took your life as lovers often do,
But I could have told you, Vincent,
This world was never meant for one as beautiful as you
Starry, starry night, portraits hung in empty halls
Frameless heads on nameless walls with eyes that watch the world and can’t forget.
Like the stranger that you’ve met, the ragged man in ragged clothes
The silver thorn of bloody rose, lie crushed and broken on the virgin snow
Now I think I know what you tried to say to me
How you suffered for you sanity How you tried to set them free
They would not listen they’re not listening still
Perhaps they never will.
Rafael Verga
Rafael Verga, born July 27, 1981, in Florianópolis, Santa Catarina, Brazil, is a professional male model.The Brazilian-born hunk is the new face of 2xist underwear and he is quickly making a name for himself on the modeling scene. His body is perfection, and he pops up in many ads and photo spreads in America and South America.
His first job was a commercial for L&G, como figurante, in 2000. These days, he’s in demand and very busy with upcoming photo spreads for companies such as Calvin Klein and Fruit of the Loom. With an Aussie Bum campaign on the horizon, we’re sure to see more of that body in the months to come.
He stands 6 feet tall and weighs between 170 and 185 pounds. He has light brown hair with hypnotic green eyes. Those piercing eyes and perfectly toned abs guarantee that he will be one stud to reckon with for a long time.
He says he is honest and that his flaw is believing everyone. He loves food, especially rice, beans, and burgers. During his spare time, he loves to go to the beach and surf, which is his number-one hobby
The most important moment in his life so far was when he piloted an airplane for the first time, and he hopes to work as a pilot one day. A dream trip for him would be to visit Indonesia with friends.
Chris Evans
Birth nameChristopher Robert Evans
Nickname
Cevans
Height
6' 0½" (1.84 m)
Mini biography
Chris Evans - not to be confused with the British DJ and wild man of the same name - began his acting career in typical fashion: performing in school productions and community theater. But it was his rapid rise to stardom that was unusual. Bitten by the acting bug in the first grade because his older sister, Carly, started performing, Evans followed suit and began appearing in school plays. From there, it was a quick jump to theater camp and later an internship for a casting office - a position he held one summer while living in a hole-in-the-wall in Brooklyn, New York. Once Evans made friends with a few agents on the job, it was a straight shot to television and blockbuster features.
Originally from Framingham, Massachusetts, the Evans family moved to suburban Sudbury when he was 11 years-old. While at Lincoln-Sudbury Regional High School, his obvious talent led others to lavish praise and encouragement on him, particularly his drama teacher, who cited his performance as "Leontes" in "The Winter's Tale" as exemplary of his skill. After more school plays and regional theater, he moved to New York and attended the Lee Strasberg Theater Institute. On the advice of friends, he landed an internship at a casting office and befriended a couple of the agents he regularly communicated with - one of whom later took him on as a client. The screen - not the stage - then became his focus; Evans soon began auditioning for feature films and series television.
Evans made one of his first appearances on "The Fugitive" (2000) (CBS, 2000-2001), a remake of the 1960s series and feature film starring Harrison Ford. In the episode "Guilt", Evans played the son of a small-town sheriff who tries to exact revenge after Dr. Kimble - incognito as a liquor store owner - refuses to sell him and his friends alcohol. After small roles in Cherry Falls (2000) and The Newcomers (2000) - two unknown low-budget features - Evans appeared in "Boston Public" (2000) (Fox, 2000-2004) as a murder suspect. He then appeared in his first major feature, Not Another Teen Movie (2001), a tiresome spoof on teen comedies wherein he played a jock who makes a bet that he can turn an unpopular and unkempt girl (Chyler Leigh) into prom queen.
After filming a couple of television pilots he was confident would be successful - Just Married (2003) and Eastwick (2002) (TV) - he appeared in another listless teen comedy, The Perfect Score (2004), playing an average, ho-hum student who takes part in a plot to steal the SAT test. Hijinks naturally ensue. Then, Evans broke through to the Big Time, grabbing the lead in the kidnapping thriller, Cellular (2004), a suspenseful B movie with a cheesy gimmick - a random wrong number on his cell phone forces him into a high-stakes race to save an unknown woman's life. Despite an unassuming performance from Evans and Kim Basinger as the damsel in distress, Cellular (2004) failed to break any box office records or please a wide majority of critics. Evans then prepared himself for super stardom when he signed on to play "Johnny Storm" (a.k.a. The Human Torch)in Fantastic Four (2005), 20th Century Fox's long-awaited adaptation of the Marvel comic. Although the film was wildly uneven and disappointing, Evans nearly stole the show with his energetic, unfettered performance.
Eddie Cibrian
Birth nameEdward Bryant Cibrian
Height
6’ 2" (1.88 m)
Spouse
Brandi Glanville (12 May 2001 - present) 1 child
Trivia
He proposed to his longtime girlfriend Brandi Glanville "seconds before midnight New Year’s Eve 1999".
Son, Mason Edward, born 8 June 2003.
Raised in San Fernando Valley as the only child of Carlos and Hortensia Cibrian (both of Cuban descent)
Attended UCLA and majored in business/economics
Named one of the best celebrity bodies on Eonline
Named one of "Daytimes 12 Hottest Stars" by TV Guide in 1997 after being on Sunset Beach for five months.
The only child
Likes to play golf, football, tennis, and basketball
Part of the pop boy band 3 Deep
Entered UCLA’s football program in the autumn of 1991.
He is involved with many charity organizations, including the Make-a-Wish Foundation.
When trying out for The Young and the Restless, he originally auditioned for the role of Nick Newman but producers felt that he was too old for the part but they were extremely impressed by his acting so they created another character for him on the show instead.
Although CBS had signed him to a three-year contract on "The Young and the Restless", he only stayed for two.
Wentworth Miller
Biography for
Wentworth Miller
Birth name
Wentworth Earl Miller III
Nickname
Stinky
Went
Miller
Height
6’ 1" (1.85 m)
Mini biography
Born in the United Kingdom, raised in Brooklyn, New York, and a graduate of Princeton University, Wentworth Miller is a compelling and critically acclaimed young actor whose credits span both television and feature film.
Miller began his career in the industry on the other side of the camera. After graduating from college with a degree in English Literature, Miller headed to Los Angeles in the spring of 1995 to work in the development department of a small production company specializing in movies made for television. However, it wasn’t long before his desire to realize the acting ambitions of his childhood became undeniable.
Within the next few years, he landed guest spots on a variety of shows including Buffy The Vampire Slayer, ER and Popular. He also starred in the Hallmark "mega-series" Dinotopia.
Miller then segued to The Human Stain, a feature film directed by Robert Benton and starring Sir Anthony Hopkins and Nicole Kidman. A movie examining questions of race, class and identity, it featured Hopkins as an embattled college professor struggling to conceal an incredible secret, with Miller playing the same character as a young man.
Miller subsequently appeared in the movie Underworld and guest-starred on Joan Of Arcadia and Ghost Whisperer before joining the cast of Prison Break, a groundbreaking television series that’s quickly become an international phenomenon. Playing a structural engineer who gets himself thrown into the same prison where his brother is on death row in order to break his brother out, Miller was nominated for a Golden Globe for Best Performance by an Actor in a Television Series - Drama in 2006.
Blue velvet
She wore blue velvet
Bluer than velvet was the night
Softer than satin was the light
From the stars
She wore blue velvet
Bluer than velvet were her eyes
Warmer than May her tender sighs
Love was ours
Ours a love I held tightly
Feeling the rapture grow
Like a flame burning brightly
But when she left, gone was the glow of
Blue velvet
But in my heart there’ll always be
Precious and warm, a memory
Through the years
And I still can see blue velvet
Through my tears
She wore blue velvet
But in my heart there’ll always be
Precious and warm, a memory
Through the years
And I still can see blue velvet
Through my tears
Vocal by Bobby Vinton
written by Bernie Wayne/Lee Morris
Vestía terciopelo azul
Más azul que el terciopelo era la noche
Más suave que el satín era la luz
De las estrellas
Vestía terciopelo azul
Más azules que el terciopelo eran sus ojos
Más cálidas que mayo sus miradas
Era nuestro el amor
A nuestro amor me aferré con fuerza
Sintiendo que crecía el embeleso
Como una llama que ardía brillante
Pero cuando ella se marchó, la llama se apagó
Terciopelo azul
Pero en mi corazón siempre habrá
Precioso y cálido un recuerdo
A través de los años
Usaba terciopelo azul
Pero en mi corazón siempre habrá
Precioso y cálido un recuerdo
A través de los años
Y todavía puedo ver el terciopelo azul
A través de mis lágrimas
Cantada por Bobby Vinton
Escrita por Bernie Wayne/Lee Morris
1
Rebeca (1940)
A shy ladies companion is staying in Monte Carlo with her stuffy employer when she meets the wealthy Maxim de Winter. Max is still troubled by the death of his wife, Rebecca in a boating accident the year before. She and Max fall in love, get married and return to Manderlay, his large country estate in Cornwall. The second Mrs. de Winter meets the housekeeper Mrs. Danvers and discovers that Rebecca still has a strange hold on everyone at Manderlay.Directed by
Alfred Hitchcock
Writing credits
Daphne Du Maurier (novel)
Philip MacDonald (adaptation) ...
(more)
Cast overview, first billed only:
Laurence Olivier .... ’Maxim’ de Winter
Joan Fontaine .... The Second Mrs. de Winter
George Sanders .... Jack Favell
Judith Anderson .... Mrs. Danvers
Nigel Bruce .... Major Giles Lacy
Reginald Denny .... Frank Crawley
C. Aubrey Smith .... Colonel Julyan
Gladys Cooper .... Beatrice Lacy
Florence Bates .... Mrs. Edythe Van Hopper
Melville Cooper .... Coroner
Leo G. Carroll .... Dr. Baker
Leonard Carey .... Ben
Lumsden Hare .... Tabbs
Edward Fielding .... Frith
Forrester Harvey .... Chalcroft
(more)
Runtime: 130 min
Country: USA
Language: English
Color: Black and White
Miss Celie's Blues
Woh woh ..........
Uhm uhm ..........
Uhm uhm ..........
Sister,
you’ve been on my mind
Sister, we’re two of a kind
So sister,
I’m keepin’ my eyes on you
I betcha think
I don’t know nothin’
But singin’ the blues
Oh sister, have I got news for you
I’m somethin’
I hope you think
that you’re somethin’ too
Oh, Scufflin’,
I been up that lonesome road
And I seen a lot of suns goin’ down
Oh, but trust me
No low life’s gonna run me around
So let me tell you somethin’ sister
Remember your name
No twister,
gonna steal your stuff away
My sister
Sho’ ain’t got a whole lot of time
So shake your shimmy,
Sister
’Cause honey this ’shug
is feelin’ fine
Gloria Swanson en El crepúsculo de los dioses
Julian McMahon
Julian Dana William McMahon (nacido el 27 de julio de 1968 en Sydney, Australia) es un actor australiano.Julian McMahon es el segundo de tres hijos de Sir William McMahon, el anterior Primer Ministro australiano, y su mujer Lady Sonia McMahon. Fue educado en la "Sydney Grammar School", una escuela masculina privada. Pasó brevemente por la Universidad de Sydney para estudiar Derecho y por la Universidad de Wollongong para estudiar Economía, pero estos estudios le aburrían, así que inició una exitosa carrera como modelo. Empezó a ser conocido en las capitales de la moda, Milán, Nueva York, Roma y París.
Además de su carrera como modelo, McMahon empezó una carrera como actor. Su primer papel en la televisión estadounidense fue en la telenovela "Another World", representando a "Ian Rain", de 1993 a 1995.
Conocido por representar a Cole Turner o Balthazor, un fiscal medio humano y medio demonio en la serie Embrujadas, fue nominado a los Globos de oro como "Mejor actor en una serie de televisión dramática" en 2005 por su interpretación del atractivo y superficial cirujano Christian Troy en Nip tuck, a golpe de bisturí. Ha interpretado a otros personajes en el cine y la televisión, como al Doctor Doom de "Los cuatro fantásticos", la adaptación al cine en 2005 del famoso cómic del mismo nombre, o al agente John Grant en la serie "Profiler"
Ha estado casado y se ha divorciado dos veces. Se casó con la cantante australiana Danii Minogue, hermana de Kylie Minogue, y posteriormente lo hizo con la actriz estadounidense Brooke Burns, con quien tuvo una hija llamada Madison Elizabeth McMahon, nacida en Junio de 2000.
Le encanta leer, cocinar y sus dos perros.
[editar] Enlaces externos
Sweet dreams (of you)
Sweet dreams of you
Every night I go through
Why can’t I forget you and start my life anew
Instead of having sweet dreams about you
You don’t love me, it’s plain
I should know I’ll never wear your ring
I should hate you the whole night through
Instead of having sweet dreams about you
Sweet dreams of you
Things I know can’t come true
Why can’t I forget the past, start loving someone new
Instead of having sweet dreams about you
Mad about the boy
Mad about the boy
I know it’s stupid to be mad about the boy
I’m so ashamed of it but must admit the sleepless nights I’ve had
About the boy
On the silverscreen
He melts my foolish heart in every single scene
Although I’m quite aware that here and there are traces of the cad
About the boy
Lord knows I’m not a fool girl
I really shouldn’t care
Lord knows I’m not a school girl
In the fury of her first affair
Will it ever cloy
This odd diversity of misery and joy
I’m feeling quite insane and young again
And all because I’m mad about the boy
So if I could employ
A little magic that will finally destroy
This dream that pains me and enchains me
But I can’t because I’m mad...
I’m mad about the boy
Glenn Close en Las amistades peligrosas
Pavel Novotny
Pavel Novotný (born February 5, 1977) is a pornographic actor (porn star) from the Czech Republic who has appeared in gay male, bisexual, and straight pornographic movies. He is known for his clean-cut good looks, well-defined musculature, and his large uncut penis which is confirmed as eight inches (21 cm) long when erect. He appears in both top and bottom roles, although mostly the former. He debuted in the porn industry in 1999. He has appeared under a variety of pseudonyms; along with the ones listed below, he performed in a series of solo videos under the name "Brad."
* 1 Videography
o 1.1 As Pavel Novotný
o 1.2 As Max Orloff (in Bel Ami films only)
o 1.3 As Jan Dvorak
o 1.4 As Jakub Moltin
o 1.5 As Jaroslav
o 1.6 In William Higgins films
* 2 External links
* 3 See also
[edit] Videography
[edit] As Pavel Novotný
* The Back Room (Studio 2000) with Martin Bolek, Vilem Cage, Vasil Dudov, Matus Hornay, Slavo Kopecky, Miro Lauko, Ondra Seky and Felix Slovacek.
* Czech Point (Studio 2000) with Chris Steele, Nick Savage, Steve Harper, Michael Brandon, Geoff Ashton, Thomas Lloyd and Ales Hanak.
* Prague Buddies 2 (William Higgins Productions) with Pavel Korsakov, Jirka Kalvoda, Mylan Forman, Liber Taborsky, Martin Bolshoi, Martin Pravda, Zdenek Romany, Roman Tomas, Ivan Romanoff, Jamon Ramon, Milan Dabelsky, Jarda Waldek and Marco Giacomo. Directed by William Higgins.
* Prague Rising (Studio 2000) with Ales Hanak (Jirka Kalvoda) and Pavel Novotny (aka Max Orloff, Jan Dvorak), with Jon Eric, Eric Stuart, Bobby Parks & Kristian Brooks.
* Under the Big Top (Kristen Bjorn/Sarava/Lucas Kazan) with Vilem Cage (a.k.a. Cage Kajc, Martin Karvina), Slava Petrovich, Pietro Rosselli, Ivan Andros, Antonio Armani, Antton Harri, Cesar Moreno, Tiziano Cortese, Max Veneziano and Sergio Perrini. Directed by Lucas Kazan; produced by Kristen Bjorn.
[edit] As Max Orloff (in Bel Ami films only)
* Coverboys (Bel Ami) with Lukas Ridgeston, Johan Paulik, Sebastian Bonnet, Tim Hamilton, Claude Cocteau, Jason Paradis, Max Orloff, Oleg Vronski, Adam Cartier, Adam Jannin, Paolo Estefan, Patrik Zsolt, Oliver Krist, Filip Olivier
* Julian (Bel Ami) with Julian Armanis, Chris Cameron, Alan Connery, Pierre Delon, Tommy Hansen, Adrian Kinski, Andre Pagnol and Danny Saradon.
* Out At Last 2 - Bonbons (Bel Ami) with Sebastian Bonnet, Dano Sulik, Filip Olivier, Marek Antonov, Marcel Bouvier, Ion Davidov, Paolo Estefan, Ales Hanak, Sasha Kasparov, Marek Kodes, Martin Lennox, Justin Marino, Ed Marlow, Tibor Miklos, Mikhail Palenki, Mirko Polakov, Ramon Valenti, Oleg Vronski and Pavol Zurek.
* Teamplay (Bel Ami) with Julian Armanis, Oleg Vronski, Ion Davidov, Adam Cartier, Martin Eden, Ivan Fjodorov, Nikola Gismondi, Marek Kodes, Justin Marino, Jacques Melliés, Karl Moser, Filip Olivier and Karl Tenner.
[edit] As Jan Dvorak
* BI the Blue Line (USM Sport, bisexual) with Ivan Rohan, Lucas Arthur, Robert Wild, Jan Dreifus, Vilem Cage, Michael Berg, Vivian, Nicolette, Evelynn and Jeanette.
* Carlo & Friends (William Higgins International) with Carlo Festa, Zdnek Vesper, Pavel Korsakov, Vladimir Gott, Cage Kajc (a.k.a. Vilem Cage, Martin Karvina), Boris Mateo, Bjorn Bohem and Jordi Cosimo. Directed by William Higgins.
* Czech Firemen (Man’s World/USM Sport, Czech Rep. 2002) with Vilem Cage, Lucas Arthurs, Milan Loksan, Pavel Nadvomik, Tomas Hyka, Lubos Vitek, Ruddy Rohn, Tomas Vitasek and Pavel Mikulik.
* Jan Dvorak’s High Sticking 1 (USM Sports/3D Studio Prague) with Ivan Rohan, Robert Wild, Lukas Sedlacek, Vilem Cage, Lukas Dvorak, Pavel Vichera, Honza Rejfek and Michael Berky. Directed by Alex Schnegr.
* The Jan Dvorak Story (William Higgins Productions) with Pavel Korsakov, Pavel Dubcek ( aka Max Pellion), Jirka Kalvoda (aka Ales Hanek), Jirka Bartok, Karol Bartok, Joachem von Ferstung, and Bebe. Directed by William Higgins.
* A Wank In The Woods (William Higgins European Video) with Jirka Kalvoda, Jorid Cosimo, Zdenek Vesper, Jirka Bartok, Karel Bartok, Vladimir Gott, Milan Pisek, Jarda, Cage Kauj, Gernot, Borris Meteo, Josef Gasman, Jarda, Tomas Benda, Adam Cernak, Carlo Festa, Boris Matco, Bjorn Bohem, Stanislav Otava, and Maxim. Directed by William Higgins.
* Jan Dvorak’s Wrestling Team (Man’s World/USM Sport) with Lukas Arthur, Vilem Cage, Roman Dvorak, Alan Csorba, Lucas Pehr, Lucas Roubicek, Radek Kucharik and Pavel Mikulik. Directed by Alex Schnegr. (There is a different version of this film, called "9th Warrior Gladiators Night")
* Jan Dvorak & His Friends (Man’s World/USM International) with Vilem Cage, Lukas Dvorak, Milan Loksan, Pavel Mikulas, Pavel Nadvornik, Jan Rejfek and Pavel Vichera. Directed by Alex Schnegr.
[edit] As Jakub Moltin
* Cocktail Gang Bang (Jet Set International) with Curt Studni (aka Mylan Forman), Martin Karvina (Vilem Cage, Jan Hofman), Mikhal, David Glanz, Jarda Malek, Petr Katja (Ales Hanak, Jirka Kalvoda) and Jri Sydnec.
[edit] As Jaroslav
* 101 Men Part 4
[edit] In William Higgins films
* Rapture (Non-sexual role)
* Prague Buddies (Non-sexual role)
* Prague Buddies 2
* The Jan Dvorak Story
* A Wank In The Woods
* Carlo & Friends
[edit] External links
* Pavel Novotný at the Internet Movie Database
* Photos Warning: contains sexually explicit content
* More photos Warning: this is a gallery with nude pics of him
* Vidcaps of Jan Dvorak "Warning: Adult Contents"
Jan Dvorak Nationality : Czech | Birthdate : February 10, 1977 | Sign: Aquarius | Height : 6’ 2"
Weight : 205 lbs. | Dick Size : 10" Uncut & THICK | Sexual Position : Versatile
AKAs : Pavel Novotny, Max Orloff and Jakub Moltin
Duerme negrito
Duerme, duerme, negrito
Que tu mama está en el campo, negrito
Duerme, duerme,
Que tu mama está en el campo,
Te va a traer codornices
Para ti
Te va a traer rica fruta
Para ti
Te va a traer carne de cerdo
Para ti
Te va a traer muchas cosas
Para ti.
Y si el negro no se duerme
Ven el diablo blanco
Y zas le come la patita
Chacapó, chacapó, chacapó,
Chacapó, chacapó, chacapó,
Duerme, duerme negrito
Que tu mama está en el campo
Negrito,
Trabajando,
Trabajando, duramente
Trabajando, sí.
Trabajando y va de luto
Trabajando, si
Trabajando y no le pagan
Trabajando, si
Trabajando y va tosiendo
Trabajando, si
El negrito chiquitito
El negrito, si
Trabajando, si
Trabajando, si
Duerme, duerme, negrito
Que tu mama está¡ en el campo
Negrito, negrito
At last
At last my love has come along
My lonely days are over
And life is like a song
At last the skies above are blue
And my heart was wrapped up in clover
The night I looked at you
I found a dream that I can speak to
A dream that I could call my own
I found a thrill to press my cheek to
A thrill that I have never known
You smiled, and then the spell was cast
And here we are in heaven
And you are mine at last
Eva al desnudo
All About Eve is a 1950 movie drama written and directed by Joseph L. Mankiewicz, from the story "The Wisdom of Eve", by Mary Orr.Bette Davis plays Margo Channing, a highly regarded, aging Broadway actress, with Anne Baxter as Eve Harrington, a young fan who insinuates herself into Channing’s life, ultimately threatening Channing’s career and her personal relationships. Gary Merrill, George Sanders, Hugh Marlowe, Celeste Holm and Thelma Ritter also appear, and the film provided one of Marilyn Monroe’s earliest important roles.
It was nominated for 14 Academy Awards and won six, including Best Picture. Widely regarded as a classic, it has been selected for preservation in the United States National Film Registry.
Directed by Joseph L. Mankiewicz
Produced by Darryl F. Zanuck
Written by Joseph L. Mankiewicz
Starring Bette Davis,
Anne Baxter
Distributed by 20th Century Fox
Release date(s) October 13, 1950 (USA)
Running time 138 min
Language English
Margo Channing, the biggest star on Broadway, is beginning to show her age when she encounters a young woman named Eve who claims to be her biggest fan and who worms her way into Margo’s life, eventually becoming her secretary. Gradually, it is revealed Eve is more scheming and duplicitous than she seems. She begins working to supplant Margo, taking the role of her understudy and engineers Margo’s absence so she can play her role onstage. Eve gives such a good performance her own career as a theatre star begins to take off, and she becomes a bigger star than Margo. At the end of the film, Eve herself encounters an apparently besotted young fan, and it is implied the cycle will continue.
[edit] Background
While performing in The Two Mrs. Carrolls during 1943 and 1944, Elisabeth Bergner allowed a young fan to become part of her household, and employed her as an assistant, but later regretted her generosity when the woman attempted to undermine her. Referring to her only as "the terrible girl", Bergner related the events to Mary Orr, who used it as the basis for a story "The Wisdom of Eve". In the story, Orr attributed a more ruthless character to the girl, and allowed her to succeed in stealing the career of the older actress. Bergner later confirmed the basis of the story in her autobiography Bewundert Viel und Viel Gescholten (Greatly Admired and Greatly Scolded).
In 1949, Mankiewicz was considering a story about an aging actress, and upon reading The Wisdom of Eve felt the conniving girl would be a useful added element. He sent a memo to Darryl F. Zanuck saying it "fits in with an original idea [of mine] and can be combined. Superb starring role for Susan Hayward". Mankiewicz presented a film treatment of the combined stories under the title "Best Performance". He changed the main character’s name from Margola Cranston to Margo Channing and retained several of Orr’s characters, Eve Harrington, Lloyd and Karen Richards, and Miss Caswell, while removing Margo Channing’s husband completely and replacing him with a new character, Bill Sampson. The intention was to depict Channing in a new relationship, and allow Eve Harrington to threaten both Channing’s professional and personal lives. Mankiewicz also added the characters Addison DeWitt, Birdie Coonan, Max Fabian and Phoebe.
Zanuck was enthusiastic and provided numerous suggestions for improving the screenplay. In some sections he felt Mankiewicz’s writing lacked subtlety or provided excessive detail. He suggested diluting Birdie Coonan’s jealousy of Eve so the audience would not recognise Eve as a villain until much later in the story. Zanuck reduced the screenplay by about 50 pages and chose the title All About Eve from the opening scenes in which Addison DeWitt says he will soon tell "about Eve, all about Eve". [1]
Bette Davis was cast as Margot Channing only after Claudette Colbert severely injured her back and was forced to withdraw shortly before filming commenced. Davis, who had recently ended a 19-year association with Warner Brothers after several poorly received films, later commented she had read the script in one sitting and immediately accepted the role after realizing it was one of the best she had ever read. Channing had originally been conceived as genteel and knowingly humorous, but with the casting of Davis, Mankiewicz revised the character to be more abrasive. Among other actresses considered were Mankiewicz’s original inspiration, Susan Hayward, rejected by Zanuck as "too young", Marlene Dietrich, dismissed as "too German", and Gertrude Lawrence, who was ruled out of contention when her agent suggested, "Wouldn’t it be nice if Gertie sat by the piano and sang?" Zanuck favored Barbara Stanwyck, but she was not available.
Anne Baxter had spent a decade in supporting roles, and had won the Academy Award for Best Supporting Actress for The Razor’s Edge the previous year. She got the role of Eve Harrington after the first choice, Jeanne Crain, became pregnant. Crain was at the height of her popularity and had established a career playing likable heroines; Zanuck believed she lacked the "bitch quality" required by the part, and audiences would not accept her as a deceitful character.
The role of Bill Sampson was originally intended for John Garfield or Ronald Reagan. Reagan’s wife Nancy Davis was considered for Karen Richards and Jose Ferrer for Addison DeWitt. Zsa Zsa Gabor actively sought the role of Phoebe without realizing the producers were considering her, along with Angela Lansbury, for Miss Caswell.
Mankiewicz greatly admired Thelma Ritter, and wrote the character of Birdie Coonan for her after working with her on A Letter to Three Wives in (1949). As Coonan was the only one immediately suspicious of Eve Harrington, he was confident Ritter would contribute a shrewd characterisation casting doubt on Harrington and providing a counterpoint to the more "theatrical" personalities of the other characters. Marilyn Monroe, relatively unknown at the time, was cast as Miss Caswell, referred to by DeWitt as a "graduate of the Copacabana School of Dramatic Art". Monroe got the part despite Zanuck’s initial antipathy and belief she was better suited to drama. Smaller roles were filled by Gregory Ratoff as the producer Max Fabian, Barbara Bates, as Phoebe, a young fan of Eve Harrington, and Walter Hampden as the master of ceremonies at an award presentation. [1]
The final cast comprised Davis and Baxter, with Gary Merrill as Bill Sampson, Hugh Marlowe as the writer Lloyd Richards, Celeste Holm as his wife Karen, and George Sanders as the "venomous fish-wife" theatre critic, Addison DeWitt.
The film opens with the image of an award trophy, described by DeWitt as the "highest honor our theater knows - the Sarah Siddons Award for Distinguished Achievement." In 1952, a small group of distinguished Chicago theater-goers began to give an award with that name and sculpted to look like the one of Siddons used in the film to actors. It has been given annually, with past honorees including Angela Lansbury, Bernadette Peters, Celeste Holm and Barbara Rush.
[edit] Awards
[edit] Academy Awards (USA)
* Best Picture - Darryl F. Zanuck, producer
* Best Supporting Actor - George Sanders
* Best Costume Design for a Black-and-White film - Edith Head and Charles Le Maire
* Best Director - Joseph L. Mankiewicz
* Best Writing, Screenplay - Joseph L. Mankiewicz
* Best Sound Recording - Thomas T. Moulton
* Nominated: Best Leading Actress - Anne Baxter
* Nominated: Best Leading Actress - Bette Davis
* Nominated: Best Supporting Actress - Celeste Holm
* Nominated: Best Supporting Actress - Thelma Ritter
* Nominated: Best Set Direction for a Black-and-White film - George W. Davis, Thomas Little, Walter M. Scott, and Lyle R. Wheeler
* Nominated: Best Cinematography for a Black-and-White film - Milton R. Krassner
* Nominated: Best Film Editing - Barbara McLean
* Nominated: Best Music Score - Alfred Newman
[edit] Golden Globe Awards (USA)
* Best Motion Picture Screenplay - Joseph L. Mankiewicz
* Nominated: Best Drama Motion Picture - Darryl F. Zanuck, producer
* Nominated: Best Drama Motion Picture Actress - Bette Davis
* Nominated: Best Motion Picture Director - Joseph L. Mankiewicz
* Nominated: Best Supporting Actor in a Motion Picture - George Sanders
* Nominated: Best Supporting Actress in a Motion Picture - Thelma Ritter
[edit] NYFCC Awards (USA)
* Best Motion Picture - Darryl F. Zanuck
* Best Director - Joseph L. Mankiewicz
* Best Actress - Bette Davis
[edit] DGA Awards (USA)
* Oustanding Directorial Achievement in a Motion Picture - Joseph L. Mankiewicz
[edit] Cannes Film Festival (France)
* Best Actress Prize - Bette Davis
* Jury Special Prize - Joseph L. Mankiewicz
* Nominated: Grand Prize of the Jury - Joseph L. Mankiewicz
[edit] BAFTA (UK)
* Best Film - Darryl F. Zanuck
[edit] Later recognition
* In 1970, the film was made into a successful Broadway musical, Applause, with Lauren Bacall in the role of Margo Channing.
* In 1989, the movie was selected for preservation in the United States National Film Registry.
* The film received in 1997 a placement on the Producers Guild of America Hall of Fame.
* In 1998, the movie ranked #16 on the American Film Institute list of the 100 Best American movies of all time.
* In 2003, the character of Eve Harrington (interpreted by Anne Baxter) ranked #23 on the American Film Institute list of the 50 Best Villains of American Cinema.
* In 2005, the phrase "fasten your seatbelts. It’s going to be a bumpy night" (said on the film by the character of Margo Channing) ranked #9 on the American Film Institute list of the 100 Best Movie Quotes of American Cinema.
* It is rumored that the infamous box-office flop Showgirls was a loose remake of "All about Eve"
Iker Casillas
Date of birth May 20, 1981
Place of birth Madrid, Spain
Height 1,85 m
Nickname Ikerman
Position Goalkeeper
Club information
Current club Real Madrid
Number 1
Professional clubs*
Years Club Apps (goals)
1999 - Real Madrid 236 (0)
National team**
2000 - Spain 64 (0)
Iker Casillas FernándezBorn in Madrid in 1981, Casillas’ entire career has been spent with his hometown club Real Madrid, which he joined as an eight-year old. He first hit the limelight at 17 when he was pulled out of a high school art class to be told he would be on the bench for a Champions League match. His breakthrough came during the 1999-2000 season, when he replaced the injured Bodo Illgner and played in Madrid’s UEFA Champions League triumph in an all-Spanish final against Valencia CF where his senior team mates Raúl González, Fernando Morientes and Steve McManaman scored in a 3-0 win.
Loss of form subsequently allowed César Sánchez to take the starting position as goalkeeper, but Casillas reclaimed the limelight after coming on as substitute for the veteran in the 2002 UEFA Champions League Final against Bayer Leverkusen and preserving Madrid’s 2-1 lead with a series of fine saves.Casillas came on to replace the injured Cesar with 22 minutes remaining at Hampden Park and produced a series of outstanding saves to ensure Real held on to their lead. At one point Leverkusen appeared to be queuing up to score but Casillas was at his best, his efforts to deny Yildiray Basturk and Dimitar Berbatov particularly brilliant.
Again the Real Madrid first choice in the 2002-03 season, an injury-free season saw Casillas play in 15 of his side’s Champions League games as well as all 38 Primera División matches as Madrid reclaimed the Spanish championship. In the 2003-04 season, Casillas was virtually ever-present as Madrid relinquished their crown and lost the Spanish Cup final, missing just one league game.
Despite Casillas’ stellar performances every week, Real Madrid suffered two trophyless seasons in the 2003-04 and 2004-05 seasons. Although Casillas was widely considered the team’s most consistent performer during this lean patch, there was much gossip and speculation regarding a possible transfer to another club. Manchester United was the name that regularly cropped up in newspapers. It was speculated that Casillas was unhappy with his salary, which was paltry in comparison to the amounts earned by some of the team’s bigger stars. However, the saga ended when the player signed a contract extension on the November 30, 2005, tying him to the club till 2011.
[edit] National team
Meryl Streep en Memorias de Africa
El hombre tranquilo
http://www.reelclassics.com/Movies/QuietMan/quietman.htmRichard Hrosik aka Karel Rok aka oleg tarkowski
http://albums.photo.epson.com/j/AlbumIndex?u=4220712&a=31358192&sp=169http://imageevent.com/johnw/hrosik
http://www.g-kazety.cz/freegal/0100/065/index1.htm
Las lesbianas ocultas de William Shakespeare
Por lo que parece, Hermione, Portia y Beatrice lo eran. El palacio de Cleopatra habría sido un lugar propicio para el amor homosexual y la reina de las hadas, Titania, tenía tendencias sáficas. Esa es la perspectiva de la norteamericana Teodora Jankowski, ex profesora de literatura inglesa de la Universidad de Washington.
En Cuento de invierno, Hermione desaparece durante 16 años cuando su esposo la acusa de tener una aventura. Jankowski plantea que, secretamente correspondida, la cortesana Paulina atendía "todas las necesidades de Hermione, quien se ocultaba en una casa segura en la que una mujer podría abandonarse al erotismo con otra".
En El mercader de Venecia, explica Jankowski, Portia y Bassanio se casan "dando muy pocas evidencias de amarse". Es mucho más probable que Portia estuviera enamorada de Nerissa, su criada.
En Mucho ruido y pocas nueces, Beatrice, el personaje que interpretó Emma Thompson en el cine, podría haber sido amante de Hero, con la que comparte la cama durante un año. Jankowski declara: "Si Hero pudo pecar con un extraño antes de su boda, también es posible que pudiera haberlo hecho con su prima".
Jankowski cita cuatro escenas de Antonio y Cleopatra que tendrían "un nivel muy alto de retórica erótica". Cuando Cleopatra y sus criadas, Iras y Charmian, se reúnen, Charmian dice que prefiere "la longevidad a los higos". Eso haría referencia a la vagina de sus amantes.
Lindsay Posner, que dirige la Royal Shakespeare Company, declaró: "Toda la obra de Shakespeare es tan rica en ambigüedades, que es posible volcar cualquiera de sus obras a las imágenes de nuestra propia cultura.".
La nueva producción de Posner de Noche de Reyes en Stratford-upon-Avon, hace hincapié en la ambigüedad sexual de Viola. "No es algo que yo impuse", dijo. "Es algo que está en el texto y que también Shakespeare debe haber percibido".
"Shakespeare era muy progresista en lo que respecta a la sexualidad. No eludía esos temas. Pero escribía para una sociedad muy conservadora. Es necesario interpretar lo que dice", explica Posner.
Para Jankowski su trabajo llena el "vacío lésbico" que existe en el análisis de la obra de Shakespeare. "Si los hombres invariablemente ignoran a las mujeres del siglo XXI -ya sean lesbianas o heterosexuales-, no es de extrañarse que también se ignore a las mujeres de otras épocas y a los personajes literarios femeninos. Tal vez las lesbianas sean invisibles porque no somos observadores competentes".
Traducción de Cecilia Beltramo
Stand by your man
Sometimes its hard to be a woman
Giving all your love to just one man
You’ll have bad times
And he’ll have good times
Doing things that you don’t understand
But if you love him you’ll forgive him
Even though he’s hard to understand
And if you love him
Oh be proud of him
’Cause after all he’s just a man
Stand by your man
Give him two arms to cling to
And something warm to come to
When nights are cold and lonely
Stand by your man
And tell the world you love him
Keep giving all the love you can
Stand by your man
Stand by your man
And show the world you love him
Keep giving all the love you can
Stand by your man
Breakaway
I made my reservation, I’m leaving town tomorrow
I’ll find somebody new and there’ll be no more sorrow
That’s what I do each time, but I can’t follow through
I can’t breakaway, though you make me cry
I can’t breakaway, I can’t say goodbye
No I’ll never never breakaway from you, no, no
No, no, no, no, no,
No, no, no, no, no
No, no, no, no, no.
I’ll make that vow to myself, you and I are through
Nothing can change my mind; I’m sorry won’t do
That’s what I’ll say each time, but I can’t follow through
I can’t breakaway, though you make me cry
I can’t breakaway, I can’t say goodbye
No I’ll never never breakaway from you, no, no
No, no, no, no, no,
No, no, no, no, no
No, no, no, no, no.
Even though you treat me bad and many cruel words are spoken
You have got a spell on me that just can’t be broken, no, no
I’ll take your picture down and throw it away
There’ll be no baby now, for you to call each day
That’s what I’ll say each time, but I can’t follow through
I can’t breakaway, though you make me cry
I can’t breakaway, I can’t say goodbye
No I’ll never never breakaway from you, no, no
No, no, no, no, no,
No, no, no, no, no
No, no, no, no, no.
I can’t breakaway, though you make me cry
I can’t breakaway, I can’t say goodbye
No I’ll never never breakaway from you, no, no
No, no, no, no, no,
No, no, no, no, no
No, no, no, no, no.
I can’t breakaway, I can’t breakaway, I can’t breakaway...
Raffaella Carrá
Raffaella Roberta Pelloni (born in Bellaria on 18 June 1943), better known by her artistic name Raffaella Carrà, is an Italian TV hostess, singer and actress. She is especially popular in her native country and in Spain and Latin America where during the past decades she has conducted numerous popular TV shows, mainly in the Italian (RAI) and Spanish (TVE) national TV channels.She had a big hit song with Tuca Tuca written by her long-time collaborator and boyfriend, Gianni Boncompagni. She had another long relationship with Sergio Japino.
She starred in the motion picture Von Ryan’s Express (1965) with Frank Sinatra, Edward Mulhare, and Trevor Howard. Her greatest international hit single was "A far l’amore comincia tu".
Vanessa Redgrave en Howard's End
Florence Foster Jenkins
Florence Foster Jenkins (1868–November 26, 1944) was an American soprano who became famous for her complete lack of singing ability.Biography
Born Florence Foster in 1868 in Wilkes-Barre, Pennsylvania, Jenkins received music lessons as a child, and expressed a desire to go abroad to study music. Her wealthy father refused to pay the bill, so she eloped to Philadelphia with Frank Thornton Jenkins, a medical doctor, who became her husband (the two divorced in 1902). She earned a living there as a teacher and pianist. Upon her father’s death in 1909, Jenkins inherited a sum of money which allowed her to take up the singing career that had been discouraged by her parents and former husband. She became involved in the musical life of Philadelphia, founding and funding the Verdi Club, took singing lessons, and began to give recitals, her first in 1912. Her mother’s death in 1928 when Florence was 60 gave her additional freedom and resources to pursue singing.
From her recordings, it is apparent that Jenkins had little sense of pitch and rhythm and was barely capable of sustaining a note. Her accompanist can be heard making adjustments to compensate for her tempo variations and rhythmic mistakes. Nonetheless, she became tremendously popular in her unconventional way. Her audiences apparently loved her for the amusement she provided rather than her musical ability. Critics often described her work in a backhanded way that may have served to pique public curiosity.
Despite her patent lack of ability, Jenkins was firmly convinced of her greatness. She compared herself favourably to the renowned sopranos Frieda Hempel and Luisa Tetrazzini, and dismissed the laughter which often came from the audience during her performances as coming from her rivals consumed by "professional jealousy." She was aware of her critics, however, saying "People may say I can’t sing, but no one can ever say I didn’t sing."
The music Jenkins tackled in her recitals was a mixture of the standard operatic repertoire by the likes of Wolfgang Amadeus Mozart, Giuseppe Verdi and Richard Strauss (all of them well beyond her technical ability), Lieder (including works by Johannes Brahms and Joaquín Valverde’s "Clavelitos," a favourite encore), and songs composed by herself or her accompanist, Mr. Cosmé McMoon (who was in reality the famous and talented accompanist Edwin McArthur). Jenkins often wore elaborate costumes that she designed herself, sometimes appearing in wings and tinsel, and, for "Clavelitos," throwing flowers into the audience while fluttering a fan and sporting more flowers in her hair.
After a taxicab crash in 1943 she found she could sing "a higher F than ever before." Instead of a lawsuit against the taxicab company, she sent the driver a box of expensive cigars.
In spite of public demand for more appearances, Jenkins restricted her rare performances to a few favorite venues, and her annual recital at the Ritz-Carlton ballroom in New York City. Attendance of her recitals was always limited to her loyal clubwomen and a select few others - she handled distribution of the coveted tickets herself. At the age of 76, Jenkins finally yielded to public demand and performed at Carnegie Hall on October 25, 1944. So anticipated was the performance that tickets for the event sold out weeks in advance. Jenkins died a month later.
There have been claims that Jenkins’s entire 32-year career was an elaborate joke on the public, which seems to be in contradiction with another claim that her death after the Carnegie Hall performance was a result of derision by her critics. However, there is little evidence for either claim. All indications are that Florence Foster Jenkins died with the same happy, confident sense of fulfillment that pervaded her entire artistic life.
Jenkins recorded nine arias on five 78-rpm records, which have been reissued on three CDs. The Muse Surmounted: Florence Foster Jenkins and Eleven of Her Rivals (Homophone Records) contains only one Jenkins’ performance, Valse Caressante, for voice, flute & piano, but it includes an interview with the composer, who was also her accompanist, Mr. Cosmé McMoon. The Glory (????) of the Human Voice (RCA Victor) contains the other 8 arias, all accompanied by Mr. McMoon. Murder on the High C’s (Naxos) contains all 9 arias plus performances by others, but it lacks the interview with McMoon. In 2001, a play about Jenkins by Chris Ballance had a run at the Edinburgh Fringe. Another play about Jenkins’ life, Souvenir, opened on Broadway in November 2005, and starred Judy Kaye as Jenkins. Meanwhile, a new play about Jenkins, Glorious by Peter Quilter, opened in September 2005 in England. It has been said to provide a wonderful vehicle for Maureen Lipman who in the words of the New York Times reviewer "ably supported by William Oxborrow, Janie Booth et al, provides a thoroughly entertaining evening complete with much double entendre, theatrical in jokes to say nothing of some terrible singing! Lipman, as always, knows exactly how to create a character both funny and sad and vulnerable at the same time."
Ricas y famosas
Rich And Famous is a 1981 comedy drama film made by Jaquet and Metro-Goldwyn-Mayer. It is a remake of the 1943 Warner Bros film Old Acquaintance starring Bette Davis and Miriam Hopkins.The film was directed by George Cukor and produced by William Allyn and Jacqueline Bisset, from a screenplay by Gerald Ayres based on the play Old Acquaintance (1941) by John Van Druten. The music score was by Georges Delerue and the cinematography by Donald Peterman.
The film stars Jacqueline Bisset, Candice Bergen, David Selby, Hart Bochner. Also featured were Matt Lattanzi, Meg Ryan and Nina Foch.
Plot
Spoiler warning: Plot and/or ending details follow.
Two women find their friendship tested when one rises from obscurity to success: Liz Hamilton (Jacqueline Bisset) a young woman with literary ambitions who writes a critically acclaimed book soon after leaving college and Merry Noel Blake ((Candice Bergen), an all-American blond beauty from Atlanta who desires nothing more than a husband, a child and a life of domesticity. They are close friends who met while they were freshmen at Smith College in the 1950s. Liz has become a highly respected novelist, while Merry wed Doug Blake (David Selby), raised a family and lives in a house on the beach at Malibu. While Merry is happy, she can’t help but envy Liz for her glamorous career as an author. Merry decides to write a novel of her own, and with Liz’s help, the book, A House by the Sea soon finds a publisher and becomes a huge best-seller and Merry’s fame and wealth soon outstrip that of Liz, leading to jealousy between the old friends and problems in Merry’s marriage.
[edit] Cast
* Jacqueline Bisset - Liz Hamilton
* Candice Bergen - Merry Noel Blake
* Meg Ryan - Debby at Age 18
* David Selby - Doug Blake
* Hart Bochner - Chris Adams
* Steven Hill - Jules Levi
* Michael Brandon - Max
* Matt Lattanzi - Jim, the Boy
* Daniel Faraldo - Ginger Trinidad
* Frank de Felitta
* William G. Schilling - Waldorf Doorman
* Allan Warnick - Desk Clerk
* Damion Sheller - Max’s Son
* John Perkins - Limo Driver
* Oliver Hailey - Literary Party Guest
* Fay Kanin - Prof. Fields
* Charlotte Moore - Clerk in Cartier
* Randal Kleiser - Literary Party Guest
* Gavin Lambert - Literary Party Guest
* Roger Vadim - Malibu Party Guest
* Paul Morrissey - Malibu Party Guest
* Alan Berliner - Photographer
* Nicole Eggert - Debby at 8
* Nina Foch - Rich and Famous People
* Herb Graham - Waiter
* Frances Bergen - Literary Party Guest
* Dick Cavett - Himself
* Ray Bradbury - Literary Party Guest
* Ann Risley - Max’s Wife
* Pola Miller - Malibu Party Guest
* Kres Mersky - Judy Heller
* Cloyce Morrow - Martha Antilles
* Merv Griffin - Himself
* Marsha Hunt - Herself
* Joe Maross - Martin Fornam
* Christopher Isherwood - Malibu Party Guest
[edit] Notes
* Robert Mulligan was the original director, but he had to bow out because of previous engagements and was replaced by George Cukor.
* Rich and Famous was the final picture directed by George Cukor.
* The party sequences include such literary and cinematic notables as Christopher Isherwood, Ray Bradbury, Paul Morrissey, and Roger Vadim.
Los ángeles de Charlie
http://www.charliesangels.com/Genre Action adventure
Running time 50 minutes
Creator(s) Ivan Goff
Ben Roberts
Starring Kate Jackson
Farrah Fawcett
Jaclyn Smith
Cheryl Ladd
Shelley Hack
Tanya Roberts
David Doyle
John Forsythe
Country of origin Flag of United States United States
Original channel ABC
Original run September 22, 1976–June 24, 1981
No. of episodes 115
Charlie’s Angels was a television series that broadcast on the ABC Television Network from 1976 to 1981, about three women who work for a fictional private investigation agency, the Charles Townsend Agency. Their boss, Charlie (voiced by John Forsythe), was rarely seen and is never seen full face - in some episodes he is shown from the rear only (where the viewer only sees the back of his head and his arms) and on the series finale where he appears in surgeon’s mask and outfit. He only ever contacted the "angels" by telephone, addressing them via a speakerphone on the office’s desk.
The three original "angels" were Sabrina Duncan (Kate Jackson), Jill Munroe (Farrah Fawcett-Majors) and Kelly Garrett (Jaclyn Smith). Later, when a character left (because the actress went on to other projects, etc) another "angel" was brought on to keep the number at three. Later angels were Jill’s little sister Kris Munroe (Cheryl Ladd), Tiffany Welles (Shelley Hack), and Julie Rogers (Tanya Roberts). Jaclyn Smith was the longest serving TV angel, remaining with the show for its entire five season run. Another major character throughout the series was Charlie’s assistant, John Bosley (David Doyle).
The show’s premise focused Charlie assigning the ’angels’ to a new situation each episode, where they would go undercover in order to investigate ’from the inside’. Their undercover characters often had to feign not knowing each other in the situation, until their cover was inevitably blown. The undercover aspect of the show created much of the plot interest and tension. (The show got permission to use the Alan O’Day hit song at the time, ’Undercover Angel’, and he subsequently re-recorded a version just for the show.) Under their assumed identities, the ’angels’ used a combination of sexual wiles and knowledge learned for the situation in which they were being placed.
The show became known as "T&A T.V." (or "Tits and Ass television"), because the angels would often be seen scantily or provocatively clad, (generally as part of their undercover character -- e.g., rollergirl, beauty pageant contestant, maid, female prisoner), to showcase the figures and/or sexuality of the actresses. Farrah Fawcett-Majors once attributed the show’s success to this fact, quoted as saying "When the show was number three, I figured it was our acting. When it got to be number one, I decided it could only be because none of us wears a bra.".
The original angels; (left to right) Jaclyn Smith, Farrah Fawcett and Kate Jackson
Enlarge
The original angels; (left to right) Jaclyn Smith, Farrah Fawcett and Kate Jackson
Contents
[hide]
* 1 Movies
* 2 Video games
* 3 Pop Culture Impact
* 4 Other collectible items
* 5 Comics
* 6 List of Known Angels
o 6.1 During run of TV series
o 6.2 In between TV series and movies
o 6.3 During Movies
* 7 Notes and references
* 8 External links
[edit] Movies
The television series inspired two feature films from production company Flower Films: Charlie’s Angels (2000) and Charlie’s Angels: Full Throttle (2003). Each was directed by McG and starred Cameron Diaz, Drew Barrymore, and Lucy Liu as the three angels, with John Forsythe returning to voice Charlie. Bosley was played in the first film by Bill Murray, while the second film cast Bernie Mac as Jimmy Bosley, John’s adoptive-brother.
The second movie had more nods to the TV series than the first movie in the series did, perhaps due to complaints from fans of the TV series. Whereas most movie remakes of 1970s TV shows, like Starsky and Hutch, are actually remakes, the Charlie’s Angels films are set in a different time. The mythology goes that whenever an Angel leaves, she is replaced so there are always three (seen in the TV show). Liu, Barrymore and Diaz’s characters are not based on the Angels in the show, but are their "successors". To prove this fact, Demi Moore’s character, who is a ’fallen’ Angel, quotes; "Back in my day - we used guns", which refers to the lack of martial arts in the TV series, while it is the preferred form of combat in the films. In the TV series, the Angels were more police-like, generally using guns. Physical struggles, were, however, common. In fact, the silhouette logo of the TV series does show one angel with her hands in a karate-like pose (and the other two with a gun and a walkie-talkie). The karate pose is often included when the show is being spoofed. The martial arts theme in the movies can be seen, in a way, as based on the original TV logo.
Also, Jaclyn Smith reprised her Kelly Garrett role from the TV series, who Dylan (Barrymore) meets in a Mexican cafe when she decides to leave the Angels. Kelly persuades her to rejoin the Angels with an inspiring speech. This reinforces the fact that there were not just three Angels (in fact in the TV series the viewer sees six different Angels), but there have always been three Angels at any one time.
In 2004, a television movie entitled Behind the Camera: The Unauthorized Story of Charlie’s Angels aired on NBC. It depicted the true story of what happened during the first season of the TV show.
In 2006, all three original Angels appeared together on-stage at the 2006 Emmy Awards, in a retrospective tribute to Aaron Spelling.
[edit] Video games
In July 2003, three Charlie’s Angels games were released on three different gaming platforms: Nintendo GameCube, PlayStation 2, and the mobile phone. The versions released on both the GameCube and PlayStation 2 were virtually the same, each given the same title: Charlie’s Angels. The version released for the mobile phone was fundamentally toned down to fit the technical restrictions of the platform, and was titled Charlie’s Angels: Road Cyclone.
Despite the critical success of both the TV show and the movies, the video games, aside from the mobile phone version, were a debacle. According to Game Rankings, the GameCube version is the worst reviewed video game of all time (an average of 23%, with Metacritic garnering the same results). Although the PlayStation 2 version didn’t garner enough reviews to be officially listed, this version is virtually the same as the GameCube version. The mobile phone version averaged a respectable 79%.
[edit] Pop Culture Impact
The first season of Charlie’s Angels caused an explosion of fan hysteria and press coverage that was unheard of in the mid-1970s. It was even highlighted as a cover story in "Time" magazine which analyzed the impact of the show on popular culture.
[edit] Other collectible items
The show sold many items during its run. These included dolls, (two versions), games, trading cards, notebooks, and even record albums.
[edit] Comics
A British comic strip version was produced, written by Angus P. Allan and printed in TV comic Look-In.
[edit] List of Known Angels
[edit] During run of TV series
* Sabrina Duncan (1976-1979), played by Kate Jackson
* Kelly Garrett (1976-1981), played by Jaclyn Smith
* Jill Munroe (1976-1977), played by Farrah Fawcett-Majors
* Kris Munroe (1977-1981), played by Cheryl Ladd
* Tiffany Welles (1979-1980), played by Shelley Hack
Un país de Marías y Antonios
* Es posible consultar también el número de personas con cada apellido en cada provincia
MADRID.- María y Antonio. Estos son los nombres más habituales entre los españoles, seguidos por María del Carmen y José; Carmen y Manuel; Josefa y Francisco; e Isabel y Juan. El Instituto Nacional de Estadística (INE) ha publicado un apartado en su página web en el que analiza tantos los nombres como los apellidos más frecuentes en nuestro país.
También puede consultarse qué nombres eran más comunes en los años 20 o en la década de los 50, y cuáles son las preferencias de los nuevos padres para sus bebés: desde el año 2000, Alejandro y María. Este nombre repite como el nombre más común y el más elegido aún ahora.
De este modo, el nombre de Alejandro desbanca al de David como nombre más frecuente en los recién nacidos varones desde el año 2000, ya que éste fue el más utilizado desde la década de los 70. En los 50 y los 60 el nombre más habitual en los niños recién nacidos fue el de Antonio y con anterioridad el de José, el más común en los nacidos hasta 1940.
En las mujeres, María se confirma como el nombre preferido por los españoles, ya que desde 1990 ha sido el más utilizado para las niñas recién nacidas, después de que en los años 80 fuera el de Lucía. No obstante, el nombre de María o su compuesto María Carmen fue el más frecuente hasta esa fecha, siendo éste último el más común en las nacidas entre los 70 y los 40.
María, omnipresente
De hecho, esta utilización del nombre de María hace que se confirme como el nombre más frecuente entre los residentes en España en la actualidad, ya que 285 de cada mil mujeres tienen dicho nombre, tanto simple (31,5 de cada mil) como compuesto, mientras que 15 de cada mil hombres también tienen María de segundo nombre.
El ranking de nombres de mujer más frecuentes lo completan María Carmen (31,5 de cada mil mujeres), Carmen (22,5), Josefa (16,9), Isabel (14,5),María Dolores (12,8), Ana María (12,6) y María Pilar.
Sin embargo, en la lista de los 10 nombres de mujer más utilizados en los nacimientos a partir del año 2000 después de María (42,5) aparecen otros nombres como Lucía (33,7), Paula (31,5), Laura (27,6), Andrea (23,1), Marta (23,1), Alba (21,5), Sara (17,2), Ana (16,2) o Nerea (14,4).
En lo referente a los hombres, el nombre más frecuente entre los residentes actualmente en España es el de Antonio, ya que 37,9 de cada mil incluyen dicho nombre sus documentos. El resto de nombres más comunes son José (36,5), Manuel (32,4), Francisco (28,8), Juan (19,8), David (14,6), José Antonio (14,6), José Luis (14,3), Jesús (13,9) y Javier (12,7).
Sin embargo, y atendiendo a los nacimientos desde el año 2000, se mantiene la preferencia de nombres más comunes, como David (25,7 de cada mil recién nacidos) o Javier (21,5), pero destaca la aparición de otros nombres como Daniel (26 de cada mil), Pablo (25,5), Adrián (21,8), Álvaro (19,6), Sergio (17,2), Carlos (16,1) o Iván (13,5). También se sitúan entre los nombres más utilizados los catalanes Marc (8,8) y Pau (5,4), o el vasco Iker (5,6).
De hecho, entre los nombres más habituales en los recién nacidos a partir del año 2000 en el País Vasco destacan muchos de origen vasco como Mikel, Jon, Unai, Ander, Asier o Aitor, mientras que en Cataluña hay preferencia por nombres catalanes, tales como Pol, Arnau, Jordi, Gerard, Roger o Albert.
Los García, la ’familia’ más extensa
Por otra parte, los García son la ’familia’ más extensa. Ese apellido es el más frecuente en los ficheros específicos extraídos de la base padronal del INE, ya que 33,2 de cada mil residentes en España tienen dicho apellido y es el más frecuente en 31 provincias.
El resto de apellidos más frecuentes son González (20,8), Fernández (20,8), Rodríguez (20,7), López (19,6), Martínez (18,7), Sánchez (18,3), Pérez (17,5), Martín (11,1) y Gómez (11), que asimismo se reparten los primeros puestos del ranking en cada provincia. En este aspecto destacan las ciudades de Ceuta y Melilla, donde el apellido más frecuente de los residentes es Mohamed (86 y 81 de cada mil, respectivamente).
En lo que respecta a los extranjeros que viven en España, el INE hace ver que María es el nombre más frecuente también en las mujeres de nacionalidad rumana, belga, griega o italiana, mientras que en los hombres los más habituales son Ioan en los rumanos, Ivan en los búlgaros, Vladimir en los rusos o Volodymir en los ucranianos.
En cuanto a los ciudadanos procedentes de América Latina, Juan Carlos es el más común en ecuatorianos, colombianos, bolivianos o argentinos, mientras que en las mujeres, destacan Altagracia en las dominicanas, Ana María en las chilenas y peruanas, o María Fernanda en las ecuatorianas.
Por otro lado, Mamadou es el nombre más frecuente en los ciudadanos varones procedentes de Mali, Senegal y Guinea, siendo Mohamed el más común en los marroquíes, egipcios o argelinos.
Jean Paul Goude para Armani
Jean-Paul Goude (born 1940) is a French graphic designer, illustrator, photographer and advertising film director. He created several well-known campaigns for brands such as Perrier, Citroën and Chanel. For a time he was married to his muse, model and performer Grace Jones.[edit] Selected works
* Several music videos for Grace Jones, 1981 - 1985
* Citroën CX, ad, 1984, with the car driving into the mouth of a giant robotic head looking like Grace Jones. Banned in several countries at its time.
* Chanel Egoïste, ad, 1990
* Chanel Coco, ad, 1991, with Vanessa Paradis as a bird in a cage
[edit] References
* Goude, Jean-Paul (2006). So Far, So Goude. Assouline. ISBN 2-84323-755-6.
[edit] External links
* Ads (youtube.com):
o Chanel Egoïste at YouTube
o Chanel Coco at YouTube
o Citroën CX at YouTube
o Slave to the Rhythm at YouTube, Grace Jones music video containing excerpts from many other Goude ads.
* Jean-Paul Goude at the Internet Movie Database
* Jean-Paul Goude at Music Video Database
Un señor sin dote puede estar dotado
Un sujet sans doute préoccupant puisque l'inquiétude masculine se dévoile sur de nombreux forums et une part importante des "spams" sont consacrés à la "chose". Ces courriers électroniques comme certains sites proposent par exemple, "en exclusivité des exercices permettant le développement naturel du pénis (note : jusqu'à 6 cm en un an) et des testicules". Certaines méthodes se veulent naturelles, sans "pompes ou poids ou autres gadgets".
Mais existe-t-il une norme? Oui dans le sens où celle-ci n'est qu'une moyenne. Non, dans le sens où un homme même faiblement "membré" peut très bien satisfaire sa partenaire.
Le pénis au repos aurait une taille moyenne de 8 à 10 cm, d'autres sources disent de 7 à 11 cm. On dit que le plus petit pénis adulte du monde mesurerait 1,5 cm et le plus grand... 38 cm.
Quant au pénis en érection, il mesurerait en moyenne entre 12 et 18 cm (de 10 cm à 20 cm si l'on compte plus large), plus précisément 15 cm chez les voisins français.
Selon la société Andromedical (qui produit l'extenseur de pénis Andro-Penis), la longueur moyenne d’un pénis en érection serait de 9,6 cm chez les Coréens, 12,4 cm chez les Brésiliens, 12,9 chez les Américains, 13 chez les Japonais et les Chinois. 13,9 cm chez les Allemands, 14 cm chez les Français et 14,2 cm chez les Belges.
La taille d'un pénis au repos n'a en fait "rien" à voir avec la taille d'un pénis en érection; autrement dit, un petit zizi au repos peut se révéler tout à fait "honnête" en état d'excitation. Mais, comme déjà signalé, la taille n'a que peu d'importance puisque c'est le premier tiers du vagin qui possède le plus de terminaisons nerveuses et se révèle donc le plus sensible.
Pierre et Gilles
Ce couple d’artistes, qui vivent et travaillent ensemble depuis 1976, s’est, au fil des dernières décennies, construit, approprié et façonné sur la scène artistique une place à part, une niche spécifique, abolissant les frontières arbitraires et archaïques entre genres, thèmes et sources iconographiques. Un style très particulier devenu très "mode".Après le succès retentissant de leurs expositions monographiques de Paris (Maison Européenne de la
photographie), Glasgow (Museum of Modern Art), Tokyo (Ginza Art Space), Turku (Turun Taide Museum), New York (New Museum of Contemporary Art), San Francisco (Yerba Buena Arts Center for the Arts) et plus récemment à Vienne (Kunsthaus Wien), c’est au Botanique qu’a été présentée, pour la première fois en Belgique, une rétrospective inédite de leur travail.
Une sélection d’œuvres inédites ou méconnues ont été présentées aux côtés de réalisations très célèbres et, en avant-première, de quelques-unes de leurs créations les plus récentes (2002). Un album embrassant l’ensemble de leur production et retraçant son évolution depuis 1976, a été réalisé à l’occasion de l’exposition.
Reconnaissable d’emblée, leur œuvre est unique à plus d’un titre. Sa singularité repose d’abord sur la spécificité d’un processus créatif, adoptant un dispositif à la fois manuel et mécanique, complexe et toujours soigneusement pensé. Avec une complémentarité rarement atteinte dans un duo d’artistes, Pierre et Gilles (inter)agissent à chaque étape de la conception et de la réalisation de leurs oeuvres.
Une technique originale
Commençant par réaliser des dessins préparatoires, ils conçoivent ensuite la mise en scène théâtrale de leur décor au gré d’objets et accessoires chinés ou spécialement fabriqués pour l’occasion. Pierre photographie alors la scène, en un unique tirage que, loin de toute manipulation digitale, Gilles retravaille ensuite par couches successives de glacis et de couches picturales, au pinceau et à l’aérographe, mutilant ainsi la possibilité de reproductibilité à l’infini de l’œuvre photographique. S’impose enfin le choix et la conception d’un encadrement spécifique, prolongement essentiel de la photographie peinte.
De cette intime imbrication des techniques photographique et picturale, leur permettant véritablement de s’exprimer l’un avec l’autre, jaillit une œuvre unique, hybride et syncrétique, abolissant les oppositions traditionnelles entre supports d’expression artistiques. Se dépouillant d’une partie de ses vertus de représentation mimétique, la photographie gagne en idéalisation, assumant les qualités affectives et sensorielles de la peinture, tandis que cette dernière tend vers un surcroît de vérité objective.
Mais ce syncrétisme trouve également sa transposition dans la façon remarquable dont Pierre et Gilles, en véritables iconophages, brassent et s’approprient une multitude de genres (du portrait à l’imagerie religieuse en passant par l’affiche publicitaire) et de thématiques, au croisement de traditions et de sources iconographiques diverses.
Le profane et le sacré, le banal, l’anodin et le consacré se côtoient dans un univers féerique, nourri de rencontres et de voyages, de souvenirs et de rêves et exaltant le regard étonné et admiratif de l’enfant qui se tapit au fond de tout un chacun.
Qu’il s’agisse de célébrités (Lio, Nina Hagen, Serge Gainsboug, Etienne Daho, Arielle Dombasle …) ou d’inconnus, le modèle, souvent abordé dans une frontalité iconique, se retrouve au centre du dispositif de Pierre et Gilles.
Métamorphosé en saint, voyou, marin, divinité ou encore en héros romanesque, il s’intègre à un univers bigarré où références à la publicité, à l’imagerie télévisuelle, à la tradition picturale, à la mythologie classique, à l’iconographie chrétienne se nourrissent l’une l’autre.
Flirtant délibérément, mais en les dépassant, avec l’imagerie "pop", l’univers de la mode et du "glamour", l’œuvre de Pierre et Gilles fait fi des distinctions traditionnelles entre Beau et Laid, Bien et Mal, culture populaire et tradition classique. Il en résulte une œuvre résolument originale et personnelle, dont le but ultime tend toujours à la recréation d’un idéal iconique et affectif.
Dans cette résolution de tout antagonisme dialectique, Pierre et Gilles opèrent donc un travail déstabilisant et subversif, sapant les hiérarchies et catégorisations convenues et mettant au défi les normes de bienséance, qu’elles soient esthétiques ou moralisatrices.
Reflet intime de leur façon de vivre, leur art livre sans doute la clef de sa popularité dans cette authenticité et cette faculté qu’il a d’exprimer l’ambivalence de notre réalité et de l’univers mental bigarré, mélangé de notre société contemporaine.
Frédéric Deltour
http://www.fred-deltour.com/This is Mister France
Maxwell Caulfield
http://seventh-seal.com/2themax/gallery.htmMaxwell Caulfield (born on November 23, 1959 in Glasgow, Scotland) is a Scottish-American actor.
His American stepfather, a Marine instructor at Parris Island, kicked him out of the house at the age of 15.
He moved eventually to the U.S., got his green card and found work as an exotic dancer before making his acting debut off-Broadway in the title role of Joe Orton’s Entertaining Mr. Sloane as a drifter.
He went on to star in the musical film Grease 2 (1982) opposite Michelle Pfeiffer.
At 21, he married Juliet Mills (18 years his senior) in 1980, and became stepfather to her daughter, Melissa Miklenda (who now goes by Melissa Caulfield).
His other appearances include a role in Judith Krantz’s Till We Meet Again, and in the movie Gettysburg. In addition to his role in Grease 2, he is perhaps best known for the role of Miles Colby on the successful Dynasty spin-off The Colbys.
Main title caption from Dynasty.
Enlarge
Main title caption from Dynasty.
He also appeared in the first episode of Beverly Hills 90210 as an older man interested in Shannen Doherty until he finds out how young she is. He appeared in a humorous role as "Rex Manning", a spoiled has-been rock star, in the film Empire Records (1995).
He made his Broadway debut in J. B. Priestley’s An Inspector Calls opposite Sian Phillips.
He voiced the character of Alistair Smythe in Spider-Man: The Animated Series from 1994-1998 and was the voice of James Bond in the videogame Nightfire.
He returned to the United Kingdom in 2004 to appear as Dr Jim Brodie in the highly-rated BBC medical drama Casualty.
Maxwell is currently performing the lead in ’Tryst’ off-Broadway.
He and Mills reside in Santa Barbara, California.
Hart Bochner
http://www.hartbochner.com/Hart Bochner
graduated from UC San Diego in 1978 with a BA in English Literature. Initially interested in directing, he was discovered at an AFI Open House in 1975 by the wife of Franklin Schaffner, and subsequently cast in Schaffner’s film ‘Islands in the Stream’, playing George C. Scott’s son. He went on to formal training as an actor with Peggy Feury at the Loft Studio from 1979 to 1985.
After years as a successful actor, Hart made the transition into directing with his short feature ‘The Buzzz’ starring Jon Lovitz. The film led to a deal with 20th Century Fox to direct the cult film, ‘PCU’.
He currently sits on the Leadership Council of the DGA’s PAC Committee, as well as the Board of Directors of the Environmental Media Association. Hart divides his time between homes in Los Angeles and France.
Cecilia
Evangelina Sobredo Galanes, "Cecilia", (Madrid , 11 de octubre de 1948 - Benavente, 2 de agosto de 1976), cantautora española.Como hija de diplomáticos españoles tuvo una infancia itinerante (Inglaterra, EE.UU., Portugal, Jordania) y una educación cosmopolita: aprendió a hablar en inglés antes que en castellano. Por ello sus primeras letras fueron tanto en inglés como en español. Finalmente se decantó por este último idioma. Se educó con una monja americana que la animaba a tocar la guitarra y a cantar en todas las fiestas de fin de curso. De regreso a España, tras licenciarse en Derecho, decidió dedicarse en serio a la música y a componer sus propias letras, que poseen una calidad poética y literaria notable, muy por encima de lo habitual en su tiempo, y se adscriben a corrientes existencialistas y a la canción de protesta feminista.
Junto a Nacho Saez de Tejada (Nuestro Pequeño Mundo) y Julio Seijas ("La Compañía"), Cecilia grabó en 1970 un sencillo, Expresión, cantado en inglés, y con aire bluessy-folk, y, aunque Seijas siguió siendo colaborador, el grupo se disolvió. Un año después, Cecilia grabó su primer sencillo en solitario: Mañana/Reuníos, dos temas hasta el momento inéditos en cd; el segundo es como un ruego para que se reunieran los entonces disueltos The Beatles. Aunque no supuso un gran éxito, el disco representó entonces una novedad en un panorama dominado por cantautores de influencia francesa como Mari Trini, Joan Manuel Serrat o Luis Eduardo Aute.
En 1972, la multinacional "CBS", hoy "Sony", la contrató y grabó su primer LP, por título Cecilia, en homenaje a la canción homónima de Simon y Garfunkel. Una canción social de este disco, "Dama, Dama", fue un exitazo, así como las existenciales "Nada de nada", "Mi gata Luna", "Fui" o "Señor y dueño" (que según sus propias palabras, era su canción favorita).
Al año siguiente, 1973, apareció su segundo LP, titulado Cecilia 2" con una característica foto de Ontañón en la portada; en este álbum hay recuerdos ("Cuando yo era pequeña", "Mi ciudad"), prospecciones al futuro ("Me quedaré soltera", tema fuerte para la época, y "Si no fuera porque..."), pasado colectivo ("Un millón de sueños", alusión a la Guerra Civil) y un amor existencial, elegíaco y triste muy característico de Cecila ("Canción de amor", "Me iré de aquí"). Solo "Andar", tema de apertura del disco, escapa de esa tristeza y aparece lleno de ganas de vivir. Fue también un éxito, aunque no tan resonante como el anterior, habida cuenta de que los elepés eran por entonces mucho más caros que los sencillos y todavía se estaba generalizando su uso.
Su tercer álbum fue el mayor éxito de su corta y fulminante carrera, Un ramito de violetas, por la canción que tuvo más éxito del LP y por la que se le suele recordar injustamente, ya que muchos de sus otros éxitos son también notables. Según su hermana Teresa, antes de ser canción fue un cuento. Junto a esta pieza destacan canciones como "Mi querida España", "Decir adiós" o "Sevilla".
En 1975, Televisión Española decidió que representara a España en el Festival de la OTI, y la artista aceptó a regañadientes, puesto que no le gustaban los festivales, con la canción "Amor de medianoche", compuesta por ella misma y Juan Carlos Calderón; el tema consiguió el segundo puesto. Grabó entonces un LP recopilatorio con el título de esa canción, que fue su último trabajo antes de perder la vida en un accidente de tráfico contra una carreta de bueyes, incidente que dejó desolado a todo el país, pues la cantante poseía un carisma insólito y una popularidad increíble. Sin embargo, aún llegó a editar un single en vida en 1976 con "Tu y yo" y en la segunda cara el tema "Una guerra", alusión a la Guerra Civil que aparece en otras letras suyas. "Tu y yo" nunca se reeditó en las innumerables recopilaciones posteriores. Cuando murió trabajaba en un proyecto sobre textos de Ramón María del Valle-Inclán. Está enterrada en el cementerio de La Almudena, en Madrid.
En septiembre de 1976, un mes tras su fallecimiento, salió el single póstumo que llevaba por título en la cara A "El viaje" y en la cara B, "Lluvia". A los siete años de su óbito su casa de discos editó un álbum con 12 canciones inéditas recopiladas desde maquetas y arregladas por Juan Carlos Calderón. En 1991 la llegada del sonido digital posibilitó la remasterización de una recopilación y en 1996 se editó un doble álbum con dúos de Cecilia con cantantes como Mercedes Corisco que apenas había nacido cuando murió, con Miguel Bosé, Ana Belén, Manolo Tena, Julio Iglesias etc... Además se logró recuperar "Desde que tu te has ido", una canción que dio título a esta colección de dúos y que fue reconstruida y digitalizada desde una maqueta que grabó Cecilia como prueba sólo con su voz y guitarra; se debe la reconstrucción al músico Juan Carlos Calderón.
Como intérprete usó unas veces de una voz frágil de una niña pequeña y otras de una voz firme e indomesticable. En sus versos refleja, con una gran tensión lírica e ironía, una España gris que empezaba a dejar de ser la España negra y rural del Franquismo.
Murió con 27 años en un accidente de tráfico tras chocar contra una carreta de bueyes.
John Fitzgerald Kennedy Jr.
John Fitzgerald Kennedy Jr. (November 25, 1960 – July 16, 1999), often referred to as John F. Kennedy, Jr., JFK Jr., John Jr. or John-John was an American lawyer, journalist, socialite, and publisher. He was the son of President John F. Kennedy and Jacqueline Bouvier Kennedy and the younger brother of Caroline Kennedy.Contents
[hide]
* 1 Early life
* 2 Education
* 3 Career
* 4 Death
* 5 See also
* 6 External links
[edit] Early life
Born less than a month after his father was elected to the presidency, John F. Kennedy, Jr. was in the public spotlight from infancy. He had lived for most of the first three years of his life in the White House and under the eye of the media who adored his antics. The nickname "John-John" came from a reporter mishearing his father calling him ("John" spoken twice in quick succession), and the name stuck. His father was assassinated on November 22, 1963, three days before Kennedy Jr.’s third birthday, and the son’s salute of his father’s flag-draped casket during the funeral procession on his third birthday became a heartbreaking and iconic image of the 1960s.
John Jr. grew up primarily on the Upper East Side of Manhattan in New York City. Even as a boy, he was often photographed and still referred to publicly as "John-John" although Kennedy family members themselves did not use the nickname [1]. After his father’s death, his mother was married to Greek shipping tycoon Aristotle Onassis from 1968 until Onassis’s death in 1975, when John was 14 years old. By most accounts, his stepfather did not play a particularly significant role in young John’s life. However, his real paternal figure from the ages of 3 to 8 was his uncle, Bobby Kennedy, who took Jackie, John, and Caroline under his wing following JFK’s death. This led to some jealousies and tensions between them and his own children, who felt neglected, and between Jackie and Ethel Kennedy, because Bobby also had the same affection for Jackie that her husband had.
[edit] Education
Although John F. Kennedy, Jr. attended Collegiate School in New York City for the first through tenth grades, he graduated high school from Phillips Academy. Subsequently, Kennedy matriculated at Brown University, graduating in 1983 with a bachelor’s degree in history. At Brown, Kennedy was a member of Phi Psi, an inactive chapter of the national Phi Kappa Psi Fraternity. In 1989, he earned a Juris Doctor (J.D.) degree from New York University School of Law. He failed the New York Bar exam twice before passing on the third try.
[edit] Career
He spoke at the 1988 Democratic National Convention in Atlanta, Georgia. He was a New York City assistant district attorney from 1989 to 1993. In 1995, he founded George, a glossy politics-as-lifestyle monthly which sometimes took editorial aim even at members of his own family. The magazine ceased publication shortly after Kennedy’s death.
Through the 1980s until his death, Kennedy was an often-seen and much-photographed personality in Manhattan. He married Carolyn Bessette on September 21, 1996 on Cumberland Island in Georgia. He dated Madonna and Daryl Hannah prior to his marriage.
[edit] Death
On July 16, 1999, Kennedy was killed along with his wife and his sister-in-law, Lauren Bessette, when the aircraft he was piloting, N9253N, a Piper Saratoga II HP, crashed on a hazy night into the Atlantic Ocean en route from Essex County Airport in West Caldwell, New Jersey, to Martha’s Vineyard, where the Kennedy family has a vacation house. Kennedy and his wife were traveling to the wedding of cousin Rory Kennedy, which was then postponed. Lauren was to have been dropped off at Martha’s Vineyard.
Kennedy was a relatively inexperienced pilot, with 310 hours of flight experience, including 55 hours of night flying and 36 hours in the high-performance Piper Saratoga. He had completed about half of an instrument training course but was not rated for flying in low visibility conditions. The National Transportation Safety Board investigation found no evidence of mechanical malfunction and determined that the probable cause was "the pilot’s failure to maintain control of the airplane during a descent over water at night, which was a result of spatial disorientation. Factors in the accident were haze, and the dark night." The report noted that spatial disorientation as a result of continued VFR flight into adverse weather conditions is a regular cause of fatal airplane accidents. According to literature found in most FAA approved flight training books, a pilot’s inability to see the horizon leads to spatial disorientation. The inner ear may give the pilot the impression that the plane is turning when it isn’t. It takes many hours of instrument training for a pilot to be able to fly in IFR conditions, conditions that most likely existed when Kennedy was flying on his route to Martha’s Vineyard. Over the water at night there are few lights and the lights that existed were most likely obscured by the haze.
Kyle Bailey, a pilot believed to have been the last person to see Kennedy alive at Essex County Airport, subsequently stated that he had cancelled his own intended journey to Martha’s Vineyard because the weather on the route was "a little too hazy." It also emerged that while Kennedy had made the journey from Essex County Airport to the Vineyard several times before, he had never made it without an instructor aboard or at night — factors which can make a flight challenging, especially for a relatively inexperienced, non-instrument-rated pilot. Kennedy’s flight instructor (CFI) stated that he offered to fly with Kennedy on the fatal journey but Kennedy replied that, "I want to do it alone." The instructor also stated that he was uncomfortable with Kennedy making a flight alone in a high-performance airplane at night, over open water and into haze, but did not insist that Kennedy remain on the ground.
During the memorial service on July 23, Kennedy’s uncle, Massachusetts Democratic Senator Edward Kennedy, said that, "We dared to think…that this John Kennedy would live to comb grey hair, with his beloved Carolyn by his side. But, like his father, he had every gift but length of years." [2] And of his nephew’s marriage, he invoked what had been said of his brother’s Presidency: both lasted 1,000 days. U.S. President Bill Clinton attended the service, and ordered that the flag at the White House be lowered to half-staff in honor of John F. Kennedy, Jr.
At President Clinton’s orders, warships of the U.S. Navy earlier assisted in the search for the downed plane, which was somewhat unusual. With the permission of Secretary of Defense William Cohen, Kennedy, his wife and sister-in-law were buried at sea off the Massachusetts coast after a ceremony aboard the destroyer USS Briscoe.
A large undisclosed payment was made to the Bessette family from the Kennedy family [3]. It was reported that this payment was made to avoid a possible high-profile lawsuit, since the accident was caused by human error.
Just as his father’s death is mired in conspiracy theory controversy, the story of John F. Kennedy, Jr.’s death has also drawn the attention of conspiracy theorists.
Alison Jackson
http://www.alisonjackson.com/Alison Jackson (born 1960) is a English photographer. She hit the headlines in 2000 with her lookalike photographs of celebrities in compromising positions, and went on to win a BAFTA for BBC 2’s series Double Take
Contents
[hide]
* 1 Biography
* 2 Personal life
[edit] Biography
A BA (Hons) Fine Art Sculpture from the Chelsea College of Art as an adult student, was followed by an MA Fine Art Photography from The Royal College of Art, London.
Jackson became notorious in Britain during 1999 for producing black-and-white photographs that apparently showed Princess Diana and Dodi Al-Fayed with a mixed-race love child. Since the couple died without producing offspring the photographs were clearly impossible. They appeared convincing because Jackson had employed look-alike models to pose as Di and Dodi. The photos, part of her graduation series entitled Mental Images, were technically assured, beautifully composed and lit in a manner reminiscent of Old Master paintings of the Holy Family. Jackson was attracted to the subject of Diana because she was a national icon at the time of her death and by the fact that millions mourned her even though the majority only knew her through mass media images. It was also clear to Jackson that people fantasised about Diana’s love life.
Jackson was also the artist behind BBC Two’s series Double Take, for which she won a BAFTA [1]. Her next targets are rumoured to include George W Bush and: "Tony Blair. Like Sven, he’s on his way out."
[edit] Personal life
Her father was a wealthy eccentric who’s life as owner of his family’s Georgian estate near Portsmouth was shattered in 1972 when he received a government purchase order to run the new M23 through his parkland. "It devastated him. He was so upset that he arranged to have the house burned down" The Jackson family - Alison has an older brother - moved to an equally impressive Gloucestershire mansion, originally an 11th-century Gilbertine monastery, with its own chapel and network of secret tunnels.
Her childhood was spent largely at Croft House, a "miserable" Sussex boarding school "for complete dunces, where it was all about needlework and dressage". Sarah Ferguson was a pupil. Her eccecentric father died when she was a teenager.
Jackson is single and childless. She has a "relatively long-term" boyfriend called Anthony, a film producer. She lives in one of Chelsea’s most opulent streets, in a house which used to be Turner’s art studio. Jackson bought it as a derelict shell, and turned it into one big, sparse, starkly minimalist space decorated with a white chaise longue, a shelf of rare books, a Bang & Olufsen music system and the a grand piano. Guests who come to her dinner parties apparently include Lord Brocket and Notting Hill socialite Melissa Chassay
The Singing Butler, de Jack Vettriano
Jack Vettriano (born 17 November 1951 Fife) is a Scottish painter. Originally Jack Hoggan, he grew up in the industrial seaside town of Methil, Fife. He left school at 16 and became an apprentice mining engineer, but later took up painting as a hobby in his twenties. His earliest paintings were copies or pastiches of impressionist paintings (his first painting was a copy of Monet’s Poppy Fields).Vettriano’s breakthrough year was 1988, when he felt ready to display his paintings in public and submitted two canvases for the Royal Scottish Academy annual show. Both paintings sold on the first day and Vettriano was approached by several galleries who wanted to sell his other work. The success and attention contributed to the breakdown of his first marriage and he moved to Edinburgh, changing his name to Vettriano, his mother’s maiden name.
Further successful exhibitions followed in Edinburgh, London, Hong Kong, Johannesburg, and New York. His paintings are reminiscent of the film noir genre, often with romantic or even pornographic themes.
Although his work is generally dismissed by art critics as being vulgar and devoid of imagination, he is one of the most commercially successful living artists. His original paintings now regularly fetch six figure prices, but he is thought to make more money from the sale of reproductions. According to The Guardian, he earns £500,000 a year in print royalties. Each year a new set of limited edition prints are published, and his most popular work, The Singing Butler, sells more posters and postcards than any other painting in the UK. On 21 April 2004 the original canvas of The Singing Butler sold at auction for £744,500 — in stark contrast to 1992 when Vettriano painted the picture and submitted it for inclusion in the Royal Academy summer show, only to be rejected.
In October 2005, it was ’discovered’that figures in some of Vettriano’s paintings, including The Singing Butler, were based on figures from an artists’ reference manual, The Illustrator’s Figure Reference Manual.[1] This revelation did little to tarnish Vettriano’s reputation,however, as he has never denied being self-taught. In his early years he didn’t have the financial resources to hire models. His talent lies in placing his figures in an unusual narrative context.
Vettriano has studios in Scotland and London. He is represented by the Portland Gallery, London and includes Jack Nicholson and Terence Conran amongst his collectors. In 2003 he was awarded the OBE.
[edit] See also
Maggie May
Wake up Maggie I think I got something to say to you
It’s late September and I really should be back at school
I know I keep you amused but I feel I’m being used
Oh Maggie I couldn’t have tried any more
You lured me away from home just to save you from being alone
You stole my heart and that’s what really hurt
The morning sun when it’s in your face really shows your age
But that don’t worry me none in my eyes you’re everything
I laughed at all of your jokes my love you didn’t need to coax
Oh, Maggie I couldn’t have tried any more
You lured me away from home, just to save you from being alone
You stole my soul and that’s a pain I can do without
All I needed was a friend to lend a guiding hand
But you turned into a lover and
mother what a lover, you wore me out
All you did was wreck my bed
and in the morning kick me in the head
Oh Maggie I couldn’t have tried anymore
You lured me away from home ’cause you didn’t want to be alone
You stole my heart I couldn’t leave you if I tried
I suppose I could collect my books and get on back to school
Or steal my daddy’s cue and make a living out of playing pool
Or find myself a rock and roll band that needs a helpin’ hand
Oh Maggie I wish I’d never seen your face
You made a first-class fool out of me
But I’m as blind as a fool can be
You stole my heart but I love you anyway
Maggie I wish I’d never seen your face
I’ll get on back home one of these days
This article is about the Rod Stewart song. For the original traditional Liverpool song as sung since the 1830s or earlier, see Maggie May (traditional song).
"Maggie May" is a song written by Rod Stewart and musician Martin Quittenton and recorded by Stewart with his band The Faces in 1971. It tells the story of a younger man becoming obsessed with an older woman and was written from Stewart’s own personal experiences.
The song was initially released in the United Kingdom as the B-side of the single "Reason to Believe", but DJs became more fond of the B-side and, after two weeks in the chart, the song was re-classified with "Maggie May" as the A-side. However, the single continued to be pressed with "Maggie May" designated the B-side.
In October 1971, the song went to number one in the UK, and simultaneously topped the charts in the United States; the album on which it appeared, Every Picture Tells a Story, achieved the same feat at the same time. To top the UK and U.S. singles and album charts simultaneously is a rare achievement which has been achieved by only a handful of acts other than Stewart, notably The Beatles, Simon and Garfunkel and, most recently, Beyoncé Knowles.
The song launched Stewart as a solo artist. While he has sold millions of records and had countless hits around the world, it is still "Maggie May" for which he arguably is best known. A famous live performance of the song on Top of the Pops saw the Faces joined onstage by DJ John Peel who pretended to play the mandolin. Stewart himself was bemused by the song’s success saying I still can’t see how the single is such a big hit. It has no melody. Plenty of character and nice chords, but no melody.
The song re-entered the UK charts in December 1976, but only reached thirty-one. No other act has released the song as a single, though both Blur and Wet Wet Wet have recorded versions of it, and Melissa Etheridge has performed it in concert as have The Pogues.
La Parrala en latín
Dicitur Parrala esse ex Moguer,
alii dicunt esse natam in La Palma,
sed nemo potuit firmiter sapere
unde oriunda erat Trini La Parrala.
Alii dicebant quod si,
alii dicebant quod non,
et propter dicere magis
cecinit Parrala sic:
Quod si, quod si, quod si, quod si
quod multum placet Parrala vinus,
quod non, quod non, quod non,quod non
nec ardens aqua nec marrasquinus,
quod si, quod si, quod si, quod si,
si non est vinus cantus non est,
quod non, quod non, quod non, quod non,
quod solum bibit obliti causa.
Quis emit mihi mysterium,
adivinat, adivinat :
cujus causa patet, plora,
patet ploraque Parrala?
José Javier Etayo.
I've Told Every Little Star
Da-dum, da-da-da-da-da-da-daDa-dum, da-dum
Da-da-da-da-da-da-da-da
Da-dum, Da-dum
Da-da-da-da-da-da-da-da
Why haven’t I told you
Oh, baby, I’ve told every little star
Just how sweet I think you are
Why haven’t I, I told you
Da-dum, da-da-da-da-da-da-da
I’ve told ripples in a brook
Made my heart an open book
Why haven’t I, I told you
Friends ask me "am I in love"
I always answer "yes"
Might as well confess
If the answers yes
Maybe, you may love me too
Oh, my darling, if you do
Why haven’t you told me
Da-dum, da-da-da-da-da-da-da
Da-dum, da-dum
Da-da-da-da-da-da-da-da
Friends ask me "am I in love"
I always answer "yes"
Might as well confess
If the answers yes
Maybe, you may love me too
Oh, my darling, if you do
Why haven’t you told me
Da-dum, da-da-da-da-da-da-da
Da-dum, da-dum
Da-da-da-da-da-da-da-da
Da-dum, da-dum
Da-da-da-da-da-da-da-da
Da-dum, da-dum
Linda Scott was a pop singer active in the early to mid 1960’s. She was born in Queens, New York as Linda Joy Sampson on June 1st 1945. Her biggest hit was the 1961 million-selling hit ’I’ve Told Every Little Star’. She went on to place 12 songs on the charts over the next 4 years, the last being ’Who’s Been Sleeping In My Bed,’ which was one of the first collaborations between the legendary writing team of Hal David and Burt Bacharach.
Linda Scott was still in high school when she auditioned for Arthur Godfrey’s radio show on CBS in 1959. After having won a place on the show, Linda and other young performers became regular guests on the show. During the show’s run the young singer came to the attention of Epic records and Linda made her recording debut (singing as Linda Sampson) with the single ’In-Between Teen’.
In 1961 she signed with the Canadian-American label, a label that had struck gold with the Santo & Johnny single ’Sleep Walk’. Though still in high school, the label changed her performing name to Linda Scott producing and releasing the hit ’I’ve Told Every Little Star’. The song was originally written by Oscar Hammerstein II and Jerome Kern and was first used in the 1932 production of ’Music In The Air’. That year Scott had a total of 3 top 20 hits. She also wrote some of her own music, unusual for the time, including ’Three Guesses’ which was the B side of ’I’ve Told Every Little Star’ The next year she recorded for both Canadian-American records and it’s sister label Congress records. She also appeared in ’Don’t Knock The Twist’ starring Chubby Checker singing Yessiree’. Though she released several more singles over the next 3 years they were less and less successful. Her last chart appearance was ’Who’s Been Sleeping In My Bed’ released in January 1964, the same month the Beatles made their first chart appearance.
In 1965 she became a cast member of the T.V. rock show ‘Where the Action is’ which she co-hosted with singer Steve Alaimo. Scott’s last recording, ’They Don’t Know You’, was released in 1968 on RCA records and Scott quit show business soon after to pursue studies in theology. She was an army medical laboratory technician for two years and later received a degree in Theology from Kingsway Christian College and Theological Seminary in Des Moines. The Complete Hits of Linda Scott was released by Bay area Eric records and “I’ve Told Every Little Star” was included in director David Lynch’s film “Mulholland Drive.”
http://www.encore4.net/livelyset/closeup/linda-scott/lindascott2.html
If You Can't Give Me Love
(Chapman/Chinn)
Well I’ve seen you before on that discotheque floor
You were driving me out of my mind
But I could have swore that I saw something more in your eyes
Although you were surrounded by beauty unbounded
Your glance was intended for me
And though I tried to hide it I found myself looking to see you
So then you took your chances, you made your advances
Your touch took my breath away
But when you said hello, are you ready to go
Well I had just one thing to say
If you can’t give me love honey, that aint enough
Let me go look for somebody else
If you can’t give me feelings with old fashioned meanings
You’re just in love with yourself
If you can’t give me love(Love)If you can’t give me love(Love)
If you can’t give me love(Love)If you can’t give me love(Love)
If you can’t give me love(Love)
Well you may be the king of this discotheque scene
But honey I aint looking for that
What I need is a man, not some so-called aristocrat
Oh if only you’d waited, just hesitated, or maybe just asked me to dance
But you really don’t know why I don’t want to go
And baby that’s why we don’t stand a chance
So if you can’t give me love honey, that aint enough
Let me go look for somebody else
If you can’t give me feelings with old fashioned meanings
You’re just in love with yourself
If you can’t give me love(Love)If you can’t give me love(Love)
If you can’t give me love(Love)If you can’t give me love(Love)
If you can’t give me love(Love)
Oh if you can’t give me love honey, that aint enough
Let me go look for somebody else
If you can’t give me feelings with old fashioned meanings
You’re just in love with yourself
If you can’t give me love honey, that aint enough
Let me go look for somebody else
If you can’t give me feelings with old fashioned meanings
You’re just in love with yourself
If you can’t give me love(Love)If you can’t give me love(Love)
If you can’t give me love(Love)If you can’t give me love(Love)
If you can’t give me love(Love)If you can’t give me love(Love)
If you can’t give me love(Love)If you can’t give me love(Love)
Give me love(Love)Give me love(Love)
Give me love(Love)Give me love(Love)
Give me love(Love)
Anthony Hopkins en El silencio de los corderos
Ian MacKellen, en Dioses y monstruos
Helen Mirren, en La Reina
Los tesoros de la tierra (regalos de Cola-Cao)
En 1973 la empresa Nutrexpa tuvo la genial idea de regalar con los botes de tamaño familiar de Cola-Cao una colección de minerales.Los niños, niñas y adultos de la época pudieron descubrir como era la Fluorita, la Azurita, la Magnetita, la Galena, el Talco, el Oligusto, el Yeso Fibroso, Silex, Aragonito y así hasta un total de 12 minerales.
Éstos iban sobre la tapa del bote y metidos en cajitas trasparentes con el nombre del mineral. Si enviabas 10 pesetas en sellos de correos a Cola-Cao, te remitía gratuitamente un estuche para guardar toda la colección.
Los -Tesoros de la Tierra- fue una colección entrañable y un acierto comercial de Nutrexpa.
http://www.eselx.com/ficha.aspx?canal=teacuerdas&wv=100|101|3628
Consejos para escritores por Anton Chejov
* Cuando escribo no tengo la impresión de que mis historias sean tristes. En cualquier caso, cuando trabajo estoy siempre de buen humor. Cuanto más alegre es mi vida, más sombríos son los relatos que escribo.
* Dios mío, no permitas que juzgue o hable de lo que no conozco y no comprendo.
* No pulir, no limar demasiado. Hay que ser desmañado y audaz. La brevedad es hermana del talento.
* Lo he visto todo. No obstante, ahora no se trata de lo que he visto sino de cómo lo he visto.
* Es extraño: ahora tengo la manía de la brevedad: nada de lo que leo, mío o ajeno, me parece lo bastante breve.
* Cuando escribo, confío plenamente en que el lector añadirá por su cuenta los elementos subjetivos que faltan al cuento.
* Es más fácil escribir de Sócrates que de una señorita o de una cocinera.
* Guarde el relato en un baúl un año entero y, después de ese tiempo, vuelva a leerlo. Entonces lo verá todo más claro. Escriba una novela. Escríbala durante un año entero. Después acórtela medio año y después publíquela. Un escritor, más que escribir, debe bordar sobre el papel; que el trabajo sea minucioso, elaborado.
* Te aconsejo: 1) ninguna monserga de carácter político, social, económico; 2) objetividad absoluta; 3) veracidad en la pintura de los personajes y de las cosas; 4) máxima concisión; 5) audacia y originalidad: rechaza todo lo convencional; 6) espontaneidad.
* Es difícil unir las ganas de vivir con las de escribir. No dejes correr tu pluma cuando tu cabeza está cansada.
* Nunca se debe mentir. El arte tiene esta grandeza particular: no tolera la mentira. Se puede mentir en el amor, en la política, en la medicina, se puede engañar a la gente e incluso a Dios, pero en el arte no se puede mentir.
* Nada es más fácil que describir autoridades antipáticas. Al lector le gusta, pero sólo al más insoportable, al más mediocre de los lectores. Dios te guarde de los lugares comunes. Lo mejor de todo es no describir el estado de ánimo de los personajes. Hay que tratar de que se desprenda de sus propias acciones. No publiques hasta estar seguro de que tus personajes están vivos y de que no pecas contra la realidad.
* Escribir para los críticos tiene tanto sentido como darle a oler flores a una persona resfriada.
* No seamos charlatanes y digamos con franqueza que en este mundo no se entiende nada. Sólo los charlatanes y los imbéciles creen comprenderlo todo.
* No es la escritura en sí misma lo que me da náusea, sino el entorno literario, del que no es posible escapar y que te acompaña a todas partes, como a la tierra su atmósfera. No creo en nuestra intelligentsia, que es hipócrita, falsa, histérica, maleducada, ociosa; no le creo ni siquiera cuando sufre y se lamenta, ya que sus perseguidores proceden de sus propias entrañas. Creo en los individuos, en unas pocas personas esparcidas por todos los rincones -sean intelectuales o campesinos-; en ellos está la fuerza, aunque sean pocos.
Waltzing Matilda
"Waltzing Matilda" is Australia’s most widely known folk song, and one that has been popularly suggested as a potential national anthem many times.
The lyrics were written in 1895 by the poet and nationalist Banjo Paterson, who set them to a slightly different tune. Extensive folklore surrounds the song and the process of its creation, to the extent that the song has its own museum, the Waltzing Matilda Centre of Winton, Queensland.
Official status
There have long been persistent calls for the establishment of Waltzing Matilda as the national anthem over the current national anthem, "Advance Australia Fair". The song is recognisable and easily sung, but its lyrics, narrating the story of a swagman, the Australian equivalent of a hobo, render it unlikely to ever gain acceptance in official circles. Many Australians, however, continue to regard it with great affection. Some have suggested using the same tune, but with different lyrics, but supporters argue the lyrics contribute substantially to the song’s character.
The song enjoyed a brief period of official recognition as the Australian national song (coexisting with "Advance Australia Fair" as the National Anthem). It was used at the Montreal Olympic Games in 1976, and, as a response to the New Zealand All Blacks haka, it has gained popularity as a sporting anthem for the Australia national rugby union team. It is also performed, along with "Advance Australia Fair", at the annual AFL Grand Final. As of 2006 it has no official status, but it continues to be used unofficially (and sometimes in error) in many contexts.
[edit] The song’s appeal
Reasons for the strong empathy Australian’s feel for this song includes its:
* appeal to a rural ideal,
* featuring a underdog or anti-hero,
* status as unofficial,
* links to an historical shearers’ strike that was foundational to the labour movement in Australia, and
* use of many obsolete words and phrases that give native Australian English speakers an insiders knowledge about ths song’s meaning that distinguishes them from outsiders.
[edit] Lyrics
Once a jolly swagman sat beside a billabong,
Under the shade of a coolibah tree,
And he sang as he sat and waited while his billy boiled
"Who’ll come a-Waltzing Matilda, with me?"
Waltzing Matilda, Waltzing Matilda
Who’ll come a-Waltzing Matilda, with me
And he sang as he sat and waited while his billy boiled
"Who’ll come a-Waltzing Matilda, with me?"
Along came a jumbuck to drink beside the billabong,
Up jumped the swagman and seized him with glee,
And he sang as he talked to that jumbuck in his tucker bag,
"You’ll come a-Waltzing Matilda, with me".
Waltzing Matilda, Waltzing Matilda
Who’ll come a-Waltzing Matilda, with me
And he sang as he talked to that jumbuck in his tucker bag,
"You’ll come a-Waltzing Matilda, with me?".
Up rode the squatter, mounted on his thoroughbred,
Down came the troopers, one, two, three,
"Where’s that jolly jumbuck you’ve got in your tucker bag?"
"You’ll come a-Waltzing Matilda, with me".
Waltzing Matilda, Waltzing Matilda
Who’ll come a-Waltzing Matilda, with me
"Where’s that jolly jumbuck you’ve got in your tucker bag?",
"You’ll come a-Waltzing Matilda, with me?".
Up jumped the swagman, leapt into the billabong,
"You’ll never catch me alive," said he,
And his ghost may be heard as you pass by the billabong,
"Who’ll come a-Waltzing Matilda, with me".
Waltzing Matilda, Waltzing Matilda
Who’ll come a-Waltzing Matilda, with me
And his ghost may be heard as you pass by the billabong,
"Who’ll come a-Waltzing Matilda, with me?"
Spoiler warning: Plot and/or ending details follow.
The song narrates the story of an itinerant worker making a crude cup of tea at a bush camp and stealing a sheep to eat. When the sheep’s owner arrives with three police officers to arrest the itinerant worker, he drowns himself in a small lake and haunts the site. The lyrics contain many distinctively Australian words, some now rarely used in Australian English outside this song. These include:
swagman
the Australian equivalent of a hobo; a swagman is a romanticised figure who travelled the country looking for work, usually sporting a hat hung with cork to ward off flies. The swagman’s "swag" was his bundle of belongings.
waltzing
derived from the German term auf der Walz, which means to travel while working as a craftsman and learn new techniques from other masters before returning home after three years and one day, a custom which is still in use today among carpenters.
Matilda
a romantic term for a swagman’s bundle. See below, "Waltzing Matilda."
Waltzing Matilda
from the above terms, "to waltz Matilda" is to travel with a swag, that is, with all one’s belongings on one’s back wrapped in a blanket or cloth. The exact origins of the term "Matilda" are disputed; one fanciful derivation states that when swagmen met each other at their gatherings, there were rarely women to dance with. Nonetheless, they enjoyed a dance, and so they danced with their swags, which was given a woman’s name. However, this appears to be influenced by the word "waltz", hence the introduction of dancing. It seems more likely that, as a swagman’s only companion, the swag came to be personified as a woman.
Another explanation is that the term also derives from German immigrants. German soldiers commonly refered to their greatcoats as "Matilda" supposedly because the coat kept them as warm as a woman would. Early German immigrants who "went on the waltz" would wrap their belongings in their coat and took to calling it by the same name their soldiers had used.
billabong
a stagnant pool found along the side of a river where eddies and directional changes of the water keep it from moving.
coolibah tree
a kind of eucalyptus which grows near billabongs.
jumbuck
a sheep. A "jombok" is a large, fluffy cloud that drifts across inland Australia. The Indigenous Australians, when they saw sheep for the first time, were reminded of jomboks and called them a similar word. An alternative explanation is that it is an Aboriginally pronounced "jump up."
billy
a can for boiling water in, usu. 2-3 pints.
tucker bag
a bag for carrying food ("tucker").
troopers
policemen.
squatter
Australian squatters started as early farmers who raised livestock on land which they did not legally have the right to use, but in many cases later gained legal use of the land even though they did not have full possession and became wealthy thanks to their large land holdings.
[edit] Variations
Current variations include the third line of the verse saying "And he sang as he sat and waited by the billabong" or "And he sang as he watched and waited ’til his billy boiled"; and the third line of the chorus remaining unchanged from the first verse, instead of changing to the third line of each preceding verse.
The lyrics of Banjo Paterson’s original version differ slightly from the ones generally known today, and ran as follows:
Oh, there once was a swagman camped in the billabongs,
Under the shade of a coolibah tree,
And he sang as he looked at the old billy boiling,
Who’ll come a-waltzing Matilda with me?
Chorus:
Who’ll come a-waltzing Matilda my darling,
Who’ll come a-waltzing Matilda with me?
Waltzing Matilda and leading a waterbag,
"Who’ll come a-waltzing Matilda with me?
Up came the jumbuck to drink at the waterhole,
Up jumped the swagman and grabbed him in glee,
And he sang as he put him away in the tucker-bag,
"You’ll come a-waltzing matilda with me."
Chorus
Up came the squatter a-riding his thoroughbred,
Up came policemen one two and three.
Whose is the jumbuck you’ve got in the tucker-bag?
You’ll come a-waltzing matilda with we.
Chorus
Up sprang the swagman and jumped in the waterhole,
Drowning himself by the Coolibah tree.
And his voice can be heard as it sings in the billabongs,
"Who’ll come a-waltzing matilda with me."
Chorus:
An even earlier version used the term "a-roving Australia" rather than "waltzing matilda", although Paterson was talked out of using this.
[edit] History
[edit] Writing of the song
The song was written in 1895 by Banjo Paterson, a famous Australian poet, and the music written (or possibly adapted) by Christina MacPherson. Banjo Paterson wrote the piece while staying at the Dagworth Homestead, a bush station in Queensland. While he was there his hosts played him a traditional Celtic folktune called "the Craigeelee", and Paterson decided that it would be a good piece to set lyrics to, producing the song during the rest of his stay.
The tune is most probably based on the Scottish song "Thou Bonnie Wood of Craigielea" which Christina MacPherson heard played by a band at the Warrnambool steeplechase. Robert Tannahill wrote the words in 1805 and James Barr composed the music in 1818. In 1893 it was arranged for brass band by Thomas Bulch. The tune again was possibly based on the old melody of "Go to the Devil and Shake Yourself" composed by John Field (1782-1837) some time before 1812. It’s sometimes also called: "When Sick is it Tea you want?" (London 1798) or "The Penniless Traveller" (O’Neill’s 1850 collection).
There is also speculation about the relationship it bears to "The Bold Fusilier", a song dated by some back to the eighteenth century.
"Waltzing Matilda" is probably based on the following story:
In Queensland in 1891 the Great Shearers’ Strike brought the colony close to civil war and was broken only after the Premier Samuel Griffith called in the military.
In September 1894, on a station called Dagworth (north of Winton), some shearers were again on strike. It turned violent with the strikers firing their rifles and pistols in the air and setting fire to the woolshed at the Dagworth Homestead, killing dozens of sheep.
The owner of Dagworth Homestead and three policemen gave chase to a man named Samuel Hoffmeister - also called Samuel "French(y)" Hoffmeister. Rather than be captured, Hoffmeister shot and killed himself at the Combo Waterhole.
Bob Macpherson (the brother of Christina) and Paterson are said to have taken rides together at Dagworth. Here they may have passed the Combo Waterhole, where Bob may have told this story to Paterson.
The song itself was first performed on 6 April 1895 at the North Gregory Hotel in Winton, Queensland. The occasion was a banquet for the Premier of Queensland. It became an instant success.
[edit] Ownership
In 1903 it was picked up by the Billy Tea company for use as an advertising jingle, making it nationally famous. A third variation on the song, with a slightly different chorus, was published in 1907. Paterson sold the rights to "Waltzing Matilda" and "some other pieces" to Angus and Robertson Publishers for five pounds (the then currency).
The song was falsely copyrighted by an American publisher in 1941 as an original composition. However, no copyright applies in Australia.
[edit] Covers and derivative works
The song is a feature at many Australian sporting events. "Waltzing Matilda" was performed at the Closing Ceremony of the 2000 Olympic Games in Sydney by legendary singer Slim Dusty — as well as at the Opening Ceremony of the subsequent Sydney 2000 Paralympic Games by Australian pop star Kylie Minogue — and was also sung at the Opening Ceremony of the 1982 Commonwealth Games in Brisbane, by Rolf Harris. It is sung during the pre-game entertainment of the Australian Football League Grand Final each year.
The song has been recorded by many Australian musicians and singers, including by The Seekers,Tenor Australis, Thomas Edmonds, Rolf Harris and Lazy Harry.
In 1958, Bill Haley and His Comets recorded a version with new lyrics entitled "Rockin’ Matilda" (Haley’s version is about a beautiful Australian girl named Matilda).
Bands from other nations, including The Irish Rovers and the Red Army Choir, have also recorded the song.
The score of the 1959 film On the Beach, written by Ernest Gold is based heavily on motifs from "Waltzing Matilda". The film, about the end of the world in a nuclear holocaust, is set in Australia and director Stanley Kramer was insistent on the "Waltzing Matilda" motif. The song itself is heard in the last minutes of On the Beach.
A derivative work, "And The Band Played Waltzing Matilda", was created by Eric Bogle in 1972, and performed most popularly by The Pogues on the album Rum Sodomy & the Lash. The song graphically documents the Australian experience at the Battle of Gallipoli and ANZAC Day remembrance since, from the point of view of a soldier who loses both legs in the fighting. The song incorporates the melody and a few lines of the "Waltzing Matilda’s" lyrics at its conclusion.
The American singer Tom Waits combined "Waltzing Matilda" with original material in "Tom Traubert’s Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)", the first track of his 1976 album Small Change.
In 2003 the Scared Weird Little Guys released "Cleanin’ Out My Tuckerbag", an comic interpretation of the song in the vein of Eminem’s "Cleanin’ Out My Closet" and "Lose Yourself".
In the story "The Mountain Movers" by Australian Science Fiction writer A. Bertram Chandler, the song gets new words in the mouth of future Australian space adventurers, with the first stanza running:
"When the jolly Jumbuk lifted from Port Woomera
Out and away for Altair Three
Glad were we all to kiss the tired old Earth goodbye
Who’ll come a-sailing in Jumbuk with me?"
"Waltzing Matilda" is the official march of the U.S. 1st Marine Division, commemorating the time the unit spent in Australia during the Second World War.
El puente de Waterloo
Georges O'Brien
George O’Brien (April 19, 1899 - September 4, 1985) was a publicly popular actor of the silent film era and into the talkie era of the 1930s.Born in San Francisco, California, O’Brien was the son of a policeman who later became police chief of San Francisco and then California Director of Penology. O’Brien was a popular college athlete before enlisting in the United States Navy to fight in World War I, then as a stretcher bearer in the marine corps. The young war veteran came to Hollywood, California in his early twenties and began his acting career in bit parts and as a stuntman. One of his earliest roles was in in the 1922 George Melford directed drama Moran of the Lady Letty, most notable for starring Rudolph Valentino. In 1924 O’Brien received his first starring role in the drama The Man Who Came Back opposite the English actress Dorothy Mackaill. That same year he was chosen by the famed movie director John Ford to star in his first film The Iron Horse. The film was an immense success at the box-office and O’Brien made four more films for Ford. In 1927 he starred in Sunrise opposite Janet Gaynor, which won three Academy Awards, was directed by F. W. Murnau, and remains widely considered by critics to be one of the finest and most powerful films ever made.
O’Brien would spend the remainder of the 1920s as an extremely popular leading man in films; often starring in action and adventure roles alongside such publicly popular actresses of the era as Alma Rubens, Anita Stewart, Madge Bellamy and Janet Gaynor.
O’Brien married the actress Marguerite Churchill on July 15, 1933 and the couple had a son, Darcy O’Brien in 1939 who would become a successful writer and a daughter, Orin O’Brien who would become a double bassist with the New York Philharmonic. The couple divorced in 1948.
With the advent of sound, George O’Brien became a popular star of Westerns and rarely took parts outside of the Western film genre. Throughout the 1930s, O’Brien was a consistent Top Ten box-office draw appearing in scores of Westerns, often atop his horse named Mike.
George’s height was either 5’11" (1.80m) or 6’0½" (1.84m).
During World War II, O’Brien re-enlisted in the United States Navy where he served in the Pacific and was decorated several times. He left service with the rank of captain, having four times been recommended for the rank of admiral [citation needed]. George O’Brien suffered a heart attack and was bedridden the last few years of his life. He died in 1985 in Tulsa, Oklahoma, USA.
For his contribution to the motion picture industry, George O’Brien was awarded a star on the Hollywood Walk of Fame at 6201 Hollywood Blvd., in Los Angeles, California.
http://www.foros.net/viewtopic.php?t=278&mforum=generalisimo
La cosa empezó a los 9 años, cuando unos perversos primos míos de 14 y 16 años me hicieron jugar con ellos a frotarnos desnudos en la piscina. A mí no me pareció del todo bien, pero como se esforzaron en convencerme de que era un juego, acabó por parecerme normal, y al llegar a la pubertad me empecé a sentir atraido por chicos, en lugar de por chicas, que es lo natural y lo correcto. El no hablarlo con gente sana hizo que callese en la depravación una y otra vez, hasta que me dí cuenta pasados los 18 de que aquello no estaba bien, me puse en manos de un psiquiatra al que le debo mi salud mental actual (en perfecto estado, tengo que decir), y quedé sano y salvo, el Señor me acogió en su seno de nuevo y hoy vivo por fin libre de culpa y pecado.
Un abrazo con la mano alzada al cielo y el orgullo español en la mirada, camaradas!
_________________
"Una sola raza para una sola patria"
Forista experto
Registrado: 21 Feb 2006
Mensajes: 1114
Ubicación: EL BUNKER
MensajePublicado: Dom Jul 02, 2006 7:13 pm Asunto: Responder citando
me parece estupenda tu recuperacion y si estas arrepentido Dios te perdona. as tomado el camino correcto y eso es lo importante.
un saludo.
VIVA CRISTO REY
ARRIBA ESPAÑA
Sebastian Kruger
Sebastian Kruger was born in Hamlin, Germany in 1963. He studied painting and graphic arts and quickly moved on to make his living as a caricaturist, illustrator, and painter.Kruger’s works are appreciated and collected by many Hollywood notables, and his painterly twists on Bogart, Schwarzenegger John Wayne, The Rolling Stones, are classics of their kind.
Perhaps never before has an artist displayed such an acute ability to capture the essence of those who occupy the public eye.
Perhaps Kruger’s most remarkable talent is his ability to bring diverse painting techniques and styles to a given subject. Kruger’s works range from pencil drawings, to near abstract paintings and then to the near photo realistic, and he has mastered each difficult variant with remarkable aplomb. Though the foundation of most caricature may rest in the exaggeration of the certain of the subjects features, Kruger often ignores the obvious, and focuses on more subtle aspects, still conveying the essence of his subject in a most profound and amusing fashion. Despite such exaggerations and maniacal morphs, Kruger approaches nearly all of his subjects with a level of respect and sincerity. His goal is to reach inside of them and pull out the very essentials of their character. This requires a certain empathy on the part of the artist, as well as the requisite artistic skills.
Sebastian Kruger has had three popular art books published of his works and has a yearly art calendar from Morpheus. Kruger’s art can be seen frequently in Playboy magazine and has also been featured in the likes of Stern, L’Espresso, Penthouse, and Der Spiegel and USA Today. He has recently been working on select motion picture projects.
ANNA DE NOAILLES
Anna-Elizabeth de Brancovan, condesa de Noailles, escritora y reina intelectual de los salones de París hasta la llegada de la Gran Guerra europea, nació en la capital francesa en 1876, en una familia de antiguos linajes griegos y rumanos. Crece en un ambiente de preocupación artística y formación literaria y poética; lectora asidua y apasionada sobre todo de poesía y novela. Condesa por su matrimonio con Mathieu de Noailles, se interesó también por la política de una f orma comprometida y valiente. Tuvo un largo romance con el ideólogo Maurice Barrès. Fue admirada como mujer y como escritora por muchos intelectuales de la época, como Daudet, Paul Valéry, Jean Cocteau, François Mauriac, Pierre Lotti, Francis Jammes, Enrique Larreta; conoció y trató a escritores como D’Annunzio, Rilke, Rostand, Tagore, Marcel Proust... A su muerte, acaecida en 1937, había recibido los máximos honores públicos de Francia y era miembro de la Real Academia Belga, siguió escribiendo hasta el último día.¡Shazam! por Héctor de Mauleón
El problema era que aquel domingo daban en el Cosmos un episodio de El Capitán Maravilla. Por eso, cuando Pico sacó un crujiente billete de a cinco, e hizo aparecer, como en un acto de magia, el digno rostro de La Corregidora, El Gallo y yo intercambiamos la mirada rápida de siempre.
—No saldremos con vida si vamos solos al Cosmos —murmuró El Gallo, que a los diez años hablaba exclusivamente en clichés cinematográficos.
El Capitán Maravilla era una serie de los años cuarenta, protagonizada por Tom Tyler, que había seguido rodando, durante décadas, por los cines más viejos del rumbo: castillos grandilocuentes venidos a menos, galerones oscuros, de nombre rimbombante —Majestic, Lux, Rívoli, Ópera, Palacio—, cuyo lustre se había empañado al devenir salas caldeadas de sudor y orines, multitudinarios recintos salvajes en los que el público aullaba a la menor ocasión, o derramaba líquidos sobre luneta, o sencillamente ponía punto final a cualquier asunto emprendiéndola a golpes con el espectador de al lado.
Y aunque en ese tiempo las latas que encerraban las aventuras de El Capitán Maravilla eran para nosotros el descubrimiento arqueológico de la década, no había en el rumbo nada más parecido a una penitenciaría que el torvo y siniestro cine Cosmos. O tal vez sí: mi escuela primaria, pero estaba cerrada ese día.
Así que seguimos tumbados a orillas de la banqueta, mirando el cielo apagado, de nubes blancas que se desplazaban y cambiaban de forma, hasta que El Gallo dijo de pronto:
—Si se nos pone difícil, podemos decir “¡Shazam!”.
Comenzamos a reírnos. “¡Shazam!” era la palabra que Tom Tyler pronunciaba para adquirir sus poderes en momentos peliagudos.
Supongo que algo ocurriría entonces, pero no recuerdo qué. Posiblemente seguimos tumbados en la banqueta, hasta que Pico extrajo de nuevo su crujiente billete de a cinco. El Gallo volvió a soltar un parlamento cinematográfico:
—Compramos los boletos cuando la función haya empezado. Nos sentamos en la fila adelante. Entramos a oscuras y salimos a oscuras. Cuando ellos se estén levantando, ya habremos cruzado la México-Tacuba.
En eso consistía todo. Cruzar México-Tacuba era penetrar en territorio comanche; ver evaporarse los derechos civiles; atravesar vecindades que efectivamente eran penitenciarías. Tropezar con borrachos que vociferaban a media calle, y con inhaladores de Resistol 5000 capaces de acuchillarte si pronunciabas un diptongo de más. Algo así.
De modo que nos levantamos y, desde Amado Nervo, avanzamos hacia el corazón de las tinieblas: el extremo oriente de Santa Julia. La marquesina del Cosmos anunciaba La picadura del escorpión, y también El escorpión de oro. Esperamos en la escalinata, sin mirar a nadie, hasta que inició la función. Entonces Pico compró los boletos y, en fila india, entramos en la sala. Nos instalamos en la primera fila, hundidos en las butacas, un poco lejos de todos.
El Capitán Maravilla era un arqueólogo que, al abrir la Gran Tumba, se negó a saquear los tesoros del faraón. Una sacerdotisa fantasmal lo recompensó entregándole un secreto: “¡Shazam!”, palabra compuesta por las iniciales de Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquiles y Marte. Quien las pronunciara adquiriría los poderes de dioses y héroes, a cambio de recuperar las joyas y combatir el mal. Nada más misterioso que esos cortometrajes antiguos, rayados y llenos de cortes, que parecían ruinas de otro mundo, los sueños de alguien sepultado hacía tiempo. Imágenes diluidas de una era en la que todo fue distinto.
Pero el plan de El Gallo falló. Olvidamos el intermedio: aquel momento fatal en que el cácaro cambiaba el rollo, y las luces se encendían, y una marabunta ardorosa se echaba a correr por los pasillos: fingir la lucha contra el mal, recordar que eran niños —y no sólo habitantes de la penitenciaría a la que habrían de volver cuando la función terminara.
En ese instante, nos descubrieron.
Lo supimos porque nos señalaron de lejos y creímos notar que algo había cambiado en sus miradas (ese algo era lo que nos mantenía alejados del Cosmos).
Cuando la luz se apagó, vinieron a sentarse en la fila de atrás. Llegaron acompañados por un silencio cargado de significados atroces. Algo que quería decir: “sabemos quiénes son”, “los hemos visto antes”. El Gallo y yo nos miramos de reojo.
Había comenzado El escorpión de oro, cuando alguien pateó la parte trasera de mi butaca. El corazón me galopaba dentro del pecho, pero ni siquiera parpadeé. De pronto, alguien expulsó un gargajo y lo estampó con brutalidad, no recuerdo si en mi nuca, o en la de Pico, aunque espero que haya sido en la de él. El Gallo dijo:
—Vámonos.
Caminamos hacia la puerta bajo el haz de luz en que volaba El Capitán Maravilla. Pero no pudimos salir del territorio comanche. Nos metieron a empujones a un baño, encharcado de orines. Uno inmovilizó a Pico, torciéndole los brazos por la espalda. Otro, de un manotazo, tiró los gruesos lentes de El Gallo. Hoy deben estar secuestrando o asaltando bancos. Tenían un talento especial para desarrollar esa clase de biografía interesante.
—¿Qué vienen a hacer aquí, putos?— preguntó El Jefe (siempre había un jefe).
Yo miré a El Gallo. Dije:
—¡Shazam!
Y, por un instante, un rayo de júbilo brilló en sus ojos. Pude verlo antes de que El Jefe soltara el puñetazo que hizo rebotar mi cráneo contra el mosaico mojado.
De Mauleón. Periodista y escritor.
Es autor del libro Los lugares oscuros, de próxima publicación.
Test Prioridades en la vida
1.- El teléfóno está sonando.
2.- El bebé está llorando.
3.- Alguien está llamando insistentemente a la puerta.
4.- Tienes ropa secándose en el exterior y notas que comienza a llover.
5.- Te has dejado abierto el grifo del lavabo y la casa se está inundando.
Se trata de analizar fríamente todas las opciones y a continuación decidir en qué orden nos ocuparíamos de ellas. Cada una representa una faceta de nuestras vidas, y nos servirá para descubrir a que le damos importancia y a que no.
Los hombres de más de 20 años comienzan a pudrirse
Una exposición en Madrid recuerda la figura y el legado de Pío Baroja
ÁNGEL S. HARGUINDEY - Madrid
EL PAÍS - Cultura - 14-09-2006
"No he tenido el éxito. Si he conseguido algún pequeño éxito en literatura ha sido a destiempo y casi más bien fuera de España que en España. Con escasos medios, sin protección y sin conocimientos de personas influyentes, he llegado a la vejez y a la vejez de artrítico. Creo que todos los hombres de más de 20 años están ya comenzando a pudrirse. Un artrítico está más podrido aún". Así resume su vida Pío Baroja, autor de más de 100 novelas, sin duda uno de los escritores de mayor influencia e importancia en la España del siglo XX y del que hoy se inaugura en el Museo de la Ciudad (Príncipe de Vergara, 140, Madrid) la exposición Memoria de Pío Baroja, un gran homenaje en conmemoración del 50º aniversario de su muerte, el 30 de octubre de 1956.
Baroja ha sido un personaje incómodo para lo establecido. Sus opiniones, de una gran franqueza, siempre se basaron en sus propias reflexiones, al margen de las modas imperantes. "En literatura, realista con algo de romántico; en filosofía, agnóstico; en política, individualista y liberal; es decir, apolítico. Así era a los 20 años, así soy pasados los 70. No he encontrado nada en mi vida que me haya hecho cambiar de opinión".
Su sobrino Julio Caro escribió sobre el patriotismo algo que muy bien podía tener como inspiración a don Pío: "El patriotismo lo convierten en monopolio y granjería. Ello tiene sus ventajas a la corta. Pero produce a la larga grandes catástrofes. He ahí lo que ocurrió, desde 1921 a 1945, en los países fascistas. Quisieron fijar como colectivos y hereditarios los caracteres nacionales. Así, para atacar al enemigo político se recurría a expresiones como las de ’mal español’, ’hijo renegado’, ’traidor a la herencia de sus padres’. Este juego dialéctico llegó a la lucha enconada, y entonces se definió, precisamente, qué cosa era ser ’mal’ o ’buen’ español, y se hizo la Guerra Civil, utilizando conceptos que no eran demasiado sólidos y manejándolos a la ligera en horas de pura lucha dialéctica".
La muestra exhibe más de 250 piezas entre fotografías, cartas, manuscritos, retratos, pinturas de los artistas con quienes mantuvo relación de amistad el escritor -Juan de Echevarría, Darío de Regoyos, Vázquez Díaz, Beruete, Casas, Zubiaurre, Ricardo Baroja y Penagos, entre otros- y primeras ediciones de sus libros y de los escritores que le rodearon. Comisariada por Joaquín Puig de la Bellacasa con la asesoría de Pío Caro Baroja y la colaboración de los hermanos Pío y Carmen Caro Jaureguialzo, está organizada por el Ayuntamiento de Madrid y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC).
Memoria de Pío Baroja se subdivide en seis apartados que recorren la biografía y la obra del escritor y su tiempo. En el primero, ’Familia, infancia y juventud’, se incluyen numerosas referencias familiares, los libros que leyó en su infancia y juventud y sus años de estudiante de Medicina, además de su tesis doctoral sobre el dolor. Es también el periodo en el que, tras su etapa de médico en Cestona, trabajó con su hermano Ricardo al frente de la panadería Viena Capellanes, en Madrid, herencia de su tía Juana Nessi. De estos años recuerda en sus memorias: "Otros tipos bastante absurdos conocí en esta época, que a varios los fui sacando en mis libros. Uno de ellos lo conocía por Lamotte... Me instó también a que hiciera unos panecillos con glicerofosfato de cal y de sosa con sales de hierro. Los hice. No tenían de malo sino que eran pesados como el plomo. Según él, con uno de aquellos panecillos bastaba para todo el día... Lamotte había inventado la mano remo y el pie remo, y un cepo para pescar langostas, en el cual ellas mismas se encargaban de llamar, cuando estaban presas, tocando una campanilla. Era el colmo de la perfección... Yo nunca creía gran cosa en los inventos de mi amigo, sobre todo desde que le oí decir una vez seriamente que el rastro plateado que dejaban los caracoles en la tierra podía aprovecharse industrialmente" (Desde la última vuelta del camino, reeditadas ahora en tres volúmenes por Tusquets en colaboración con Caro Raggio).
’Final del siglo XIX y principio del XX’ es el título del segundo apartado. En él se recogen los recuerdos del escritor de los artistas e intelectuales de comienzos del pasado siglo, una época especialmente brillante en España. Es la llamada generación del 98, a la que se unen intelectuales de la talla de Ortega y Gasset y otros grandes amigos como el doctor Marañón. Un tiempo de tertulias apasionadas en los cafés, comandadas por Valle-Inclán, Ortega o Gómez de la Serna, y a las que solía acudir esporádicamente Baroja. "Valle-Inclán, como se sentía en su tertulia como un dictador", escribe Baroja, "tenía, a veces, riñas desagradables. Recuerdo una vez que alguien propuso una expedición a Andalucía. De estas expediciones se proyectaban muchas y no se realizaba casi ninguna. Valle-Inclán dijo que había que hacer el viaje en invierno, y José Ignacio Alberti, granadino, observó que en muchos sitios de Andalucía era muy frío el invierno. Valle-Inclán le contestó desdeñosamente, y Alberti le dijo que no fuera ridículo. Valle le insultó; Alberti le contestó. Valle le tiró una botella a la cabeza. Alberti le tiró una copa. Se armó un escándalo furioso y Valle-Inclán apareció con la mano llena de sangre. Se había hecho una herida. ’A ver si queda manco del otro brazo’, dijo uno de la tertulia". Baroja ya se dedica exclusivamente al oficio de escritor. Es el tiempo de sus grandes trilogías: La lucha por la vida, La vida fantástica, El pasado y Agonías de nuestro tiempo, entre otras.
El tercer capítulo se titula ’Itzea. Tierra Vasca. El mar’. Don Pío ya es un escritor de renombre y pese a que vive en Madrid desea reencontrarse con sus raíces. Tras leer, en 1912, un anuncio en El Pueblo Vasco en el que se hablaba de la venta de un caserón en Vera de Bidasoa, decidió acercarse a verlo. Así lo cuenta en sus memorias: "Vi el caserón, que verdaderamente era una ruina sucia llena de rincones polvorientos, con cuartos con el suelo apolillado y el techo roto... A pesar del aspecto ruinoso del caserón y de que no tenía huerta, me decidí a comprarlo. Pensaba que en diez o doce años llegaría a arreglarlo y hacerlo habitable". Itzea es desde hace años un espléndido caserón. En esos años escribió sus cuatro novelas del mar y varias obras de ficción sobre temas vascos. Su franqueza le lleva a escribir sobre sus propias novelas frases como: "El mayorazgo de Labraz es una novela desigual, mal compuesta, pero que tiene un fondo de romanticismo y cierto color y movimiento", nada que ver con los ególatras habituales.
Memoria de Pío Baroja se adentra a continuación en ’La novela histórica: las memorias de un hombre de acción’. Entre 1913 y 1935 publicó 22 novelas en torno a la figura histórica de Eugenio de Avinareta, un conspirador liberal que participó en la guerra de la Independencia y en las guerras carlistas. Sus escrúpulos profesionales le llevaron a dedicar muchas horas y esfuerzos a recopilar información sobre un personaje poco conocido, lo que a su vez le permitió bucear en archivos sobre buena parte de la España del siglo XIX. Los expertos afirman que la serie de Avinareta es la única en la literatura española comparable a los Episodios nacionales, de Galdós.
La exposición, en su quinto apartado, recoge la relación del escritor con la República y la Guerra Civil. Perseguido y detenido por los dos bandos de la contienda, se exilia en París. Escribió sobre las guerras carlistas y, naturalmente, sobre la Guerra Civil española con la honradez que siempre le caracterizó. Un breve diálogo de su novela El cantor vagabundo, de 1950, puede resumir su opinión:
"-Usted no es más que un escéptico -dijo la maestra.
-Creo que es lo único decente que se puede ser en esta época. Abstenerse en la lucha. (...) Estas guerras son como las antiguas guerras de religión, con la misma ferocidad, la misma crueldad y la misma oquedad. Unos y otros creen que están haciendo algo nuevo y, sin embargo, todo es igual, siempre igual".
El último volumen de sus memorias, La Guerra Civil en la frontera, se publicó en 2005, más de 50 años después de haber sido escrito. Sus opiniones, lúcidas, sin duda discutibles, y, siempre, argumentadas eran demasiado sinceras, a juicio de su sobrino Julio Caro, lo que motivó el aplazar su publicación. Lo mismo ocurrió con su novela Miserias de la guerra, publicada por primera vez en este mismo año de 2006.
La última sección de la muestra lleva por título ’Desde la última vuelta del camino’, igual que el de sus memorias. Abarca desde su regreso a España en 1940 hasta su muerte, 16 años después. Un tiempo de silencios y villanías, como la publicación de Comunistas, masones y demás ralea, el volumen que sin su consentimiento y sin ningún escrúpulo editó aquel siervo iluminado que se llamó Giménez Caballero.
El eje central literario de este apartado es la redacción de los volúmenes de sus recuerdos. En lo vital, se centra básicamente en la tertulia que mantuvo en su casa madrileña de Ruiz de Alarcón, magistralmente narrada por Juan Benet en su libro Otoño en Madrid hacia 1950. La exposición concluye con las fotografías de su entierro en el cementerio civil de Madrid, decisión que asumió y llevó a cabo Julio Caro pues ésa había sido la voluntad de Pío Baroja, lo que motivó un gran escándalo en la España del nacionalcatolicismo. Las reseñas de la prensa sobre el entierro que se exhiben no son sino una muestra más del sectarismo periodístico de una España intolerante y mezquina.
Dejemos que, una vez más, sea el propio Baroja quien concluya: "Yo hubiera aceptado como lema: la verdad siempre, el sueño a veces. La verdad, como verdad base de la vida y de la ciencia; la fantasía y el sueño en su esfera. Este entusiasmo por lo verídico y la antipatía por el fraude constante terminan, a la larga, en la misantropía; el otro camino de la contemporización conduce a la hipocresía y a la vulgaridad. Para manejarse bien es necesario un fondo de malicia, de sindéresis y de energía. Yo no lo he sabido tener".
Sexo en Nueva York
La lista de Schindler
Con ocho basta
Eight Is Enough was an American television "dramedy" series which ran on ABC from March 15, 1977 until August 29, 1981. The show was modeled after syndicated newspaper columnist Tom Braden, a real-life father with eight children, who wrote a book with the same name. The series was rare in that it was one of the few hour-long television series to use a laugh track.It centered around a Sacramento, California family with eight children (from oldest to youngest: David, Mary, Joanie, Susan, Nancy, Elizabeth, Tommy, and Nicholas). The father Tom Bradford (Dick Van Patten) was a newspaper columnist for the fictional Sacramento Register. His wife Joan (Diana Hyland) took care of the children. Hyland was only in four episodes before falling ill; she was written out for the remainder of the first season. Hyland died only 12 days after the first episode aired, and the second season began in the fall of 1977 with the revelation that Tom had become a widower.
Tom fell in love with Sandra Sue "Abby" Abbott (played by Betty Buckley), a schoolteacher who came to the house to tutor one of his children. They were married in one of Eight Is Enough’s special TV-movie broadcasts in November 1977. These two-hour television events usually occurred during sweeps periods and routinely grabbed viewing figures as high as a forty television share.
In another TV-movie event in September 1979, two of the children (David and Susan) were married off in a special double wedding extravaganza. As the show went on, Abby got her Ph.D. in education and started a job counseling students at the local high school.
After the end of the show’s fifth season, production costs and declining ratings caused the show to be canceled, along with seven other shows that season (Eight Is Enough seemed to grab the most headlines, as the press had a field day with ABC’s choice to bring "eight shows in" and kick "eight shows out."). Reunion movies were broadcast in 1987 and 1989.
The series jumpstarted acting careers for a select few of the "eight" and cemented teen idol status for Grant Goodeve, who played David, Willie Aames, who played Tommy, and Ralph Macchio, who played cousin Jeremy later in the series. Aames would go on to star with Scott Baio in Charles in Charge. Goodeve started a minor singing career, due to his rendition of the theme "Eight Is Enough to Fill Our Lives With Love." Macchio would gain the most fame in feature films such as The Karate Kid and its sequels, as well as My Cousin Vinny.
Cast list
The ages of the children are given alongside their character names; these are their ages in the first episode in 1977.
Mark Hamill was originally cast as David Bradford. Hamill, having just completed Star Wars, felt that the movie was going to be a hit and wanted to focus on his film career. He did play David in the pilot, but Grant Goodeve played the character for the rest of the show’s run.
[edit] Core cast members
* Dick Van Patten - Tom Bradford
* Diana Hyland - Joan Bradford (Season 1)
* Betty Buckley - Sandra Sue "Abby" Abbott Bradford (Seasons 2-5)
* Mark Hamill - David Bradford (23) (pilot only)
* Grant Goodeve - David Bradford (23) (Seasons 1-5)
* Lani O’Grady - Mary Bradford (21)
* Laurie Walters - Joanie Bradford (20)
* Susan Richardson - Susan Bradford Stockwell (19)
* Dianne Kay - Nancy Bradford (18)
* Connie Needham - Elizabeth Bradford (15)
* Willie Aames - Tommy Bradford (14)
* Adam Rich - Nicholas Bradford (8)
[edit] Recurring cast members
* Brian Patrick Clarke - Merle "The Pearl" Stockwell (1979–1981)
* Jennifer Darling - Donna (1978–1981)
* Henderson Forsythe - Big Bud
* Michael Goodrow - Ernie Fields (1979–1981)
* James Karen - Eliot Randolph
* Ralph Macchio - Jeremy Andretti (1980–1981)
Daniele Liotti
Tra i giovani promettenti attori italiani, Daniele Liotti ha cominciato la carriera cinematografica nel ’95 con ’Bidoni’ di Felice Farina, raccogliendo poi nel ’96 un buon successo con il film ’Cresceranno i carciofi a Migongo’ di Fulvio Ottaviano con cui ha girato anche il successivo ’Abbiamo solo fatto l’amore’.Dopo ’Finalmente soli’ di Umberto Marino, ’Stressati’ di Mauro Cappelloni , arriva la tv (dove aveva debuttato nel ’95 con la miniserie ’Non parlo più’ di Vittorio Nevano). E’ nel ’98 il protagonista della ’Quindicesima epistola’ di Josè Maria Sanchez e di ’Tre addii’ di Mario Caiano.
Nel ’99 è con Luca Zingaretti, Lorenzo Crespi, Claudio Gioè e Leo Gullotta, protagonista della fiction drammatica di Claudio Fragasso "Operazione Odissea".
Alterna spesso impegni televisivi e cinematografici (’I giorni dell’amore e dell’odio’ e ’Streghe verso Nord’).
Ultimamente la sua carriera ha avuto una notevole impennata, soprattutto coi successi e la popolarità raggiunta in Spagna come protagonista del film "Juana La Loca" (Giovanna la Pazza) di Vincente Aranda, dove interpreta Filippo il Bello una figura negativa, un traditore; Sempre in Spagna con "Piedras" di Ramon Salazar, fa un’altra grande prova d’attore nei panni di un omosessuale.
Dopo questi ruoli arriva dall’Italia la proposta di interpretare un Santo, dimostrando una grande capacità di mutare ruoli e personaggi. "Sant’Antonio da Padova" è stata una una fiction di successo della Lux Vide e andata in onda su Canale 5 nei mesi scorsi.
Ralf König
Ralf König (born 8 August 1960 in Westönnen (today part of Werl/Westfalen, Germany) is one of the best known and most commercially successful German comic artists.Biography
After attending the German Hauptschule, König completed his apprenticeship as a joiner.
In 1979 he experienced his coming out as a gay man. From 1981–1986, he studied at the public Kunstakademie Düsseldorf with a major in free art. At the same time, he started to publish his comics. His first comic carried the title Schwul-Comix I (Gay-Comix I) and was publiched by the Verlag Rosa Winkel in Berlin.
After living in Soest, Dortmund and Berlin, he lives today in Cologne.
[edit] Work
In his works, König deals mostly with the everyday lives of gays in Germany and other gay themes. He draws in a cartoonish style.
At the beginning of his career he started to write short stories of only a few pages. In 1987 he wrote his first comic with a continuous story (Kondom des Grauens).
His stories are normally written with humor, but some deal with serious themes, for example the tension between having spontaneous sex and the risk of infection of AIDS. Most frequently, he deals with the gay daily routine, which is often based on his own personal experience. Many of his stories also contain an explicit depiction of gay sexual practices.
Ralf König’s works are mainly read by homosexuals, however some of his books (Der bewegte Mann, Wie die Karnickel) are very popular with heterosexual readers as well.
König’s comics are translated into many different languages.
Las cuatro caras de Dios
En Estados Unidos, Dios tiene cuatro caras, y cada una depende de la ideología política del creyente.
Según un estudio del Instituto de Estudios Religiosos de Texas, de la Universidad de Baylor, los estadounidenses tienen cuatro imágenes divinas: el Dios Autoritario, el Benevolente, el Crítico y el Distante.
El Dios Autoritario es el que está furioso por los pecados de la humanidad, vigila nuestros actos y está dispuesto a propinar feroces castigos por nuestras faltas.
Un 31% de los estadounidenses cree en este Dios y están convencidos que los huracanes, tsunamis y otras tragedias naturales son la manifestación de la furia divina por nuestras debilidades.
La gente que ve a Dios de esta manera son los más conservadores tanto religiosa como políticamente, y es probable que tengan menos educación y bajos ingresos.
En la acera de enfrente de este Dios Autoritario se encuentra el Dios Distante, un artífice sin rostro ni individualidad, una fuerza cósmica que nos ha creado, pero que no se inmiscuye en nuestras vidas.
Un 24% de los estadounidenses cree en este Dios que es el favorito de los liberales estadounidenses.
Impacto político
Otro Dios, el benevolente, favorecido por un 23% de los estadounidenses, es a la vez exigente y misericordioso, establece claros códigos morales, pero tiene una actitutd comprensiva hacia nuestras falencias.
Y por último hay un Dios Critico en el que cree un 16% de los estadounideses, un Dios que conoce todo, pero que no interviene ni para castigar ni para consolar.
Es interesante que de estas imágenes de Dios también depende la posición política respecto a problemas tan terrenales como la invasión de Irak, la pena de muerte o el matrimonio gay, indica el estudio.
Sobre Irak, el 63% de quienes abrazan a un Dios Autoritario ven justificada la guerra, en comparación con el 47% de lo que creen en un Dios Benevolente, 37% del Crítico y 29% del Distante.
Sólo 12% de quienes creen en un Dios Autoritario desean abolir la pena de muerte, con 27% de aquellos con un Dios Distante.
Como además nueve de cada 10 estadounidenses creen en Dios, el impacto político de esta percepción es notable.
"Si conozco tu imagen de Dios, puedo decir toda clase de cosas acerca de ti. Es una parte central de tu visión del mundo", dice Paul Froese, investigador de la Universidad de Baylor.
Parafraseando la Biblia, Dios no hizo al hombre a su semejanza, sino que el hombre hace a Dios a la suya.
New York Movie de Edward Hopper
Hopper, Edward (1882-1967). American painter, active mainly in New York.He trained under Robert Henri, 1900-06, and between 1906 and 1910 made three trips to Europe, though these had little influence on his style. Hopper exhibited at the Armoury Show in 1913, but from then until 1923 he abandoned painting, earning his living by commercial illustration. Thereafter, however, he gained widespread recognition as a central exponent of American Scene painting, expressing the loneliness, vacuity, and stagnation of town life. Yet Hopper remained always an individualist: `I don’t think I ever tried to paint the American scene; I’m trying to paint myself.’
Paintings such as Nighthawks (Art Institute of Chicago, 1942) convey a mood of loneliness and desolation by their emptiness or by the presence of anonymous, non-communicating figures. But of this picture Hopper said: `I didn’t see it as particularly lonely... Unconsciously, probably, I was painting the loneliness of a large city.’ Deliberately so or not, in his still, reserved, and blandly handled paintings Hopper often exerts a powerful psychological impact -- distantly akin to that made by the Metaphysical painter de Chirico; but while de Chirico’s effect was obtained by making the unreal seem real, Hopper’s was rooted in the presentation of the familiar and concrete.
Edward Hopper painted American landscapes and cityscapes with a disturbing truth, expressing the world around him as a chilling, alienating, and often vacuous place. Everybody in a Hopper picture appears terribly alone. Hopper soon gained a widespread reputation as the artist who gave visual form to the loneliness and boredom of life in the big city. This was something new in art, perhaps an expression of the sense of human hopelessness that characterized the Great Depression of the 1930s.
Edward Hopper has something of the lonely gravity peculiar to Thomas Eakins, a courageous fidelity to life as he feels it to be. He also shares Winslow Homer’s power to recall the feel of things. For Hopper, this feel is insistently low-key and ruminative. He shows the modern world unflinchingly; even its gaieties are gently mournful, echoing the disillusionment that swept across the country after the start of the Great Depression in 1929. Cape Cod Evening (1939; 77 x 102 cm (30 1/4 x 40 in)) should be idyllic, and in a way it is. The couple enjoy the evening sunshine outside their home, yet they are a couple only technically and the enjoyment is wholly passive as both are isolated and introspective in their reveries. Their house is closed to intimacy, the door firmly shut and the windows covered. The dog is the only alert creature, but even it turns away from the house. The thick, sinister trees tap on the window panes, but there will be no answer.
L'AMOUR EST BLEU
Doux, doux, l’amour est doux
Douce est ma vie, ma vie dans tes bras
Doux, doux, l’amour est doux
Douce est ma vie, ma vie près de toi
Bleu, bleu, l’amour est bleu
Berce mon cœur, mon cœur amoureux
Bleu, bleu, l’amour est bleu
Bleu comme le ciel qui joue dans tes yeux
Comme l’eau, comme l’eau qui court
Moi, mon cœur court après ton amour
Gris, gris, l’amour est gris
Pleure mon cœur lorsque tu t’en vas
Gris, gris, le ciel est gris
Tombe la pluie quand tu n’es plus là
Le vent, le vent gémit
Pleure le vent lorsque tu t’en vas
Le vent, le vent maudit
Pleure mon cœur quand tu n’es plus là
Comme l’eau, comme l’eau qui court
Moi, mon cœur, court après ton amour
Bleu, bleu, l’amour est bleu
Le ciel est bleu lorsque tu reviens
Bleu, bleu, l’amour est bleu
L’amour est bleu quand tu prends ma main
Fou, fou, l’amour est fou
Fou comme toi et fou comme moi
Bleu, bleu, l’amour est bleu
L’amour est bleu quand je suis à toi
L’amour est bleu quand je suis à toi
Album : Why Say Goodbye
(Paroles : Pierre Cour / Musique : André Popp, 1967)
Michèle Torr (France)
Vicky Leandros
Vacaciones en el mar
Feliz Navidad en distintos idiomas
Si desea felicitar las fiestas Navideñas a clientes y amigos de otros países, aqui le damos una pequeña lista en varios idiomas:
África:Geseende Kerfees en ’n gelukkige nuwe jaar.
Albania: Gëzuar Krishlindjet Vitin e Ri!.
Alemania: Fröhliche Weihnachten.
Armenia: Shenoraavor Nor Dari yev Pari Gaghand.
Asturias: Bones Navidaes & Gayoleru anu nuevu!.
Bélgica: Zalige Kertfeest.
Brasil: Feliz Natal.
Bulgaria: Tchestito Rojdestvo Hristovo, Tchestita Koleda.
Cataluña: Bon Nadal i un Bon Any Nou.
China: Sheng Tan Kuai Loh (mandarín) Gun Tso Sun Tan’Gung Haw Sun(cantonés).
Corea: Sung Tan Chuk Ha.
Croacia: Sretan Bozic.
Dinamarca: Glaedelig Jul.
Egipto: Colo sana wintom tiebeen.
Eslovenia: Srecen Bozic.
Esperanto: Gajan Kristnaskon & Bonan Novjaron
Hispanoamérica: Felices Pascuas, Feliz Navidad.
Estados Unidos de América (y países de habla inglesa): Merry Christmas - Happy New Year.
Hebreo: Mo’adim Lesimkha.
Inglaterra (también para países de habla inglesa): Happy Christmas.
Finlandia: Hauskaa Joulua.
Francia: Joyeux Noel.
Gales: Nadolig Llawen.
Galicia: Bo Nadal e Bo Ani Novo.
Gaélico: Nollaig Chridheil Agus Bliadhna Mhath ùr.
Grecia: Eftihismena Christougenna.
Holanda: Hartelijke Kerstroeten.
Hebreo: Mo’adim Lesimkha.
Hungria: Kellemes karácsonyi ünnepeket és Boldog újévet!.
Indonesia: Selamat Hari Natal & Selamat Tahun Baru.
Iraq: Idah Saidan Wa Sanah Jadidah.
Irlanda: Nodlig mhaith chugnat.
Italia: Buon Natale.
Japón: Shinnen Omedeto.
Latín: Pax hominibus bonae voluntatis.
Lituania: Linksmu Kaledu ir laimingu Nauju metu.
Luxemburgo: Schéi Krëschtdeeg an e Schéint Néi Joer.
Malasia: Selamat Hari Natal dan Tahun Baru.
México ( y países latino americanos): Feliz Navidad, Felices Pascuas.
Noruega: Gledelig Jul.
Nueva Zelanda (en Maorí): Meri Kirihimete.
País Vasco: Zorionak eta Urte Berri On!.
Países Árabes: I’D Miilad Said ous Sana Saida.
Polonia: Boze Narodzenie.
Portugal: Boas Festas.
Rumania: Sarbatori vesele.
Rusia: Hristos Razdajetsja.
Serbia: Hristos se rodi.
Somalia: Ciid wanaagsan iyo sanad cusub oo fiican.
Suecia: God Jul.
Tahiti: Ia ora i te Noere e ia ora na i te matahiti ’api.
Tailandia: Sawadee Pee mai.
Turquía: Noeliniz Ve Yeni Yiliniz Kutlu Olsun.
Ucrania: Srozhdestvom Kristovym.
Valencia: Bon Nadal i millor any nou.
Vietnam: Chung Mung Giang Sinh.
Tom de Finlandia
TOM OF FINLAND was born Touko Laaksonen in 1920 in the village of Kaarina, Finland. At the age of nineteen, he moved to Helsinki to attend art college and, for his own personal enjoyment, created his first homoerotic drawings.Following his release from the army after World War II, Touko began to work in advertising. He continued to draw his fantasies and, urged by close friends, submitted them to the American bodybuilding magazine Physique Pictorial. Because of the conservative social climate in 1957, he chose to be published under the pseudonym "Tom of Finland."
His images were an immediate success, followed by the publication of numerous booklets and anthologies, and since 1973, his work has been exhibited in museums and galleries worldwide.
With his friend Durk Dehner, he founded the Tom of Finland Company in 1979; the Tom of Finland Foundation was formed five years later as a non-profit educational archive to preserve, restore, and exhibit erotic art.
In 1991, he was featured in the film documentary Daddy and the Muscle Academy - The Art, Life, and Times of Tom of Finland. Later that year, he died of complications from emphysema.
¿Qué fue de Baby Jane?
Rafael de León
Rafael de León y Arias de Saavedra, nació un jueves 6 de febrero
del bisiesto 1908 en Sevilla, la actual capital de la región de
Andalucía (España), en la misma calle en donde casi 34 años antes
nació el conocido poeta Manuel Machado. Era el primogénito de
la pareja formada por José de León y Manjón y de María Justa
Arias de Saavedra y Pérez de Vargas, condes de Gómara. A los
pocos días de su nacimiento fue bautizado en la iglesia de la
Magdalena, y le fueron impuestos los nombres de Rafael María,
José, Jerónimo, Doroteo, Alberto, Melchor. Entre los vástagos
de familias de la nobleza y la alta burguesía, era muy corriente
atiborrarles de una larga retahíla de nombres que llegaba hasta
lo ridículo.
El año 1916 ingresa Rafael de León en el internado del colegio
jesuita "San Luis Gonzaga" del Puerto de Santa María (Cádiz),
pueblo natal del conocido poeta Rafael Alberti, con el que,
por ser casi coetáneos coinciden en dicho colegio: Años antes,
había pasado por allí el alumno Juan Ramón Jiménez, otro
insigne poeta andaluz.
Años más tarde, estudiaría en otros colegios privados de
órdenes religiosas en las localidades andaluzas del Palo
de Málaga y de Utrera (Sevilla). En el año 1926 inicia
en la universidad de Granada, los estudios de la carrera
de Derecho. Allí llegó a conocer a otro insigne poeta:
Federico García Lorca, con quien entabla una buena amistad.
Tiene Rafael, -a decir de algunos de sus estudiosos-, una
impregnación del estilo poético de García Lorca que se
rezuma a través de toda su obra.
En el año 1931 con la caída de la monarquía, se instala en
España la II República, y el joven Rafael no parece que la
recibe con hostilidad, a pesar de su procedencia de linajes
propicios a la monarquia. Lo que sí quedó claro y se trasluce
a través de su obra poética, la distancia crítica con la que
observa al mundillo de la nobleza. Se cuenta de él -aunque
no está bien confirmado- que llegó a escribir un himno a la
República.
No se conoció que Rafael ejerciera trabajo alguno relacionado
con sus estudios universitarios, pues se dedicó a vivir de las
holgadas rentas paternas, gastando sus dineros en asistir a
los cafés cantantes y teatros de variedades de Sevilla. En
estos ambientes se sentía Rafael "como pez en el agua" y allí
fue haciendo amistades, participando del ambiente liberal y
permisivo que concedía el nuevo régimen republicano. En esos
ambientes fue donde conoció y colaboró con el letrista Antonio
García Padilla, alias "Kola", -padre de la conocidísima actriz
y cantante Carmen Sevilla-, y de aquella relación surgieron
algunas canciones conocidas. Como letrista, "Kola" no llegaba
ni con mucho a la depurada calidad de Rafael; pero éste, aceptó
de buen grado el ser colaboradores en la firma de canciones, ya
que de esa manera se le facilitaba la entrada, por la puerta
grande, en ese mundillo hostil para un aristócrata, de la creación
artística en los cabarets y salas de moda. Situación muy paralela
a la que años más tarde repetiría con el autor teatral Antonio
Quintero; y con los letristas Xandro Valerio y Ochaíta; los
cuales co-firmaron muchas letras de canciones y algunas poesías
con Rafael de León. No es el mismo caso de otro que firmó canciones
con él; ya que se trata de Salvador Valverde, un poeta de calidad
nacido en Buenos Aires en el 1895 y muerto en esa misma capital
en el 1975.
Por aquella época, estando cumpliendo el servicio militar en un
regimiento de Sevilla, conoció a Conchita Piquer cuando actuaba en
el Teatro Lope de Vega. Esta conocida canzonetista de la canción
andaluza/española, puso voz a muchas de sus mejores creaciones de
letras para la canción.
Al año siguiente, 1932, Rafael se traslada a Madrid bajo la
influencia del gran músico sevillano Manuel Quiroga, que junto
con el autor teatral Antonio Quintero, llegaría a formar el
prolífico trío "Quintero, León y Quiroga" con el que tienen
registradas más de cinco mil canciones. Al producirse la guerra
civil española, Rafael de León se encontraba en Barcelona; allí
es encarcelado, como tantos otros del mundo de la farándula,
toreros, cantantes, etc. acusado de monárquico o derechista.
Y allí en la cárcel, quizás para hacer valer su condición de
neutral o tal vez de simpatizante de la causa republicana;
quizás por estricto sentido de la verdad, declara tener una
buena amistad con destacados poetas republicanos como León
Felipe; Federico García Lorca y Antonio Machado. Llegan luego
los años de posguerra en los que Rafael continúa contactando
con el universo de las varietés, que alimentados por los
típicos aires de aquella dictadura, de nacionalismo a ultranza
y bloqueo internacional, se prestan a la creación de un género
muy influenciado del tipismo andaluz y que dio en llamarse
"folklore español". El régimen dictatorial acogió de mil
amores este género que ensalzaba con arte y exageración todo
lo español. Es de aquella época triste y gris para la mayoría
de los españoles, cuando nuestro poeta-letrista empieza a
colaborar con los guiones de una cinematografía ramplona e
impregnada también de un excesivo realzamiento del españolismo
que tanto gustaba a la España oficial. Es de aquella época
también, que bajo la influencia del concepto "hispanidad" se
abrieron las fronteras españolas a las músicas que venían de
los países hermanos de América. Y así llegaron los boleros y
los tangos, muy bien acompañados de los valses peruanos, los
sones cubanos y las rancheras y corridos mexicanos, que
engancharon con facilidad en los gustos musicales españoles
por tratarse de una cultura común. Así se vivió hasta que,
por culpa del aperturismo empezaron a verse invadidas las
emisoras de radio de unos ritmos extranjeros que nos llegaban
desde Estados Unidos, país que acababa de descubrir la dictadura
y la abrazaba sin muchos ascos gracias al incalculable regalo
que le hacía el régimen franquista para que se adueñaran de un
puñado de territorios estratégicos donde asentar sus bases
militares. A partir de la década de los sesenta, cae la barrera
del aislamiento cultural y muchos jóvenes antifranquistas junto
a la progresía izquierdista, en actitud militante comienzan a
despreciar ostensiblemente casi toda la música española e
hispanoamericana y con ella el conocido estilo de la copla
y de la canción andaluza que tan bien había representado el
sello "Quintero, León & Quiroga". A partir de esa época,
vienen unos años bajos para la obra de canciones y poesías
de nuestro gran poeta Rafael de León, el cual un jueves
madrileño frío y gris (9-12-82), muere nuestro insigne poeta
en el más cruel olvido sin ni siquiera haberse llevado en
vida la satisfacción de un merecido homenaje de cariño y
agradecimiento a toda su importante y prolífica obra poética.
* * *
Rafael de León pertenece por derecho propio a la denominada
"Generación del 27" de los poetas españoles, aunque un
incomprensible olvido ha hecho que nunca figure en esa nómina.
De ningún poeta español de este siglo que acaba, han sido tan
recitadas sus poesías y tan cantadas las letras de sus canciones,
pero incomprensiblemente sigue siendo el gran ausente al hacer
recuentos dentro del ámbito de la cultura popular española de
posguerra. La obra poética de Rafael de León, queda dividida
en esos dos grandes apartados: poesías propiamente dichas, y
letras para canciones. En muchos casos unas y otras tienen
un inconfundible parentesco por derivar, alimentarse o
inspirarse las unas de las otras, o viceversa. En casi toda
su obra, inspirada en ambientes muy típicos de Andalucía,
queda reflejado el gracejo popular andaluz, indicado por las
palabras en cursiva, para mejor entender que no pertenecen
al correcto lenguaje español. Su primer libro de poesías
«Pena y alegría del amor» aparece publicado en 1941. Un
segundo libro titulado «Jardín de papel» aparece el año 1943.
Del mismo año se relata que aparece editado en Chile un tercer
libro titulado «Amor de cuando en cuando», pero al no tener
certeza en España de su autenticidad, hay quien sospecha que
se trata de una de tantas ediciones piratas que ha sufrido
la obra de Rafael de León. De las colaboraciones del poeta
a la hora de firmar su obras hemos de reseñar lo siguiente:
En colaboración con Antonio Quintero, las poesías «Profecía»;
"Romance de la serrana loca" y miles de letras de canciones que
haría inacabable esta biografía. En colaboración con Antonio
García Padilla "Kola", las letras de las canciones: "Coplas";
"Arturo"; "Cinelandia"; "Cine sonoro"; "La Rajadesa";
"La deseada"; "Manolo Reyes"; "Siempre Sevilla"; ...
En colaboración con el argentino Salvador Valverde, el
conocidísimo cuplé "Bajo los puentes del Sena" escrito para
ser estrenado por la cupletista Raquel Meyer; y las también
conocidísimas "¡Ay, Maricruz!"; "María de la O"; "Triniá";
y la inolvidable "Ojos Verdes"; entre otras. En colaboración
con Ochaíta, la letra de la conocida canción: "Eugenia de
Montijo"; y algunas pocas más. En colaboración con el poeta
Xandro Valerio, las letras de las más conocidas canciones:
"Tatuaje" y "La Parrala".
Hacia el final de su dilatada carrera de letrista, escribió
para los cantantes Nino Bravo, Raphael y Rocío Dúrcal; y una
de sus letras ganó el primer premio del Festival de la Canción
de Benidorm, el año 1965 bajo el título de "La luna de Benidorm".
Casi todas sus letras fueron musicadas por el prolífico compositor
Manuel Quiroga, pero otras letras fueron musicadas por Juan Solano;
Augusto Algueró y Manuel Alejandro.
El estilo de estrofa poética más abundantemente empleado es el
del romance octosílabo; pero en algunas otras se pueden encontrar
estrofas de seguidilla, soleá, copla, romancillo, redondilla, y
más raramente el soneto y la lira. Aunque tiene algunas poesías
con versos alejandrinos y rima blanca (sin rima), su obra es en
general una rima de alta sonoridad ya que incluso en muchos de
sus romances introduce la rima consonante. Del conjunto de la
obra de Rafael de León, en esta página va la parte menos conocida
pero de igual o mayor valía que las letras de canciones, en cuanto
a la calidad, no así, claro está, en cuanto a la cantidad, que
le ganan por varios miles las canciones a las poesías. Junto a
algunas de sus poesías más recitadas y conocidas por todos,
hemos rescatado de algún cajón olvidado y tal vez cubiertas
de polvo, otras poesías de parecida belleza que
incomplensiblemente no han tenido tanto eco.
http://www.antonioburgos.com/enlaces/varios/leon.html
? para 007 contra el Doctor No
Fue totalmente accidental. En principio iba a lucir un bañador. Pero al salir del agua, el bañador se pegaba demasiado a su cuerpo. Asi que entre el director Terence Young y ella , decidieron cortarlo. Fue la propia Ursula Andress la que se confeccionó este ya famoso bikini con ese cinturón. Bikini que se vendió en el 2001 por ¡21 millones de pesetas!Ana de las tejas verdes
It Never Rains In Southern California
Got on a board a west bound 747
Didn’t think before deciding what to do
All that talk of opportunities, TV breaks and movies
Rang true, sure rang true.
Seems it never rains in Southern California
Seems I’ve often heard that kind of talk before
It never rains in California
But girl, don’t they warn ya
It pours man it pours.
Out of work, I’m out of my head
Out of self respect I’m out of bread
I’m under loved I’m under fed
I wanna go home
It never rains in California
But girl don’t they warn ya, it pours, man it pours.
Will you tell the folks back home I nearly made it
Had offers but don’t know which one to take
Please don’t tell them how you found me
Don’t tell them how you found me give me a break
Give me a break
Seems it never rains in Southern California
Seems I’ve often heard that kind of talk before
It never rains in California
But girl, don’t they warn ya
It pours man it pours
Las chicas de oro
WILHELM von GLOEDEN
El Barón Wilhelm Von Gloeden nació el 16 de Septiembre de 1856 cerca de Wismar una ciudad en el mar Báltico, en Alemania. Lo educaron como a un noble, refinado e instruido. En su juventud, sufriendo problemas de salud, se vio obligado a buscar climas más cálidos. Su educación clásica lo llevó a Italia, asentándose en Taormina, una ciudad de la costa nororiental de Sicilia en 1897. Lo acompañó su hermana y compañera de por vida, Sofía Raab. De Taormina viajó a menudo a través de Italia y en Nápoles visitaría a su primo, Wilhelm Von Pluschow, fotógrafo comercial que enseñó a Von Gloeden las técnicas fotográficas.
En 1889, cuando se interrumpió la llegada de dinero familiar, el interés de Von Gloeden en la fotografía y el propicio regalo de una cámara fotográfica lo condujo a comenzar su carrera como fotógrafo. Comenzó vendiendo postales que mostraban los paisajes y los monumentos de Sicilia y de sus gentes, pero después de poco tiempo su trabajo con los jóvenes de Taormina se convirtió en el producto principal de su estudio. La actitud de los aldeanos hacia la homosexualidad abierta de Von Gloeden fue atemperada por su "generosidad" y por el dinero que pagaba a sus modelos.
Comenzó a fotografiar desnudos masculinos a comienzo de la década de 1890. Colaboró inicialmente con su primo, Von Pluschow, con quien compartía a menudo modelos y apoyos. Los desnudos de Von Gloeden fueron, desde un principio, muy apreciados. La sugerencia de lugares antiguos, del uso de elementos y de composiciones clásicas ayudaban a desviar o a disminuir su impacto sexual.
Muchas de los grandes hombres y mujeres del fin de siécle visitaron al barón en Taormina: Eleanora Duse, Anatole France, Eduardo VII, Richard Strauss y Oscar Wilde, entre otros. Como ciudadanos alemanes, Von Gloeden y a su hermana fueron forzaron a dejar Taormina al comienzo de la primera Guerra Mundial. El estudio y los negativos de su trabajo fue dejado al cuidado de modelos y de amigos hasta su regreso en 1917.
Durante 1929 se formó una alianza entre los gobiernos fascista del Vaticano y de Italia. Von Gloeden nunca pensó que esta alianza sería más tarde responsable de la destrucción del trabajo de toda su vida.
El 16 de febrero de 1931, apenas tres meses después de la muerte de su hermana Sofía, el barón Wilhelm Von Gloeden murió. Pancrazio Bucini, - "El moro" - antiguo amante y modelo, se transformó en el depositario de la obra del barón, estimada en tres mil negativos.
En 1933 se produce una primera confiscación del parte del material fotográfico de Gloeden por la policía fascista quien destruye 1.000 placas de vidrio y 2.000 copias.
Según la política imperante impuesta por la alianza Bucini fue acusado, en 1936, de "guardar pornografía" y una incursión fascista en el archivo de Von Gloeden destruyó o dañó más de la mitad de sus negativos; los que se salvaron fueron confiscados por el gobierno. Un juicio posterior absolvió de los cargos de pornografía a Bucini pero los negativos no fueron devueltos hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Para entonces solamente algunos cientos seguían intactos. Las doctrinas represivas de la iglesia continuaron declarando inmoral el trabajo de Von Gloeden hasta los últimos años 60 y los primeros años 70, cuando una nueva apreciación de la fotografía y una disminución de la influencia vaticana, conllevó un redescubrimiento de su trabajo
ELIGEN LAS 100 MEJORES FRASES DEL CINE NORTEAMERICANO
Las palabras con las que Rhett Butler (Clark Gable) le dijo adiós a Scarlett O’Hara (Vivien Leigh) en el final de Lo Que el Viento se Llevó lideró el ranking de las 100 Mejores Frases del cine estadounidense, elaborado por el American Film Institute (AFI). "Francamente, querida, me importa un bledo", le dice el galán a la heroína que le declaraba su amor.
La selección fue votada por 1.500 personas (actores, escritores, directores, historiadores y críticos), que colocaron las líneas dichas por personajes de Marlon Brando -de El Padrino y Nido de Ratas- en el segundo y tercer lugar de la lista. Judy Garland con su personaje de Dorothy Gale en El mago de Oz se ubicó cuarta y quinto fue Humphrey Bogart con un diálogo de Casablanca.
El resto del top ten quedó así:6. "Dale, házmela fácil", Clint Eastwood en Impacto Fulminante.7. "Bien, Sr. DeMille, Estoy lista para mi close-up", Gloria Swanson en El Crepúsculo de los Dioses.8. "Que la Fuerza te acompañe", Harrison Ford en Star Wars.9. "Abróchense los cinturones. Va a ser una noche con turbulencias", Bette Davis en La Malvada.10. "¿Me estás hablando a mí?", Robert De Niro en Taxi Driver.
Entre el centenar de frases la película Casablanca tuvo más menciones, con seis frases (entre ellas "Siempre tendremos París". La elección más antigua fue dicha en 1927 por Al Jolson: "Esperen un minuto. Aún no han escuchado nada", en El Cantante de Jazz (N° 71). Y la más nueva fue "Mi tesoro" (85), palabras de 2002 de Gollum en El Señor de los Anillos: Las Dos Torres).
Estas son las 100 frases:
1. Frankly, my dear, I don’t give a damn. Gone With the Wind, 1939
2. I’m going to make him an offer he can’t refuse. The Godfather, 1972
3. You don’t understand! I coulda had class. I coulda been a contender. I could’ve been somebody, instead of a bum, which is what I am. On the Waterfront, 1954
4. Toto, I’ve got a feeling we’re not in Kansas anymore. The Wizard of Oz, 1939
5. Here’s looking at you, kid. Casablanca, 1942
6. Go ahead, make my day. Sudden Impact, 1983
7. All right, Mr. DeMille, I’m ready for my close-up. Sunset Blvd., 1950
8. May the Force be with you. Star Wars, 1977
9. Fasten your seatbelts. It’s going to be a bumpy night. All About Eve, 1950
10. You talking to me? Taxi Driver, 1976
11. What we’ve got here is failure to communicate. Cool Hand Luke, 1967
12. I love the smell of napalm in the morning. Apocalypse Now, 1979
13. Love means never having to say you’re sorry. Love Story, 1970
14. The stuff that dreams are made of. The Maltese Falcon, 1941
15. E.T. phone home. E.T. the Extra Terrestrial, 1982
16. They call me Mister Tibbs! In the Heat of the Night, 1967
17. Rosebud. Citizen Kane, 1941
18. Made it, Ma! Top of the world! White Heat, 1949
19. I’m as mad as hell, and I’m not going to take this anymore! Network, 1976
20. Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship. Casablanca, 1942
21. A census taker once tried to test me. I ate his liver with some fava beans and a nice Chianti. The Silence of the Lambs, 1991
22. Bond. James Bond. Dr. No, 1962
23. There’s no place like home. The Wizard of Oz, 1939
24. I am big! It’s the pictures that got small. Sunset Blvd., 1950
25. Show me the money! Jerry Maguire, 1996
26. Why don’t you come up sometime and see me? She Done Him Wrong, 1933
27. I’m walking here! I’m walking here! MIdnight Cowboy, 1969
28. Play it, Sam. Play ’As Time Goes By.’ Casablanca, 1942
29. You can’t handle the truth! A Few Good Men, 1992
30. I want to be alone. Grand Hotel, 193231. After all, tomorrow is another day! Gone With the Wind, 1939
32. Round up the usual suspects. Casablanca, 1942
33. I’ll have what she’s having. When Harry Met Sally, 1989
34. You know how to whistle, don’t you, Steve? You just put your lips together and blow. To Have and to Have Not, 1944
35. You’re gonna need a bigger boat. Jaws, 1975
36. Badges? We ain’t got no badges! We don’t need no badges! I don’t have to show you any stinking badges! The Treasure of the Sierra Madre, 1948
37. I’ll be back. The Terminator, 1984
38. Today, I consider myself the luckiest man on the face of the earth. The Pride of the Yankees, 1942
39. If you build it, he will come. Field of Dreams, 1989
40. Mama always said life was like a box of chocolates. You never know what you’re gonna get. Forrest Gump, 1994
41. We rob banks. Bonnie and Clyde, 1967
42. Plastics. The Graduate, 1967
43. We’ll always have Paris. Casablanca, 1942
44. I see dead people. The Sixth Sense, 1999
45. Stella! Hey, Stella! A Streetcar Named Desire, 1951
46. Oh, Jerry, don’t let’s ask for the moon. We have the stars. Now, Voyager, 1942
47. Shane. Shane. Come back! Shane, 1953
48. Well, nobody’s perfect. Some Like It Hot, 1959
49. It’s alive! It’s alive! Frankenstein, 1931
50. Houston, we have a problem. Apollo 13, 1995
51. You’ve got to ask yourself one question: ’Do I feel lucky?’ Well, do ya, punk? Dirty Harry, 1971
52. You had me at "hello." Jerry Maguire, 1996
53. One morning I shot an elephant in my pajamas. How he got in my pajamas, I don’t know. Animal Crackers, 1930
54. There’s no crying in baseball! A League of Their Own, 1992
55. La-dee-da, la-dee-da. Annie Hall, 1977
56. A boy’s best friend is his mother. Psycho, 1960
57. Greed, for lack of a better word, is good. Wall Street, 1987
58. Keep your friends close, but your enemies closer. The Godfather II, 1974
59. As God is my witness, I’ll never be hungry again. Gone with the Wind, 1939
60. Well, here’s another nice mess you’ve gotten me into! Sons of the Desert, 1933
61. Say "hello" to my little friend! Scarface, 1983
62. What a dump. Beyond the Forest, 1949
63. Mrs. Robinson, you’re trying to seduce me. Aren’t you? The Graduate, 1967
64. Gentlemen, you can’t fight in here! This is the War Room! Dr. Strangelove, 1964
65. Elementary, my dear Watson. The Adventures of Sherlock Holmes,1929
66. Get your stinking paws off me, you damned dirty ape. Planet of the Apes, 1968
67. Of all the gin joints in all the towns in all the world, she walks into mine. Casablanca, 1942
68. Here’s Johnny! The Shining, 1980
69. They’re here! Poltergeist, 1982
70. Is it safe? Marathon Man, 1976
71. Wait a minute, wait a minute. You ain’t heard nothin’ yet! The Jazz Singer, 1927
72. No wire hangers, ever! Mommie Dearest, 1981
73. Mother of mercy, is this the end of Rico? Little Caesar, 1930
74. Forget it, Jake, it’s Chinatown. Chinatown,1974
75. I have always depended on the kindness of strangers. A Streetcar Named Desire, 1951
76. Hasta la vista, baby. Terminator 2: Judgement Day, 1991
77. Soylent Green is people! Soylent Green, 1973
78. Open the pod bay doors, HAL. 2001: A Space Odyssey, 1968
79. Striker: Surely you can’t be serious. Rumack: I am serious...and don’t call me Shirley. Airplane!, 1980
80. Yo, Adrian! Rocky, 1976
81. Hello, gorgeous. Funny Girl, 1968
82. Toga! Toga! National Lampoon’s Animal House, 1978
83. Listen to them. Children of the night. What music they make. Dracula, 1931
84. Oh, no, it wasn’t the airplanes. It was Beauty killed the Beast. King Kong, 1933
85. My precious. The Lord of the Rings: Two Towers, 2002
86. Attica! Attica! Dog Day Afternoon, 1975
87. Sawyer, you’re going out a youngster, but you’ve got to come back a star! 42nd Street, 1933
88. Listen to me, mister. You’re my knight in shining armor. Don’t you forget it. You’re going to get back on that horse, and I’m going to be right behind you, holding on tight, and away we’re gonna go, go, go! On Golden Pond,1981
89. Tell ’em to go out there with all they got and win just one for the Gipper. Knute RockneAll American, 1940
90. A martini. Shaken, not stirred. Goldfinger, 1964
91. Who’s on first. The Naughty Nineties,1945
92. Cinderella story. Outta nowhere. A former greenskeeper, now, about to become the Masters champion. It looks like a mirac...It’s in the hole! It’s in the hole! It’s in the hole! Caddyshack, 1980
93. Life is a banquet, and most poor suckers are starving to death! Auntie Mame, 1958
94. I feel the need ? the need for speed! Top Gun,1986
95. Carpe diem. Seize the day, boys. Make your lives extraordinary. Dead Poets Society,1989
96. Snap out of it! Moonstruck, 1987
97. My mother thanks you. My father thanks you. My sister thanks you. And I thank you. Yankee Doodle Dandy, 1942
98. Nobody puts Baby in a corner. Dirty Dancing, 1987
99. I’ll get you, my pretty, and your little dog, too! The Wizard of Oz, 1939
100 I’m king of the world! Titanic, 1997.
Prison break
Purita Campos
Purita Campos nació en Sarriá (Barcelona). Estudió en un colegio de monjas y cosa curiosa es que solía tener malas notas en dibujo, pero en casa copiaba ilustraciones de Emilio Freixas, su ídolo.A los 13 años estudió en una sucursal de lonja. Aunque le faltaba un año para poder ingresar, asistió al curso sin matricularse. Estudió allí 7 años.
Trabajó algunos años creando modelos y colaboró en revistas como “Carnet Elegante” y “Dames de France”.
Unos años después al conocer a Manuel Vázquez un afamado dibujante español, le presentó a la editorial Bruguera, sus dibujos fueron conocidos por editoriales inglesas y empezó a dibujar algunas ilustraciones de la misma temática, chico y chica se enamoran, pelea y reconciliación.
Aprovechando un contrato una agencia de publicidad en Bruselas, trabajó en ese campo. Seguidamente se trasladó a Inglaterra haciendo ilustraciones de la temática de siempre.
Tiempo después conoció a Philip Douglas, uno de los mejores guionistas ingleses y ella empezó a ilustrar Patty’s World (Esther y su mundo). Purita se sintió inmediatamente identificada con el personaje, le recordaba a ella misma en su niñez.
Este personaje resultó un gran éxito, y se publicó más de 10 años en toda Europa. A raíz de este personaje la revista holandesa Tina le encargó el personaje estelar (Historia de una modelo con ese nombre), el guión esta a cargo de Andreis Brandt. Ilustró otros personajes: Gina con guión de Frank Elliot, también la revista Jana, Heidi, Cenicienta con tacones altos, Tulipanes de Broadway, Jeff (publicado en la revista inglesa Valentina).
Joanne Woodward en Mr and Mrs Bridge
Los pájaros
Manuel Vicent
Joey Stephano
Joey Stefano (January 1, 1968 - November 26, 1994) was an American pornographic actor (porn star) who appeared in gay adult films. He was popular in the late 1980s and early 1990s. His real name was Nicholas Anthony Iacona, Jr.
Nick Iacona grew up in suburban Philadelphia (Chester, Pennsylvania). His father died when he was 15. After several years of prostitution and drug use in New York City, Iacona moved to Los Angeles and enjoyed a meteoric rise to stardom in gay pornography. A notable reason for his popularity, besides his smoldering good looks, was his early mastery of the "hungry bottom" (sexually submissive but verbally demanding) persona.
He was HIV+ (positive) in the latter part of his film career, allegedly because he was hustling when he couldn’t find porn work.
His image and success caught the attention of Madonna, who used him as a model in her 1992 book Sex.
During his lifetime, he was the subject of rumors (some of them spread by himself) regarding his relationships with prominent entertainment industry figures who were known to be gay. At a May 1990 dinner and interview with Jess Cagle (People Magazine) and Rick X (Manhattan Cable TV’s "The Closet Case Show"), hosted by Chip Duckett at the NYC restaurant Florent, which was also attended by Michael Musto (Village Voice) and Robin Byrd, Stefano discussed a "date" he had with David Geffen. After the interview appeared on Rick X’s show, OutWeek Magazine "outed" Geffen, who went on to proudly announce his gayness at an AIDS fundraiser. The interview can be viewed at Rickx.com [[1]].
Iacona died of an overdose of cocaine, morphine, heroin and ketamine at age 26. His body was shipped back to Pennsylvania and he was buried next to his father.
Charles Isherwood, in his 1996 biography Wonder Bread and Ecstasy (Alyson Publications), alleges that Stefano was molested as a child.
* All About Last Night
* All Boy Orgy
* Ball Gravy (Vivid Man)
* Ball Toss (Vivid Man)
* Berlin Army Nights
* The Best of Joey Stefano (Vivid Man, Metro/Rage)
* The Best of Jon Vincent
* Big Bang (Falcon Video Pac 69)
* Big Sir (Vivid Man)
* Billboard
* Cum in My Ass
* Dreams of Damien
* Dripping Cum
* Fond Focus (Directed by Chi Chi LaRue)
* French Kiss (Directed by Chi Chi LaRue)
* Gay Sex in Public Places
* Hard Steal
* Huge Cocks Huge Toys
* Idol Eyes
* Incredible Anal
* Inside Vladimir Correa (Venus/Stallion Videos)
* Joey
* The Legend of Joey Stefano
* Man of the Year
* Marked Men
* Masquerade
* Matt Gunther & Friends (Rage Video)
* Men Of Forum (Directed by Sam Abdul)
* Men Who Love Cock
* Men with Uncut Dicks
* Monster Cocks
* More of a Man (Directed by Jerry Douglas)
* My Cousin Danny (Mustang Video Pac 18. Directed by Chi Chi LaRue)
* Obsessively Compulsive
* On the Rocks
* One Man’s Poison
* Penis Fly Trap
* Perfect Tens
* Plunge (Falcon Video Pac 66)
* Prettiest Face I Ever Came Across (Vivid Man)
* Prince Charming
* Ranger Nick II
* Revenge-More than I Can Take! (Falcon Video Pac 67)
* Scoring
* Sex in Wet Places
* Slave to Cock (Vivid Man)
* Songs in the Key of Sex
* Stryker’s Best Powerful Sex
* Sweet in the Bootie (identical to Jocks Videopac #40)
* "Tijuana Toilet Tramps"
* Tough Competition 2
* Uncut Club
* Undergear
* What Men Do
* Young Guys with Tight Asses
Tórtola de Valencia
La musa del “jabón” que enamoró a los poetasTórtola Valencia se hizo popular gracias a su imagen en productos de cosmética, pero fue musa de artistas y poetas en los primeros años del siglo XX, entre ellos Pío Baroja y Valle-Inclán. Su biografía, como cuenta en este artículo María Pilar Queralt del Hierro, autora de un libro sobre la bailarina sevillana, está llena de secretos, como su homosexualidad.
Tórtola Valencia había iniciado su carrera en Londres como una componente más de la inmensa pléyade de artistas que, en la Europa fin de siècle, militaba en las filas de las varietés. No obstante, su talante refinado y culto y su voluntad por hacerse con un estilo propio, pronto la apartaron de otras profesionales como la Bella Otero o Cléo de Merode y su nombre, convertido en fuente de inspiración de pintores y poetas, se unió al de sus más ilustres coetáneas y colegas: Isadora Duncan y Ana Pavlova.
Bautizada por Rubén Darío como la "bailarina de los pies desnudos", su carrera se desarrolló entre 1908 y 1930, cuando el mundo de la danza se rendía ante el genio de Isadora Duncan y la magia única de los Ballets Russes de Serguei Diáguilev. Sería imposible entender sus pretendidas danzas exóticas o los movimientos rítmicos y sensuales de sus pies descalzos sin aquella Europa colorista, artificiosa y decadente de las primeras décadas del siglo XX.
Contradictoria, enigmática y libre, Carmen Tórtola Valencia nunca reveló demasiados datos sobre sus orígenes o su intimidad. Se sabe que nació en el sevillano barrio de Triana el 12 de junio de 1885 del matrimonio formado por Lorenzo Tórtola y Georgina Valencia, una pareja humilde de origen catalán. Lo cierto es que su nacimiento está lleno de incógnitas a las que ella misma contribuyó con continuas fantasías que tan pronto la convertían en una humilde gitana, como en la hija ilegítima de un sacerdote o de un grande de España. A los 3 años viajó con sus padres a Londres, posiblemente huyendo del cólera que se cernía sobre la Península y cuando, en 1889, éstos emigraron a Oaxaca (México), ella permaneció en la capital británica con una familia de la alta burguesía londinense que le procuraró una completa formación. Aprendió seis lenguas así como música, danza, y dibujo.
La muerte de su tutor en 1906 la dejó en la más absoluta ruina. Tórtola contempló sus posibilidades y decidió que, puesto que la opción de contraer un matrimonio de interés coartaba su libertad, no le quedaba más remedio que vivir de lo único que sabía hacer: bailar. Poco después, en 1908, debutó en el Gaiety Theater de Londres con el musical Havana, donde se presentó como la Bella Valencia. Por entonces, era una jovencita de cara redonda y formas opulentas, que no dudaba en explotar sus orígenes españoles en números falsamente folclóricos.
No tardó en destacar y, un año después, llevó a cabo su primera gira europea, que se inició en Viena y concluyó en el Folies Bergère de París. Su paso por la capital francesa fue definitivo. Allí tuvo ocasión de asistir a la actuación de Loïe Fuller e Isadora Duncan, y ello cambió definitivamente su forma de hacer sobre el escenario. Poco a poco comenzó a crear sus propias coreografías que pintaba con tintes orientalistas y adornaba de pinceladas costumbristas. Una excelente combinación que la llevó a convertirse en la artista sensual y mística, exótica e innovadora, que cautivó al universo intelectual europeo y americano entre 1910 y 1930.
Sus triunfales tournées en los escenarios europeos llamaron la atención de los empresarios españoles y el 2 de diciembre de 1911 debutó en el teatro Romea de Madrid. No era ni el lugar ni el momento adecuado. Allí se vio obligada a compartir cartel con otros artistas de variedades asiduos del local que ya contaban con un público fiel y poco amante de innovaciones. El fracaso fue estrepitoso y Tórtola decidió poner tierra de por medio. Por entonces ya se relacionaba con los círculos intelectuales y artísticos de la capital y fueron ellos quienes, decididos a no hurtar al público español una artista de su categoría, insistieron hasta conseguir que dos años después se presentara en el Ateneo de Madrid —apoyada por nombres tan ilustres como Valle Inclán, Pío Baroja, Rubén Darío o Ignacio Zuloaga—, donde su éxito fue rotundo.
Desde entonces, Tórtola Valencia se erigió en musa indiscutible de intelectuales y artistas mientras conseguía el favor de un público cada vez más amplio. Las giras se sucedían y su popularidad llegó a cotas muy altas cuando, en 1915, hizo una corta incursión en el cine como protagonista de Pasionaria y Pacto de lágrimas. Es más, consiguió entrar en la mayoría de hogares españoles cuando prestó su imagen para la popular Maja que preside los envases de la línea homónima de la casa Myrurgia. Sólo la Gran Guerra pudo desplazarla de los escenarios europeos. Pero su nombre empezaba a ser conocido en Latinoamérica donde, con el tiempo, llegaría a ser un auténtico ídolo de masas. Tórtola Valencia vivió un largo idilio con los países del Cono Sur y allí, precisamente, conoció a quien iba a ser el gran amor de su vida.
Ambigua. Conocer la verdad sobre el mundo afectivo de Tórtola Valencia es prácticamente imposible. En este ámbito es donde queda más patente la dualidad entre Carmen y Tórtola, entre la mujer y el personaje público. Supo, como nadie, envolverse en un torbellino sofisticado y exquisito hecho de seda, diamantes y champagne que la convertía en un ser casi inaccesible. Se unía a ello un físico excepcional: esbelta, de piel muy blanca y cabello oscuro, facciones correctas y ojos de un inverosímil color verde oscuro, jugó a ser una mujer distante a medio camino entre la femme fatale y la mujer libre e independiente que auguraba el recién estrenado siglo XX.
Se rumoreó que había gozado de la admiración de diversos personajes de la aristocracia o el mundo intelectual entre los que se barajaron los nombres de D’Annunzio, el príncipe de Gales y Alfonso XIII, pero lo cierto es que sólo dos hombres se vinculan oficialmente a su biografía amorosa: Ignacio Zuloaga —quien pintó su más conocido retrato en 1912— y el marqués de Vinent. Al primero le conoció en 1911 en Madrid y es posible que entre ambos surgiera una historia de amor, pero el artista vasco estaba casado y no hay más testimonio de su relación que la de una larga y profunda amistad. Con Antonio de Hoyos , marqués de Vinent, los rumores fueron más allá y, en 1927, se publicó la noticia de un posible matrimonio entre ambos.
Se habían conocido en 1912 con ocasión de su debut en el Ateneo de Madrid y en su compañía había hecho varios viajes a España y al extranjero. Inteligente, esnob, libre y bien relacionado, era, sin duda, el compañero ideal para Tórtola pero, al año del anuncio de boda, llegó el desmentido. La razón de la ruptura la conocía todo Madrid: Antonio de Hoyos y Vinent era homosexual. La relación con Tórtola era una magnífica tapadera en unos tiempos que no se caracterizaban por el respeto a la condición sexual de los individuos.
Lo que se desconocía era que había otro motivo. Y se llamaba Ángeles Vila-Magret. Tenía 14 años menos que la bailarina y, desde que las presentó un amigo común, entre ambas se estableció una relación profunda e íntima en la que Ángeles se convirtió en la organizadora del mundo cotidiano de la diva y en la guardiana perfecta de su memoria.
Posiblemente para cubrir las apariencias, en 1942, Tórtola la adoptó legalmente como hija y a ella encomendó que, a su muerte, su legado fuera depositado, como así se hizo, en el Museo del Teatro, actual Institut del Teatre, de Barcelona. En 1928, poco después de conocerse, Tórtola escribió en la primera página de un álbum de autógrafos que regaló a su amiga: "Angelita: Para recoger sólo firmas de personas que valen la pena recorriendo mundo a mi lado". Y, realmente, así fue. Recorrieron el mundo, compartieron un verdadero hogar y, desde entonces, no se separaron jamás. En sus brazos y a causa de una insuficiencia cardíaca, murió Tórtola el 13 de marzo de 1955.
Llevaba 25 años retirada en su casa del barrio barcelonés de Sarriá, sin más aparición pública que una puntual entrevista radiofónica en 1943 que también recogió la prensa. Para justificar su retirada en pleno triunfo, aseguró que el motivo no era otro que una promesa cuando Ángeles enfermó gravemente en 1930. La realidad era muy distinta. Tórtola Valencia fue lo suficientemente inteligente como para retirarse a tiempo. La eclosión del Art-déco, el cine sonoro o las nuevas bailarinas que alejaban sus danzas de los gustos del público. Cierto que contaba con seguidores incondicionales, pero era consciente de que su arte era el de la curva sinuosa, el barroquismo en los tejidos, los brillos, los oropeles… Una estética que, definitivamente, había periclitado.
Refugiada en su casa de Barcelona, vivió su época más serena dedicada a la pintura y al coleccionismo, entre antigüedades, cuadros y álbumes de sellos, y el recuerdo omnipresente de su triunfo escénico. Culta, refinada, libre y ególatra. Prodigiosa en el escenario y celosa de su intimidad. Ésa fue Tórtola Valencia. Una de las mujeres más fascinantes de su tiempo.
* María Pilar Queralt del Hierro (Barcelona, 1951) es licenciada en Historia Moderna y Contemporánea y autora de numerosos libros.
Cuatro poesías inspiradas en sus movimientos
Iba en un paso rítmico y felino / a avances dulces, ágiles o rudos, / con algo de animal y de felino... / La bailarina de los pies desnudos / Su falda era la falda de las rosas, / en sus pechos había dos escudos... / constelada de casos y de cosas... / La bailarina de los pies desnudos. / Bajaban mil deleites de los senos / hacia la perla hundida del ombligo, / e iniciaban propósitos obscenos / azúcar de fresa y miel de higo. / A un lado de la silla gestatoria / estaban mis bufones y mis mudos... / ¡Y era toda Selene y Anactoria / la bailarina de los pies desnudos!
Ruben Darío, 1912
Las manos de Tórtola / Tus manos son cual dos palomas blancas / de tu hermosura en el radiante cielo / porque el poder de tus miradas francas / las detuvo en su vuelo. / Senderos son de gloria / tus dos brazos / y son tus manos / mágicas y bellas, / de esas dos cintas de sutiles lazos / dos broches de estrellas. / Son terribles, sagradas y piadosas: / con tus uñas clavadas en mi cuello / moriría, creyendo que dos rosas / con sus espinas fieras y celosas / señalaban mi muerte con el sello / de las muertes gloriosas.
Pío Baroja, 1914
Tiene al andar la gracia del felino, / es toda llena de profundos ecos, / anuncian sus corales y sus flecos / un sueño oriental de lo divino. / Los ojos negros, cálidos, astutos, / triste de ciencia antigua la sonrisa, / y la falda de flores una brisa / de índicos y sagrados institutos. / Cortó su mano en un jardín de Oriente / una manzana del árbol prohibido / y enroscada a sus senos la serpiente / devora la lujuria de un sentido sagrado / Mientras, en la tiniebla transparente / de sus ojos, la luz pone un silbido.
R. M. del Valle-Inclán, 1922
Un fuego de rubíes todo tu cuerpo inflama / diríase que sangre te corre por sudor... / La pasión de tus ojos ha encendido su llama / y toda tú te abrazas en un fuego de amor... / Si Salomé volviese de los infiernos rojos / (donde es flor de las llamas su ardiente corazón) al sentir en sus ojos el fuego de tus ojos / diría que el infierno está en tu corazón. / Y luego, cuando viese tu danza de los velos / sentiría el tormento del fuego de los celos / y en vez de la sangrienta cabeza de Johanan / ¡Pediría tu alma al Tetrarca Satán!
R. Gómez de la Serna, 1925
Angelica Huston en The Grifters
Efebo
[editar] Los Efebos en el Arte
En las pinturas del renacimiento podemos hallar retratados a modelos varones bastante andróginos, siendo requeridos por los pintores de aquella época para inmortalizar sus inusuales dotes físicas en sus obras en las que resaltan las de tema sagrado, como por ejemplo las pinturas representativas de Santos Católicos, entre ellos el apóstol Juan, discípulo amado de Jesús, a quien difícilmente se le diferencia de una mujer e incluso en la obra maestra de Leonardo da Vinci llamada "la última cena" se le llega a confundir con María Magdalena.
Los Ángeles como Rafael, Miguel y Gabriel, entre otros, son muchas veces representados en las obras de arte escultura, pintura etc., como hombres corpulentos que irradian fuerza y respeto, pero con rostros de admirables rasgos femeninos con largos cabellos ensortijados, que inspiran ternura y dulzura, en marcado contraste con sus fornidos y viriles cuerpos de guerreros de Dios.
Incluso las imágenes del propio Jesucristo a través de los siglos han ido estilizándose, hasta tener una apariencia femenina, con el propósito de atenuar la rudeza y seriedad de lo masculino y resaltar las virtudes asociadas a lo femenino como bondad, ternura etc.
Desde la antigua Grecia y hasta hoy, los efebos y su figura han llevado un mesaje erótico implícito.
[editar] Efebos Reconocidos
* Ganimedes copero del Olimpo amado por Zeus
* Cipariso compañero del dios griego Apolo
* Jacinto un amante de Apolo aficionado a la belleza masculina.
* Crisipo debido a su belleza fue ultrajado por Layo
* Bagoas eunuco favorito de Alejandro Magno.
L a semilla del diablo
Joe Landon
Joe Landon (real name Brian Benham) (born 26 June 1976 in Chicago, Illinois) is a gay porn star who makes pornographic movies, almost exclusively for Delta Video.His first film, "My Friend Brian" was an amateur solo video shot, produced and sold by a schoolmate of his. It was available solely online. It was probably this scarce amateur video that launched his very successful career in professional adult gay films.
Landon became a quick ’hit’ in the world of gay porn after the release of his first movie, Joe’s Big Adventure, released in 1998 by Delta Video. He is known for his youth, muscular build, strong facial forms, and blond hair. However, he is perhaps most known for his 10 inch, slightly curved, circumcised penis. In all of his movies, Landon performs as the top in various sex acts.
Landon’s qualities were not overlooked at the various award ceremonies for gay porn, and during the course of his short career (he made only five movies before ’retiring’ from the porn business), he won several awards, including:
* 1999 Grabby Award for Best Actor: The Apprentice
* 2000 GayVN Video Awards Best Solo Performance: Joe’s Big Adventure
* 2003 Grabby Award for Best Actor: The Apprentice 2: Dark Heart
After making four videos as an exclusive for Delta Video (including A Young Man’s World directed by Kevin Clarke), he performed in one video for Flashpoint Studios. Landon has been in a relationship with fellow gay porn performer Dave Parker.
Pregunta
No es una pregunta trampa.
Ninguna frase tiene doble sentido:
Una mujer, mientras asistía al funeral de su madre, vió un hombre que no conocía. Pensó que ese era el hombre de su vida, tanto que se enamoró de él en aquel momento, pero no le pidió ni nombre ni teléfono y ya no pudo verlo de nuevo. Unos días más tarde, esta mujer mató a su hermana.
PREGUNTA: ¿POR QUÉ LA MATÓ?
(piensa un poco antes de responder)
Antonio de Felipe
Pintor español nacido en Valencia en 1965. Dentro del arte Pop, desarrolla una extensa obra con extensas series donde rinde homenaje al mundo de la publicidad, el cine o la pintura barroca española. También destacan sus series de retratos y la de "vacas". Ha expuesto en Madrid, Cádiz, Barcelona, Granada, Bilbao... y en ciudades europeas como Hamburgo o Bruselas. Ha colaborado con Pedro Almodóvar y su obra ha ilustrado múltiples publicaciones. Sus cuadros forman parte de prestigiosas colecciones, destacando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Sus exposiciones han dado la vuelta a España. Destacan varios clásicos: Meninas: Burjasot (Valencia), Marbella (Málaga), Zaragoza. Madonnas: Mislata (Valencia), Zaragoza. Divinas: Valencia, Ferrara (Italia). Retratos: Valencia, Murcia. Logotipos: Valencia, Barcelona, Castellón, Granada, Murcia. Muy refrescante: Bilbao, Madrid, Barcelona, Murcia. Lo + pop: Cádiz, Ryder Cup en Algeciras (Cádiz), Córdoba, Huelva, Granada, Albacete, Cuenca, Cáceres, Pamplona, Logroño, Valladolid.
Jordi Labanda
Jordi Labanda és un joven ilustador que nació en Uruguay el año 1968, y que vive en Barcelona desde los 3 años. Después de estudiar diseño industrial en Barcelona decidió hacerse ilustrador comercial, hasta que llegó ha ser uno de los ilustradores mas cotizados del mundo gracias a la sencillesa de sus trazos al dibujar. Le llamó mucho la atención los dibujos de las revistas americanas y la idea de dibujar dibujos tan estupendos.BACKGROUND?
Jordi Labanda
Jordi Labanda estudió diseño industrial en Barcelona, donde después decidió hacerse ilustrador comercial. Desde el año 1994 Jordi Labanda trabajó en diferentes periódicos y revistas procedentes de España, incluindo La Vanguardia, El País, Woman, Elle y Vogue, donde la misma editorial incluía también las revistas americanas como Interview, Cosmopolitan, Marie Claire, The New York Times, Wallpaper, entre muchísimas otras. Hasta que el año 1995 empezó a trabajar extensivamente en el mercado internacional. Lo que Jordi decidió hacer fue un "Book" para que se conocieran mas sus dibujos, y ser mas cotizado. Pues gracias a una agencia de ilustradores que le dieron un trabajo para dibujar, pudo ir a New York y a otros sitios mas. Los dibujos de Jordi Labanda además de salir en revistas, paginas web, periódicos e incluso en anuncios de televisión, también salieron en portadas de discos de música.
Amor sagrado de Julio Romero de Torres
Julio Romero de Torres (9 de noviembre de 1874 - 10 de mayo de 1930) fue un pintor español. Nació y murió en Córdoba, donde pasó gran parte de su vida. Hijo del también pintor y conocido Rafael Romero Barros, director del Museo Provincial de Bellas Artes de Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a la temprana edad de 10 años. Gracias a su afán por aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX y conoció ya desde muy joven todos los movimientos artísticos dominantes de esa época.Julio Romero de Torres participó con intensidad en todos los acontecimientos artísticos de Córdoba y España. Ya en el año 1895 participó en la Nacional en Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones de 1899 y 1904, donde fue premiado con la tercera medalla. En esta época inició su experiencia docente en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba.
En 1906, el Jurado de la Nacional rechazó su cuadro Vividoras del Amor, lo que provocó que el Salón de Rechazados fuera más visitado que las salas de la Exposición Nacional. Ese mismo año marchó a Madrid, para documentarse y satisfacer su inquietud renovadora. Después realizó viajes por toda Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos.
En 1907 concurrió ya con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo por fin su primera medalla en la Nacional del año 1908 con su cuadro Musa gitana. También recibió el primer premio en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años después en la Internacional de Munich del año 1913. En la Exposición Nacional de 1912, cuando Romero de Torres aspiraba a la medalla de honor, su obra no fue reconocida, lo que provocó que sus admiradores le entregaran una medalla de oro cincelada por el escultor Julio Antonio. Cuando sus cuadros tampoco fueron premiados en la Exposición de 1915 con la medalla de honor decidió retirarse definitivamente de las Exposiciones Nacionales.
En 1916 se convirtió en catedrático de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, instalándose definitivamente en la capital. A partir de aquí, su obra comenzó a representar el pabellón español en diversos certámenes internacionales, convocados en París, Londres, etc. Sin embargo, el gran momento de éxito se produjo en Buenos Aires, el año 1922. En agosto de ese mismo año Julio Romero de Torres había viajado a la República Argentina acompañado de su hermano Enrique, y en los últimos días de este mismo mes se inauguró la exposición, que fue presentada en el catálogo por un espléndido texto de Ramón Valle-Inclán. La muestra constituyó un éxito sin precedentes. Fue miembro de la Real Academia de Córdoba y de la de Bellas Artes de San Fernando. También exhibió su obra en la Exposición Iberoamericana de Sevilla en 1929, y en múltiples exposiciones individuales en nuestro país y en el extranjero.
A principios de 1930, Julio Romero de Torres, agotado por el exceso de trabajo y afectado de una dolencia hepática, volvió a su Córdoba natal para tratar de recuperarse. Pintando en su estudio de la Plaza del Potro, realizó entre los meses de enero y febrero la que sería su obra final y más célebremente conocida, La chiquita piconera.
El 10 de mayo de 1930 moría Julio Romero de Torres en su casa de la Plaza del Potro en Córdoba, hecho que conmocionó a toda la ciudad. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que participaron en masa desde las clases trabajadoras más humildes hasta la aristocracia cordobesa, dejaron patente la inmensa popularidad de que gozaba el pintor cordobés.
Twin Peaks
